El beso del Hada

EL BESO DEL HADA

 

 

 

El Beso del Hada es un ballet de un acto y cuatro escenas, compuesto en 1928 por Igor Stravinsky y revisado en 1950 para la coreografía de George Balanchine y el New York City ballet.

Está inspirado en un cuento de Hans Christian Andersen, La Reina de las Nieves, de quien utilizaría antes uno de sus cuentos para la ópera-ballet Le Rossignol. Es un homenaje a Tchaikovsky, tomando como referencia algunas de sus tempranas melodías. Ida Rubinstein encargó, patrocinó e interpretó el papel principal de la obra, y Nijinska se encargó de la coreografía en la premiere en el Théâtre de l’Opéra París, realizando los decorados Alexandre Benois.

En 1937 Balanchine realizó la coreografía del ballet de larga duración de su American Ballet en el Metropolitan Opera House titulado The Fairy’s Kiss, y se ajustó a la partitura de Stravinsky. Para el Festival Stravinsky de 1972, Balanchine creó una obra completamente nueva que utilizó extractos de la suite de conciertos creada por Stravinsky en 1934.

En 1974, Balanchine añadió un movimiento final al ballet que es la versión que se realiza hoy como Divertimento de ‘Le Baiser de la Fée’. La premiere americana, tras la revisión de la obra y nueva coreografía de Balanchine, se llevaría a cabo el 27 de Abril de 1937, en el Old Metropolitan Opera House de New York.

Argumento

Una mujer que ha dado a luz un niño muere en una tormenta de nieve, un hada encuentra al pequeño y lo besa salvando su vida.

Lo criarán unos campesinos suizos. El niño crece y se enamora, pero la noche antes de la boda el Hada regresa disfrazada de gitana y le advierte que nunca se casará con su amada, porque el beso que recibió de pequeño selló su destino en un mundo alejado de los seres humanos comunes y corrientes.

 

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Aguas primaverales

AGUAS PRIMAVERALES

 

 

 

Este ballet, creado por el coreógrafo ruso y ex bailarín del ballet Bolshoi, Asaf Messerer, es una pequeña pieza de concierto que suena dulce y serena, pero sus acrobacias son sorprendentes y capturan la energía de la primavera, más que su suavidad.

La música es una versión orquestal del lied homónimo de Rachmáninov, que en el original utiliza el texto del poeta ruso Fiodor I. Tiuchev.  La pieza coreográfica es uno de los más famosos números de concierto creado por Asaf Messereí y fue incorporada al repertorio del Ballet Nacional de Cuba en 1965. El poema de Tiuchev expresa:

“Aunque la nieve todavía blanquea los campos
ya está aquí la primavera en el murmullo de las aguas
que corren y despiertan las orillas dormidas,
que corren y bailan y cantan.
Cantan en voz alta y en voz baja:
¡Llega la primavera! ¡Llega la primavera!
Somos los jóvenes heraldos de la primavera,
ella nos mandó a adelantarnos a su llegada.
¡Llega la primavera! ¡Llega la primavera!
¡Y la danza brillante y rosácea
de los tranquilos días de mayo
se arracima alegremente junto a ella!”

Asaf Messerer coreografió el pas de Aguas primaverales en la década de 1950. En trajes de blanco y oro, los bailarinas del Bolshoi Lyudmila Bogomolova y Stanislav Vlasov irrumpieron en el escenario como rayos de sol. La escena en donde Bogomolova salta sin temor a los brazos de Vlasov irradia calor hasta las secciones más lentas. Antes del final la atrapa a su compañera, la arroja al aire y sale corriendo del escenario.

Si bien los estándares técnicos han cambiado con el paso del tiempo el rendimiento de Bogomolova y Vlasov es único. Cuando los bailarines se volvieron más flexibles, más capaces de sostener técnicas físicas más duras, y las zapatillas de punta se construyeron más personalizadas para cada tipo de pie, cuerpo y papel, la coreografía se transformó en el exceso salvaje y los levantamientos espectaculares que comenzaron a verse a partir de 1986.

Este gran ballet es maravilloso,  ese ascensor al final, donde ella está literalmente sentada en la palma de la mano de su partenaire, su brazo estirado hacia arriba por encima de su cabeza y su rodilla delantera doblada, pierna trasera en arabesque y está corriendo por el escenario y en las alas como si la hubiera lanzado.

1964

 

 

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La doncella de la nieve

La doncella de la nieve

 

 

 

Snegúrochka, o Doncella de la Nieve, es un personaje de los cuentos de hadas rusos. En la historia, ella es la hija de la primavera y la helada, quien anhela la compañía de humanos mortales. Ella crece junto a un pastor llamado Lel, pero su corazón es incapaz de sentir amor. Su madre se apiada de ella y le da esta habilidad, pero en cuanto se enamora, su corazón se calienta y ella se derrite.

Esta versión de la historia fue hecha una obra de Aleksandr Ostrovski, con música de Piotr Ilich Tchaikovski. Esta versión de la historia se convirtió en una obra de Alexander Ostrovsky, con música incidental de Tchaikovsky También a Snegurochka se la representa como la nieta y el ayudante de Ded Moroz, la versión rusa de Papá Noel.

En 1878, el compositor Ludwig Minkus y el maestro en ballet, Marius Petipa, montaron una adaptación de Snegúrochka titulada “La hija de las nieves por el Ballet Imperial del Zar”. El cuento también fue adaptado a una ópera por Nikolái Rimski-Kórsakov, conocida como La doncella de nieve. Esta historia fue adaptada en dos películas soviéticas: un film animado de 1952 con música de Rimski-Kórsakov, también llamada “La doncella de nieve” y una película de 1969 dirigida por Pável Kádochnikov, con música de Vladislav Kladnitski. Ruth Sanderson cambió la historia en el libro ilustrado “La princesa de la nieve”, en el cual enamorarse no mata inmediatamente a la princesa, pero sí la convierte en una mortal.

En una versión diferente, como el que aparece en la colección de Louis Léger en “Contes Populaires Slaves”, una pareja de ancianos hacen una niña de nieve, quien se convierte en un ser vivo. Un grupo de niñas la invitan a dar un paseo en el bosque, después del cual hacen una pequeña fogata y las niñas brincan sobre ésta; en algunas variantes, esto ocurre el Día de San Juan, y esta es una tradición de ese día. Cuando llega el turno de Snegúrochka, ella brinca pero queda a mitad del camino antes de evaporarse en una pequeña nube.

En 1878 el compositor Ludwig Minkus y Marius Petipa Balletmaster llevaron a cabo una adaptación de ballet de Snegurochka titulado La Hija de las Nieves. La historia también fue adaptada en una ópera por Nikolai Rimsky-Korsakov conocido como La Doncella de Nieve.
La historia se ha adaptado en dos películas soviéticas: una película de animación en 1952 con algunos de la música de Rimsky-Korsakov, también llamada La Doncella de Nieve, y una película de acción real en 1969 dirigida por Pavel Kadochnikov, con música de Vladislav Kladnitsky.

La historia trata sobre la oposición de las fuerzas eternas de la naturaleza e implica la interacción de personajes mitológicos (Primavera, Escarcha, Espíritu del Bosque) gente real (Mizgir, Kupava) y aquellos mitad míticos-mitad reales (La Doncella de Nieve, Lel, Berendey).

El compositor se esforzó por distinguir a cada grupo de personajes musicalmente y varios de ellos tienen asociado su propio “leitmotiv”. Además de estas distinciones caracteriza a la gente del pueblo en particular con melodías populares. Rimsky-Korsakov manifestó sus preferencias hacia esta obra, a la que consideraba su favorita.

PRÓLOGO

Tiempo: Época Prehistórica. Lugar: La tierra de los Berendeyans. En su capital reside el Zar Berenday y es lugar de reunión de los comerciantes.

En la Colina Roja, paisaje cercano a la ciudad, Snegurochka (La Doncella de Nieve) hija de la Primavera y del Hielo Escarcha ha crecido apartada de los humanos, sólo con la amistad del pastor Lel. A sus quince años quiere irse a vivir con la gente del pueblo cercano y sus padres le conceden este deseo enviándola a Bobyl-Bakula y su esposa, un matrimonio mayor sin hijos.

ACTO I

En el pueblo de Berendeyevka, en el otro lado del río. Snegoruchka escucha complacida las canciones de su amigo el pastor Lel, pero se entristece cuando éste se aparta de ella para irse con un grupo de muchachas. La joven Kupava, hija de un rico comerciante anuncia su próxima boda con Mizgir, pero éste queda prendado de Snegoruchka y con pasión le pide su amor. Kupava comenta afligida ante los aldeanos este desaire y ellos le aconsejan que acuda al Zar en busca de reparación.

ACTO II

En el palacio del Zar Kupava expone sus quejas ante el Zar Berendey, que decide desterrar a Mizgir al bosque. Ante la aparición de la hermosa Doncella de Nieve, todos quedan sorprendidos y el soberano le pregunta a quien ama, ella responde “a nadie”, pues su corazón no conoce este sentimiento. El Zar anuncia entonces que quien la corteje y despierte su amor podrá casarse con ella y recibirá además una recompensa real. Todos piensan que Lel es el candidato más probable, pero Mizgir jura que va a ganar el corazón de Snegurochka.

ACTO III

En un lugar del bosque, al anochecer. Las gentes del pueblo se divierten con canciones y bailes. El Zar invita a Lel a elegir una doncella y a pesar de las súplicas de Snegurochka, Lel besa a Kupava y se va con ella. Snegurochka queda sola y desconsolada preguntándose por qué Lel la ha rechazado. Mizgir aparece de pronto e intenta una vez más ganar su amor, ella asustada por sus palabras sale corriendo. Aparecen Lel y Kupava declarando sus mutuos sentimientos, Snegurochka se encuentra con ellos y al ver su felicidad, desea también poseer la capacidad de amar.

 

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La Estancia

La Estancia

 

 

En 1939 Alberto Ginastera  compuso el ballet Panambí, considerado por sus biógrafos su primera obra importante. Le había sido comisionado por Lincoln Kirstein, uno de los más inquietos promotores artísticos norteamericanos en el campo de la música, la danza, la literatura y el cine, con el objeto de que el célebre coreógrafo George Balanchine lo montara con la compañía del American Ballet Caravan.

La pieza debía basarse en la vida rural argentina. Alberto Ginastera  supo, con gran maestría, traducir en música la geografía argentina y sus habitantes. La partitura recorre a partir de sus distintos cuadros, escenas musicales que reflejan a la pampa, al gaucho y al trabajo rural. La partitura fue escrita, pero la compañía se disolvió y la obra no llegó a realizarse. La inminencia de la Segunda Guerra Mundial frustró la posibilidad de que la obra llegara a subir efectivamente a escena.

En 1943 se estrenó en Buenos Aires una versión concierto de sólo cuatro danzas. La repercusión fue tan inmediata como favorable. Pero la primera presentación completa del ballet, con coreografía de Michel Borowsky, se produjo recién en 1952 en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Estancia, inspirada en el Martín Fierro, rescata al gaucho olvidado y es un homenaje a la Argentina. Se hicieron versiones con estéticas diversas por todo el mundo, pero en Argentina ha sido relacionada con las fechas patrias, como aquel festejo por los 150 años de la independencia: el 9 de julio de 1966, con coreografía de Oscar Aráiz, también en el Colón.

Carlos Trunsky seleccionó de la partitura original completa un total de ocho danzas, las cinco más enérgicas y las tres de mayor lirismo. “Estancia es una recreación del icónico ballet homónimo de Alberto Ginastera. Esta versión fue estrenada en 2010 con el Ballet Estable del Teatro Argentino de la Plata para los festejos del bicentenario de la República Argentina.

Alberto Ginastera  supo, con gran maestría, traducir en música la geografía argentina y sus habitantes. La partitura recorre a partir de sus distintos cuadros, escenas musicales que reflejan a la pampa, al gaucho y al trabajo rural.

 

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Ballo della Regina

Ballo della Regina

 

 

Ballo della Regina (Baile de la Reina) es un ballet de un solo acto coreografiado por George Balanchine con música de Giuseppe Verdi. Se trata de un conjunto de variaciones de la música de ballet (titulada La Peregrina) que Verdi cortó del Acto 3 de la versión original de 1867 de su ópera Don Carlos. Su estreno fue el 12 de enero de 1978, por el New York City Ballet en el New York State Theatre en el Lincoln Center.

Balanchine no era ajeno a la ópera. No solo creó ballets para la música de obras como La Sonnambula y Don Sebastián, también coreografió las porciones de ballet de muchas producciones de ópera. Sintió que la ópera enseñaba algo importante. “De la forma en que Verdi trata el coro”, le dijo Balanchine al biógrafo Bernard Taper, “he aprendido a manejar el cuerpo de baile, el conjunto, los solistas, cómo hacer que los solistas se destaquen contra el cuerpo, y cuándo dar ellos un descanso “. Ballo della Regina es un conjunto virtuoso de variaciones, comparable al estilo de la ópera bel canto. Está configurado para la música de ballet que fue cortada de la producción original de Don Carlo de Verdi. Lincoln Kirstein escribe que el ballet parece tener lugar en una gruta, con referencia a través de la iluminación y el vestuario a la historia original de la búsqueda de un pescador de la perla perfecta.

El trabajo se destaca por el alto grado de dificultades técnicas que presenta para el protagonista femenino.  Ballo della Regina apareció en una actuación de PBS ganadora de un Emmy titulada Balanchine: Dance in America – Ballo della Regina

Las hazañas técnicas asombrosas de la coreografía de Ballo della Regina se concibieron originalmente para desafiar a la bailarina principal, que debe exhibir alegría despreocupada mientras realiza pasos que superan los límites de la posibilidad física. Respaldando la espuma y los retozos de este alegre ballet, se encuentra uno de los roles de bailarina más diabólicamente técnicos en el canon Balanchine, que exige una capacidad para giros vertiginosos y reflejos veloces. Ubicado en una gruta submarina a la música contagiosamente alegre de la ópera Don Carlos de Verdi , el poema de baile de Balanchine es un escaparate para la bravura virtuosa de las bailarinas de primer nivel.

 

 

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Chaconne

 

Chaconne

 

Una chacona es una danza, basada en una frase corta, que solían usar los compositores de los siglos XVII y XVIII para terminar una ópera de forma festiva. Esta coreografía, que se representó por primera vez en la producción de Orfeo y Euridice en la Ópera Estatal de Hamburgo en 1963, fue algo alterada para su presentación como el ballet Chaconne particularmente en las secciones para los principales bailarines.

Chaconne es un ballet realizado por New York City Ballet co-fundador y maestro de ballet George Balanchine a partir de la música de ballet de Gluck Orfeo y Euridice. El estreno tuvo lugar el miércoles 22 de enero de 1976 en el Teatro Estatal de Nueva York, Lincoln Center, con iluminación de Ronald Batesy dirigido por Robert Irving. En su estreno fue bailado en trajes de ensayo; Los trajes de Karinska fueron agregados en la temporada de primavera.

El final de Orfeo y Euridice es una chaconne, una forma de danza basada en una frase de contrabajo y utilizada a menudo por los compositores de ópera de los siglos XVII y XVIII para lograr un ambiente festivo al final. La coreografía se realizó por primera vez en la Ópera Estatal de Hamburgo en 1963 y algo alterada en Chaconne, especialmente las danzas de los principales bailarines. Balanchine agregó el pas de deux para Suzanne Farrell y Peter Martins para el ballet de 1976 y el conjunto de apertura (para el 1774 Dance of the Blessed Spirits) para la temporada de primavera.

El primer Orfeo y Eurídice de Balanchine se hizo en la Ópera Metropolitana en 1936; su enfoque, los cantantes que permanecían en el hoyo mientras se bailaba la acción en el escenario, no fue bien recibido; la producción solo tuvo dos actuaciones. Coreografió Orphée et Eurydice para el Théâtre National de l’Opéra de París en 1973 y Orfeo ed Euridice para la Chicago Lyric Opera en 1975 también.

En 1773, Gluck escribió: “Siempre tan simple y natural como puedo hacerlo, mi música se esfuerza hacia la máxima expresividad y busca reforzar el significado de la poesía subyacente. Es por esta razón que no uso esos trinos, coloraturas, y cadencias que los italianos emplean tan abundantemente

“Chaconne” sigue siendo un ballet difícil de bailar. No tiene un centro cohesivo identificable. Como de costumbre, Balanchine se sintió atraído por la música de la ópera de Gluck, Orfeo y Eurídice. El presente ballet se basa en una colección de partes dispares de la partitura, coreografiada en varias ocasiones en Hamburgo, París y Nueva York en la década de 1970

Excepto por la sección de corte de ballet que fue su pretexto original, el preludio y los dos pas de deux principales dejan a los bailarines expuestos dada su gran dificultad.

 

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Las cuatro estaciones de Verdi

 

Las cuatro estaciones de Verdi

 

 

Cuando decimos Las cuatro estaciones siempre pensamos en Vivaldi, pero este ballet no tiene absolutamente nada que ver. A los parisinos presentes en su estreno no les debía suceder lo mismo, porque la música de Vivaldi en esos momentos no era precisamente popular.

La partitura es la música de ballet de la ópera de Verdi “I Vespri Siciliani”, con interpolaciones breves de otras dos óperas de Verdi, “I Lombardi” y “Il Trovatore”. El ballet es sin trama. Pero sigue el escenario de Verdi para sugerencias alegóricas de las diferentes estaciones en un divertissement de una escena del salón de baile. El ballet Las cuatro estaciones se encuentra en el acto III, y viene después de la gran escena entre Montfort y Arrigo. Después de ese intenso diálogo entre ambos hay una fiesta en el palacio del gobernador Montfort.

El telón se eleva para el dios Janus, que introduce las personificaciones de las estaciones. En la sección Invierno ocho mujeres en tutús tiemblan, como las cuerdas de Verdi en el pozo. En términos formales, esta sección es realmente un pas de trois muy interesante con un equipo de respaldo.  Entre sus fascinaciones están la frecuencia con la que los artistas bailan juntos y sus frecuentes cambios de ritmo.

La sección “Primavera” fue llamada “Verdi Variations” cuando fue presentada como parte de “A Sketchbook”.  En ese momento, no tenía connotaciones estacionales, e incluso ahora su fuerte se basa en sus valores de pura danza. Los aspectos cómicos para un conjunto de cuatro hombres se destacan más hoy, y el humor es conceptual.

Verano sugiere un concepto  con un motivo Oriental en la música, corroborado con una atmósfera de harén de danza del vientre para un conjunto de seis mujeres. El buen juicio de uno lleva a desconfiar de esta sección, y sin embargo es posiblemente la más atrevida.  El final es una metáfora para la pasión del verano.

“Otoño” es una Noche de Walpurgis reeditada. Esta bacanal no es probablemente el tipo de ballet en el que Mikhail Baryshnikov esperaba encontrarse fuera de la Unión Soviética.  La velada de los celebrantes masculinos y femeninos se carga con el fervor de la estampida, la bacante y el fauno  se adueñan de la coreografía.

 

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Las cuatro estaciones de Vivaldi

Las cuatro estaciones de Vivaldi

 

 

Las cuatro estaciones es un grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta del compositor italiano Antonio Vivaldi. Es la obra más conocida de Vivaldi. Inusual para la época, Vivaldi publicó los conciertos con unos poemas de acompañamiento (posiblemente escritos por el propio Vivaldi) que describían qué quería representar en relación a cada una de las estaciones. Proporciona uno de los ejemplos más tempranos y detallados de lo que después se llamaría música programática o descriptiva, música con un elemento narrativo. Por ejemplo, el “Invierno” está pintado a menudo con tonos ocuros y tétricos, al contrario el “Verano” evoca la opresión del calor, incluso una tempestad en el último movimiento.

Vivaldi se esforzó en relacionar su música con los textos de los poemas, traduciendo los versos poéticos directamente en música. En la sección media del convierto Primavera, cuando las cabras duermen, su perro ladrando queda marcado por la sección de viola. De la misma manera se evocan otros acontecimientos naturales.

Hay cierto debate sobre si los cuatro conciertos fueron escritos para acompañar a los cuatro sonetos o si fue al revés.​ Aunque no se sabe quién escribió estos sonetos, hay una hipótesis que sostiene que Vivaldi mismo los escribió, considerando que cada soneto está dividido en tres secciones, claramente correspondientes a un movimiento en el concierto. Cualquiera que fuese quien escribió los sonetos, Las cuatro estaciones pueden calificarse de música programática, música instrumental que pretende evocar algo extra-musical​ y una forma artística que Vivaldi pretendía demostrar que era suficientemente sofisticada para ser tomada en serio.​

Además de estos sonetos, Vivaldi proporcionó instrucciones como “El perro que ladra” (en el segundo movimiento de “La primavera”), “Languidez causada por el calor” (en el primer movimiento del “Verano”), y “los borrachos se han quedado dormidos” (en el segundo movimiento del “Otoño”). Las cuatro estaciones se usaron en la película de 1981 Las cuatro estaciones junto con otros conciertos para flauta de Vivaldi.

PRIMAVERA

Llegó la primavera y festejándolo
La saludan los pájaros con alegre canto,
Y las fuentes con el soplo de los cefirillos
Con dulce murmullo discurren entretando:
Vienen cubriendo el aire con negro manto
Y rayos, y truenos, elegidos para anunciarla
Callando así estos, los pajarillos;
Vuelven otra vez a su canoro encanto.

Largo
Y así, sobre el florido y ameno prado,
Al caro murmurar de bosques y plantas
Duerme el cabrero con el fiel can al lado.

Allegro
De la pastoral zanfoña al son festejante
Danzan ninfas y pastores en el techo amado
A la brillante llegada de la primavera.

VERANO

Bajo dura estación por el Sol encendida
Languidece el hombre, languidece el rebaño, y arde el pino;
Suelta el cuco la voz, y cuando la entienden
Cantan la torcaz y el jilguero.
El Céfiro dulce sopla, pero en disputa
Se mueve Bóreas de improviso a su lado;
Y llora el zagal, porque suspendida
Teme a la fiera borrasca, y su destino.

Adagio e piano – Presto e forte
Roba a sus miembros laxos el reposo
El miedo al relámpago, y los fieros truenos
¡y de las moscas, y moscones, el tropel furioso!

Presto
¡Ah, que son sus temores verdaderos!
Truena y fulmina el cielo y granizoso
Trunca las cabezas de las espigas y los granos altera.

OTOÑO

Celebra el rústico, con bailes y cantos
La feliz vendimia y el alegre placer
Y del licor de Baco encendidos tantos,
Acaban con sueño su gozo.

Adagio molto
Hace cada uno saltos y bailes y cantos
El aire que templado da placer,
Y la estación que invita a tantos
De un dulcísimo sueño al bello gozo.

Allegro
Cazador que al alba sale a la caza
con cuernos, escopetas y jaurías salen fuera
Huye la fiera, y la rastrean;
Ya sorprendida, y agotada por el gran ruido
de escopetas y perros, herida amenaza,
Lánguida, con huir, pero abrumada muere.

INVIERNO

Helado tiritar entre la nieve plateada
al severo soplo del hórrido viento
correr batiendo los pies en todo momento;
Y por el soberbio castañetear los dientes;

Largo
Estar junto al fuego, tranquilos y contentos,
Mientras afuera la lluvia moja a ciento.

Allegro
Caminar sobre el hielo, y a paso lento
Por miedo a caer avanzar con cuidado;
Ir firme, resbalar, caerse al suelo
De nuevo ir sobre el hielo y correr rápido
Sin que el hielo se rompa, y se desmenuza;
Sentir que sale de las puertas herradas
Siroco, Bóreas, y todos los vientos en guerra
Esto es el invierno, pero tal, que alegría nos trae.

 

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Mozartiana

MOZARTIANA

 

Mozartiana, ballet  sin trama ambientado en la Suite N ° 4 de Tchaikovsky para Orquesta, con decoración de Christian Bérard, recibió su estreno mundial por Les Ballets en el Théâtre des Champs-Elysées el 7 de junio de 1933, bailado por Tamara Toumanova y Roman Jasinsky.  Con el paisaje y los trajes de Christian Bérard, fue dado su estreno de Estados Unidos por el ballet americano en el teatro de Adelphi, Nueva York el 1 de marzo de 1935. Antes del estreno oficial, Mozartiana fue presentado por la Compañía Productora de la Escuela de Ballet Americano en la finca Warburg en White Plains, Nueva York el 6 de diciembre de 1934. Los principales bailarines fueron Rabana Hasburgh, Holly Howard, Helen Leitch, Daphne Vane, Heidi Vosseler y Charles Laskey.

Fue revisadoa una nueva versión, con trajes de Rouben Ter-Arutunian, por el New York City Ballet en el Teatro del Estado de Nueva York el 4 de junio de 1981 como parte del Festival Tchaikovsky y bailado por Suzanne Farrell y Christopher d’Amboise.

Esta danza de una belleza trascendente,  ambientada en la suite musical del mismo título de Tchaikovsky, fue la última obra maestra de George Balanchine. Fue creado para Suzanne Farrell, su última y más grande musa; de una manera “Mozartiana” era su regalo de despedida a ella. Coreografiado en 1981 para comenzar el festival de Tchaikovsky del ballet de ciudad de Nueva York, este ballet era también un homenaje sincero al mismo Tchaikovsky, que Balanchine toda su vida consideró como mentor e inspiración.

Balanchine creó dos versiones de Mozartiana. La primera fue estrenada en junio de 1933 por Les Ballets en el Théâtre des Champs-Elysées de París, para la bailarina de 14 años Tamara Toumanova. En 1981, Balanchine organizó una nueva versión, con diferentes coreografías, para el New York City Ballet. Fue su última obra importante antes de su muerte dos años más tarde. Es esta versión posterior que forma parte del repertorio del Royal Ballet de Birmingham.

La música en sí es el tratamiento de Tchaikovsky de cuatro piezas de Mozart: Suite No.4 en sol mayor, Op.61 Mozartiana. Consta de tres movimientos cortos: ‘Gigue’, ‘Menuet’, ‘Preghiera’ (Oración) y un ‘Tema y Variaciones’ más largos. La naturaleza misma de la música significa que este no es uno de los ballets “rusos” de Tchaikovsky de Balanchine. Es delicado y espiritual, teñido de humor, y reducido, con sólo siete bailarines y cuatro jóvenes estudiantes. A pesar de la orquestación romántica de Tchaikovsky, la música da al ballet una sensación clásica, o incluso barroca.

Con el fin de proporcionar una narrativa suelta en toda la pieza, Balanchine cambió el orden de los movimientos. Abre el ballet con el ‘Preghiera’, que se basa en el famoso corpus Ave Verum de Mozart para coro. Una bailarina solitaria, vestida como de luto, da la impresión de estar en sus devociones matutinas; cuatro chicas jóvenes la acompañan. A pesar de la brillantez del ballet y el gentil ingenio, no es el recuerdo siempre presente de, si no la muerte, la mortalidad.

En segundo lugar, el brillante movimiento inaugural de Tchaikovsky, la ‘Gigue’, es bailado por un solo bailarín. Ejecuta un solo animado y virtuoso, que dura no más de dos minutos. El majestuoso ‘Menuet’ que sigue, es bailado por cuatro mujeres. La reseña en profundidad de Anna Kisselgoff del estreno de 1981 llamó a este menuet de cuatro minutos, “una de las piezas más perfectas de coreografía de Mr. Balanchine”.

El “Tema y Variaciones”, tan largo como las tres secciones anteriores, es el final para Tchaikovsky y Balanchine. Las diez primeras  variaciones cortas son bailadas por la bailarina y su compañero como un pas de deux, mostrando toda la gama de sus habilidades, de adagio a allegro, pero concentrándose en la bailarina. El final comienza sin descanso ya que las cuatro chicas vuelven a entrar en el escenario. Ellos son rápidamente unidos por el elenco completo para la conclusión.

“Mozartiana” en toda su gloria espiritual fue la pieza central del programa de todo-Balanchine que NYCB presentó en el Teatro David H. Koch durante la temporada de invierno de la compañía. En una actuación reveladora, Sara Mearns, en el papel originado por Farrell, llevó todo el ballet a una nueva altura emocional. En la inauguración “Preghiera”, su baile era tan dramáticamente expresivo y conmovedor que desapareció completamente en su parte; parecía como si no estuviera bailando sino orando.  Alternando la lentitud meditativa con la pasión enérgica, Mearns creó un mundo especial en el escenario, tanto privado como sagrado, bailando como si conversara con lo divino.

Con la animada “Gigue” que siguió, la lúgubre oración dio paso a una jubilosa celebración. Troy Schumacher, un miembro del cuerpo de ballet, hizo una buena impresión en este solo.

Majestuosao, “Menuet” invitó a las bailarinas  en algunas de las más bellas secuencias que Balanchine inventó para un conjunto de cámara. Es la oportunidad perfecta para que las bailarinas del cuerpo de almas vengan den muestra de musicalidad y poder expresivo.

Sin embargo, el momento central de “Mozartiana” es su pas de deux central que devuelve al escenario a la bailarina líder y su caballero para una exuberante serie de duetos y solos.

 

 

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Las llamas de París

Las llamas de París

 

 

Las llamas de París es un ballet clásico con música del compositor Boris Asafiev basado en las canciones de la Revolución francesa, coreografiado por Vasily Vainonen y diseñado por Vladimir Dmitriev. Este ballet de cuatro actos está basado en un libro de Nicolai Volkov.

Fue estrenado en el Teatro Kirov en Leningrado el 7 de noviembre de 1932. Se realizó después otra producción de este ballet el 6 de Julio de 1933 en el Teatro Bolshoi en Moscú.

En la composición de la coreografía para este rico ballet, Vasily Vainonen dibujó sobre muchas fuentes diferentes, al igual que el compositor Boris Asafiev: Las Llamas de París mezclan lo clásico y el baile de carácter, la música de tribunal y canciones populares, el funcionamiento de solos y enormes escenas de grupo.

La coreografía es sobre todo clásica, pero para la parte de Therese, por ejemplo, Vainonen escogió a la bailarina de carácter de Leningrado, Nina Anisimova: ella bailó sólo bailes de carácter, mostrando los movimientos fuertes y expresivos que simbolizan la energía y el espíritu de la muchedumbre.

Por otra parte, los bailes para Philippe y su novia son puramente clásicos: los dos bailan un pas de deux pensado a la manera de los grandes ballets de San Petersburgo.

En la escena en el palacio de Louis XVI, tenemos mucha pantomima tradicional, y Marie Antonieta baila un minué que es una hermosa de coreografía en sí misma.

Como una remota técnica para poner el baile clásico en escena, Vainonen inventó los papeles del par de actores, Mireille de Poitiers y Antoine Mistral, a quienes el Rey ha invitado a un banquete. Éstos son papeles diseñados para bailarines excepcionales que pueden mostrar su virtuosismo en la primacía clásica de deux. Estos actores están, desde luego, del lado de la muchedumbre revolucionaria, de modo que después del asalto del palacio ellos sean unidos por el grupo en los bailes que incluyen variaciones, codas, y la participación de un enorme cuerpo del ballet que consiste en 24 y 32 bailarines posteriores.

La producción original y la coreografía fueron reconstruidas a principios del presente año por Alexei Ratmansky para el Ballet Bolshoi en una forma que difiere radicalmente de la original. Al reducir el ballet de cuatro a dos actos, mucho se ha reorganizado y algunas escenas han sido ligeramente modificadas. La historia se ha visto drásticamente revisada. Y con todos, excepto los 20 minutos de coreografía de Vainonen registrada en una película, la mayoría de la danza es elaboración de Ratmansky

“Las Llamas de París” es un ballet supuestamente “revolucionario”, y toma como sujeto la Revolución francesa, incluyendo en su argumento el asalto al Palacio de la Tullería y el Marzo victorioso sobre París.

Aunque su ajuste sea la Francia del siglo XVIII, esto es una ilustración perfecta del ballet clásico de Leningrado en los años 1920 y años 1930, tiempo durante el cual había un esfuerzo denodado por atar la historia mundial con la situación de Rusia, y mostrar que la Revolución de Octubre era parte de movimientos más universales y acontecimientos históricos.

El ballet se inicia en un bosque cerca de Marsella, donde están el campesino Gaspard y sus hijos, Jeanne y Pierre. Cuando un Conde y su partido de caza real llegan, los campesinos se dispersan, pero Jeanne atrae la atención del Conde, quien intenta abrazarla. Cuando su padre interviene, es golpeado por el criado del Conde y llevado a prisión.

Más tarde, en Marsella, en la Plaza, Jeanne cuenta a la gente lo que ha pasado con su padre, y la indignación de la gente sobre las injusticias de la aristocracia crece tanto que asaltan la prisión y liberan a los prisioneros.

También es retratado en este ballet el tribunal de Versalles en toda su decadencia.

Después de una función en el teatro del tribunal que es seguido de un banquete, los oficiales del tribunal escriben una petición formal al Rey, solicitando el permiso para conspirar contra con los revolucionarios rebeldes.

El actor Antoine Mistral, descubriendo este documento secreto, es matado por el Marqués, pero antes de morir logra pasar el documento a Mireille de Poitiers.

La escena entonces cambia a un una plaza en París, donde el levantamiento y el asalto del palacio están preparados.

Mireille entra precipitadamente con el documento que revela la conspiración contra la revolución; a esta altura, los oficiales del Marqués llegan a la plaza y Jeanne, reconociendo al hombre que la insultó en los bosques, corre hasta alcanzarlo y lo golpea en la cara.

Después de esto, la muchedumbre se precipita sobre los aristócratas. Al sonido de canciones revolucionarias, la gente asalta el palacio. Jeanne ataca al Marqués, quien es matado por su hermano. El vasco Therese, que sacrifica su vida por la revolución.

Finalmente, atrás en la plaza, la gente celebra su victoria sobre los defensores del viejo régimen.

 

 

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Las zapatillas rojas

Las zapatillas rojas

 

Las zapatillas rojas es una película británica de 1948 sobre ballet, escrita, dirigida y producida por The Archers, equipo formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. La película utiliza el recurso del relato dentro del relato y trata la historia de una joven bailarina que se suma a una compañía consolidada y se convierte rápidamente en prima ballerina en un nuevo ballet llamado “Las zapatillas rojas”, basado en el cuento “Las zapatillas rojas” de Hans Christian Andersen. Cineastas como Brian De Palma o Martin Scorsese han incluido Las zapatillas rojas entre sus películas favoritas. Consiguió dos Oscar, a la mejor dirección artística en color y a la mejor banda sonora.

Aunque está lejanamente basada en el cuento de Andersen, se ha dicho que la historia fue inspirada por el encuentro en la vida real entre Serguéi Diáguilev y la bailarina británica Diana Gould. Diághilev le pidió que se uniera a su compañía, pero él murió antes de que ella pudiera hacerlo. Más tarde Diana Gould se convertiría en la segunda esposa del célebre violinista y director de orquesta Yehudi Menuhin.

El ballet que da nombre a la película se basa en la historia de un vendedor de zapatos, que vende un par de zapatillas rojas de ballet a una muchacha que las ve en un escaparate, que al ponérselas no puede dejar de bailar. Su larga danza termina con su muerte, pero recuperando el vendedor las zapatillas para entregárselas a otra joven desconocida. El empresario que descubre el talento de la joven, la esclaviza al servicio del espectáculo. Tras un estreno, se consagra como artista y se enamora del compositor. Es ahí cuando duda sobre continuar con su carrera artística o renunciar a ella por el hombre que ama.

El ballet fue coreografiado por Robert Helpmann, que en la película interpretó el personaje del primer bailarín del Ballet Lérmontov y bailó la parte de “el novio”, con Léonide Massine creando su propia coreografía para su rol del “zapatero”, siendo ambos grandes figuras del mundo del ballet.

La música de toda la película, incluyendo el ballet, es composición original de Brian Easdale, quien dirigió la mayoría de las piezas que se escuchan en el filme, pero no el “Ballet of the Red Shoes”, conducido por sir Thomas Beecham, que recibió un lugar prominente en los títulos de crédito.

ARGUMENTO

La historia comienza cuando Julian Craster (Marius Goring), un compositor en busca de reconocimiento, asiste a una presentación de la Compañía de Ballet de Lermontov y descubre que la música que usan en uno de los números es suya. Julian presenta una protesta ante el director de la compañía de ballet, Boris Lermontov (Anton Walbrook), y le exige una explicación. Impresionado con el talento del compositor, Boris le contrata para que componga el programa musical de la siguiente obra de ballet, una adaptación de “Las Zapatillas Rojas”.

Mientras tanto, Boris contrata a una joven bailarina llamada Victoria Page (Moira Shearer) para que se una a la compañía. Un día, la mejor bailarina de esa empresa anuncia que planea casarse, y Boris, irritado por su decisión, pone a la joven Victoria en el papel estelar. A medida que Julian trabaja en el programa musical de la obra y Victoria se entrena para perfeccionar sus habilidades los dos se enamoran. Desde el primer día en que se estrena la obra filmada en una increíble secuencia de quince minutos-, “Las Zapatillas Rojas” se convierte en todo un éxito y Victoria en una estrella. Sin embargo, Boris, quien está secretamente enamorado de Victoria, descubre la relación amorosa entre Julian y Victoria y, en un ataque de furia, obliga a Julian a abandonar la compañía de ballet; pero Victoria le acompaña.

Como Boris es el dueño de los derechos de “Las Zapatillas Rojas”, éste le prohíbe a Victoria bailar en dicha obra y le hace imposible conseguir empleo. El tiempo pasa y Julian y Victoria viven felizmente casados. Las composiciones de Julian lo han convertido en un fenómeno internacional. Un buen día en que Victoria llega a París, al bajarse del tren se encuentra con Boris, quien le implora que baile una vez más Las Zapatillas Rojas en Mónaco. Victoria accede. Julian cancela un compromiso en Londres para viajar a Monte Carlo y persuadir a su esposa de que no lo haga. A pesar de su insistencia, Victoria decide presentar la obra. Y el desenlace es trágico, ya que las zapatillas están hechizadas y Victoria muere al no poder dejar de bailar.

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Aires

Aires

Paul Taylor empezó a coreografiar Aires   con la música de Sibelius en el American Ballet Theatre. Después de varios ensayos se dio cuenta de que las limitaciones de tiempo y la falta de familiaridad con los bailarines haría el proyecto inviable y se vio obligado a abandonarlo.En 1978 comenzó Airs otra vez, con su propia compañía, usando algo del mismo material del movimiento a la música de Handel. El título original era Windward , que reflejaba imágenes de corrientes de aire y agua. Los movimientos de los bailarines y los patrones espaciales sugieren ráfagas, remolinos y un flujo inevitable de energía de forma a forma y de bailarín a bailarín.La sección de apertura sugiere el reflujo y el flujo de las mareas con sus patrones suavemente remolinos y la calma subsiguiente a medida que el movimiento disminuye. En la segunda sección, las mujeres son levantadas en alto en el aire y luego bajadas en rápidas espirales de movimiento a medida que el grupo entra y sale de patrones cada vez más complejos. Los muchos saltos son boyantes y ligeros, y sugieren salpicaduras de agua, chispeantes, en el aire. En la tercera sección, un adagio solo en una diagonal larga, el bailarín se mueve de una forma espaciosa a otra, lo que sugiere el lento y pesado movimiento de aguas profundas al borde de la turbulencia.En Airs  Taylor utuliza un arreglo de secciones de música en lugar de una sola composición. A pesar de que no lee música, tiene una extraña habilidad para igualar la clave dominante y la instrumentación de una sección musical a otra. Taylor se siente más cómodo trabajando con el barroco

Desde su creación, Airs ha entrado en el repertorio de muchas compañías de ballet en todo el mundo, incluyendo el Ballet Real Danés, el Ballet Rambert, el Birmingham Royal Ballet y el American Ballet Theatre.

La música de George Frideric Handel proporcionó el ambiente para el baile. El término “aire” en la música se utiliza para describir aria-como las estructuras de la canción. Las composiciones fueron de las óperas de Handel Alcina, Ariodante, Berenice y Solomon, junto con secciones de su Concerti Grossi.

 

 

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