Margot Fonteyn

A 100 AÑOS DEL NACIMIENTO DE MARGOT FONTEYN

Margaret Evelyn Hookham nació en Reigate, más conocida como Margot Fonteyn, nació en Reigate, Surrey,  Inglaterra,  el 18 de mayo de 1919.  Margot Fonteyn fue una de las más grandes bailarinas del siglo XX. Marcó un camino para varias generaciones y le dio un rostro de éxito a una Gran Bretaña malherida por la Segunda Guerra, además de poner al Royal Ballet en el mapa del mundo. Hoy  cumpliría 100 años.

Creció en Shanghai, tomó clases desde los cuatro años y a los diez su madre, Hilda Hookham, la llevó a Inglaterra para probar su talento.

Cuando tenía 14 años audicionó en el Vic-Wells Ballet, donde hizo su debut en 1934 bailando unos de los copos de nieve de El Cascanueces. Para 1939 ya había interpretado muchos de los roles principales de los ballets clásicos: Aurora en La bella durmiente, Giselle en Giselle y el difícil rol Odette – Odile de El lago de los cisnes. El coreógrafo inglés Sir Frederic Ashton creó varias os ballets  especialmente para ella, a quien consideró una de sus musas y su relación duró 25 años. La carrera de Fonteyn continuó en ascenso y hacia el final de 1950 había interpretado casi todos los roles principales de los ballets clásicos.

En 1956 contrajo matrimonio con Roberto de Arias, diplomático panameño, y su vida se dividió entre bailar y cumplir los roles de la esposa de un embajador. Cuando Rudolf  Nureyev escapó de Rusia en 1961, la coreógrafo Ninette de Valois lo invitó a bailar en Londres con Fonteyn.

Tras la invitación del Royal Ballet a Nureyev para hacer Giselle, que los vio salir a saludar 23 veces, Fonteyn y Nureyev bailaron juntos 18 años.

Con Nureyev, Fonteyn  desarrolló  una pasión interpretativa diferente originada en la sensualidad de un Nureyev 19 años más joven.  Ensayaban, se divertían, comían, pasaban horas juntos. Un gran contraste con su vida marital junto al diplomático panameño Roberto “Tito” Arias, un hombre difícil y violento. Tito, admirador de Fidel Castro, renunció como embajador en Gran Bretaña para organizar una revolución en Panamá, involucrando a Fonteyn en la compra y contrabando de armas, lo que le valió el paso por una cárcel panameña y ser deportada. Tito huyó a Miami

En 1964, Tito Arias sufrió un atentado que lo dejó tetrapléjico y casi sin habla. Margot, que iba a divorciarse, decidió permanecer a su lado. Corría de Covent Garden a su hotel con dedicación absoluta hasta su muerte, en 1989.

Cuando enfermó de cáncer jamás lo mencionó y, casi sin recursos, continuó activamente en la danza. Nureyev se hizo cargo de sus tratamientos hasta el final. Fonteyn murió en Panamá el 21 de febrero de 1991. Recibió, entre otras, la condecoración Dama del Imperio Británico.

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Anna Karenina

ANNA KARENINA



Anna Karenina es un ballet coreografiado por Boris Eifman, basado en la novela Anna Karenina de Leo Tolstoy. El estreno tuvo lugar en San Petersburgo el sábado 2 de abril de 2005. La música es de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Ana Karenina relata la historia de una joven aristócrata de San Petersburgo que decide abandonar a su marido, un hombre mayor y dedicado a sus negocios, por un apuesto y encantador joven. Con el tiempo, él se aburre de la relación y Ana intenta retomar su vida junto a su esposo y su pequeño hijo. Pero es rechazada y cae en la desesperación.

Formado en el Conservatorio de San Petersburgo, Boris Eifman transformó la trágica y aclamada novela de Lev Tolstoi de 1877, Anna Karenina, en uno de los dramas más emocionantes de la danza contemporánea, a partir de fragmentos procedentes de distintas obras de Tchaikovsky. Debido al concepto de movimiento dinámico de su trágica historia de amor, llena de pasión y desesperación, esta pieza es considerada como la obra maestra del coreógrafo ruso.

El lenguaje coreográfico de Eifman tiene evidentes raíces clásicas. Los personajes femeninos bailan sobre zapatillas de punta, destacan las extensiones y los virtuosismos técnicos de toda la compañía. En el cuerpo de baile masculino se puede apreciar la influencia de las danzas tradicionales rusas. El coreógrafo aborda el espacio con exquisitez, se suceden numerosos cruces del cuerpo de baile, movimientos en canon, en unísono, continuos cambios de direcciones y velocidades.

Anna Karenina es la historia de una pasión con un personaje que fascina por la intensidad de su vida, una historia que se ha convertido en una de las obras más grandes de la literatura. Un retrato que refleja la visión de Tolstói sobre la sociedad urbana, símbolo de los vicios y el pecado, en oposición a la vida sana de la naturaleza y del campo.

No es fácil condensar una historia tan compleja como la de Ana Karenina en un ballet que cuenta con movimiento, pero no con palabra. Pero el guion, la música y la coreografía consiguen hacerlo, a base de prescindir de muchos elementos concretos y centrarse claramente en una sucesión de emociones más que de hechos. El resultado funciona casi siempre y en algunos momentos muy bien: tras la escena de amor en Roma, Ana ve a unos niños y juega con ellos, e inmediatamente cambian sus emociones, empieza a echar de menos a su hijo y vuelve a Rusia; Ana va a la ópera, se siente rechazada y empieza a pensar en el suicidio. Sin duda es una simplificación de la historia, pero como al mismo tiempo la danza y el montaje escénico dotan de otros contenidos a la historia, el resultado es muy sugerente y rico en significados.

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El Mesías

EL MESÍAS

El Mesías es un ballet  creado por Mauricio Wainrot con música de El Mesías de Händel.

Mauricio Wainrot creó la primera versión de El Mesías en 1997 para el Ballet Real de Bélgica. La obra fue presentada en sucesivas giras por Bélgica, Holanda, Alemania, Polonia, Turquía, China y Canadá, y también en la apertura del Sínodo de Obispos Europeos, realizado en 1998 en el Palais des Beaux Arts de Bruselas. En 1999 Wainrot realizó una segunda versión de El Mesías para el Ballet Nacional de Chile, más extensa que la anterior, que se estrenó en Santiago con la colaboración de la Orquesta y Coros de la Universidad de Chile y destacados solistas de ese país. Ese año, tras obtener el premio APES en Chile, la obra fue estrenada en la Sala Martín Coronado con el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Para la creación de la coreografía, Wainrot seleccionó 30 de los temas del extenso oratorio y, para el final, el famoso Aleluya.

El Mesías, nacido en un momento de hondo desaliento en la vida de Händel, que lo llevó a una actitud contemplativa ante el misterio de la redención, fue inspiración de nivel superior para Mauricio Wainrot. El contenido de la pieza danzada es profundo y verdadero, el artista logró capturar la esencia y trasfondo espiritual que el músico transmitiera en sonidos, más allá de aquello latente en los textos. Es por ello que esta coreografía, aun cuando comprende varios temas, constituye una sola unidad de principio a fin que fluye en un perpetuo crescendo hasta llegar al majestuoso Aleluya final. La utilización de un lenguaje moderno y contemporáneo basado en un soporte académico riguroso, permite al coreógrafo regalarnos una extraordinaria sucesión de hermosas imágenes situándonos como espectadores privilegiados en las regiones celestes. El artista exhibe en su composición danzada, una concepción clara de elegante pureza lineal y profundo sentido espiritual. 

La coreografía, que por momentos evoca escenas del Nuevo Testamento, presenta mayormente escenas abstractas, y guarda una íntima relación con el ánimo que inspira la música de Händel. Solo un par de imágenes sugieren religiosidad, en la figura del descenso de Cristo de la cruz y la alegoría de ‘La Piedad’. Toda la obra es un canto a la armonía y al amor fraterno.

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Día de la Danza 2019


La danza es poesía silenciosa donde cada movimiento es una palabra”.
Pina Bausch

Karima Mansour, bailarina, coreógrafa, docente y fundadora de El Cairo Contemporary Dance Center (CCDC), ha sido la encargada de escribir el Mensaje del Día Internacional de la Danza 2019, que reza así:

“En el principio hubo el movimiento… y desde el inicio de los tiempos, la danza ha sido un medio poderoso de expresión y celebración. Desde su aparición en los murales de los faraones egipcios hasta el presente, ha inspirado a los creadores de danza. La danza se usó para evocar a los muchos dioses y diosas de la danza, que simbolizaban significados y conceptos como el equilibrio, que se vincula con la justicia, la musicalidad, el tono, la conciencia individual y cósmica, etcétera.

Una vez leí que: “Se creía que, en tiempos de los faraones, la danza servía para elevar el espíritu del bailarín y de la audiencia de espectadores o de los participantes. La música y la danza alentaban los impulsos más elevados de la condición humana al mismo tiempo que consolaban a la gente de las decepciones y de  las pérdidas de sus vidas”.

Todos nosotros hablamos el lenguaje del movimiento. El movimiento es un lenguaje universal que nos pertenece a todos siempre que estemos dispuestos a aguzar nuestros sentidos y a escuchar. Es preciso escuchar, escuchar sin interferencias, escuchar sin juzgar, escuchar en silencio y permitiendo que el movimiento recorra el cuerpo en cada momento, porque tanto nuestro interior como todo lo que nos rodea está en movimiento, en movimiento constante. Entonces es cuando el cuerpo no miente, porque está escuchando su verdad y la está expresando.

Al escuchar el latido de nuestro corazón, podemos bailar la danza de la vida, que requiere movimiento, agilidad y adaptabilidad, una coreografía en constante variación.

En esta época en la que la conexión y la conectividad han adquirido nuevos significados y estamos en el punto más bajo de nuestra capacidad de conexión… La danza sigue siendo el acto al que más recurrimos para ayudarnos a restablecer esa conexión perdida. La danza nos devuelve a nuestras raíces, tanto en un sentido cultural, como en el sentido sensorial, personal e individual más inmediato, hasta alcanzar el núcleo y el corazón, al tiempo que nos capacita como animales sociales.

Porque solo cuando nos conectamos con nosotros mismos, cuando escuchamos nuestro ritmo interior, podemos conectar verdaderamente con otros y comunicarnos.

La danza es el lugar donde la cultura se comparte y las fronteras se derrumban en el espacio de la inclusión y la unidad, a través del lenguaje tácito de la universalidad.

El cuerpo es un instrumento de expresión, el vehículo de nuestra voz, nuestros pensamientos, sentimientos, historia, de nuestro ser y existencia, de nuestro anhelo de expresar y conectar, que se manifiesta por medio del movimiento.

La danza es un espacio que nos permite conectar con nuestra verdad; por eso, necesita un espacio tranquilo. La danza nos permite conectarnos y sentirnos plenos, y solo en ese sentimiento podemos encontrar la paz, y con la paz llega el silencio y gracias a él, podemos oír, escuchar, hablar y a través de la quietud, aprendemos a bailar nuestras verdades y es entonces cuando la danza se vuelve pertinente.  

En el movimiento y en la danza, nos podemos mover de la vertical a la horizontal, de arriba a abajo, y viceversa. El movimiento y la danza pueden crear el caos, reorganizarlo o no. Ahí es donde somos capaces de crear nuestras propias realidades y los momentos fugaces y efímeros, uno tras otro. Momentos que nos pueden conmover y permanecer en nuestros recuerdos para inspirarnos y cambiarnos para toda la vida. Ése es el auténtico poder de la verdadera expresión y, por lo tanto, el poder de la danza.

La danza es sanadora. La danza es donde la humanidad puede encontrarse.

Invito a la gente a ir más allá de las fronteras, más allá de la crisis de identidad, más allá del nacionalismo y más allá de las definiciones. Liberémonos de esas limitaciones y encontremos el movimiento y el impulso en ese lenguaje universal. Invito a todos a bailar al ritmo de su corazón, de su verdad interna, porque son esos movimientos internos los que conducen a las revoluciones internas, donde el cambio real tiene lugar”. 

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La siesta de un fauno

LA SIESTA DE UN FAUNO

La siesta de un fauno es un ballet en un acto con coreografía de Vaslav Nijinski sobre el poema sinfónico de Debussy  Prélude à L’après-midi d’un faune, inspirado en el poema de Mallarmé L’après-midi d’un faune, y con escenografía y vestuario de León Bakst. Fue estrenado en París el 29 de mayo de 1912 durante la temporada de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilevv en el Théâtre du Châtelet. Nisjinski creó el papel del Fauno rodeado de siete ninfas encabezadas por Lydia Nelidova

El origen de este ballet se sitúa a finales de 1910 y comienzos de 1911 cuando Diaghilev y sus colaboradores discutían nuevas creaciones para la temporada de primavera en París. Se hallaban en preparación dos proyectos de Fokine de estética clasicista, Narcisse y Daphnis et Chloé. Nijinski que participaba en las discusiones deseaba por entonces demostrar sus capacidades como coreógrafo y con su hermana Bronislavaa llevaba trabajando en un “poema bailado” inspirado en los frisos egipcios y griegos, para el que había inventado pasos y movimientos hieráticos y angulares que evitaban la frontalidad. ​ Cuando a principio de 1911 los hermanos Nijinski mostraron a Diaghilev el resultado de su trabajo éste dio su aprobación y propuso el Preludio a la siesta de un fauno de Debussy como fondo musical para el ballet. El escenógrafo Bakst subrayó con sus bocetos para el vestuario y la escenografía la estética bucólica clasicista.

El estreno de La siesta de un fauno, el 29 de mayo de 1912, en el Théâtre du Châtelet de París fue memorable por el impacto estético que produjo el concepto de danza propuesto por Nijinski que se alejaba del ballet clásico y se acercaba a la danza expresiva como la propugnaban entonces Isadora Duncan y Émile Jaques-Dalcroze. ​ En efecto, la coreografía de Nijinski prescindía del vocabulario del ballet clásico y del característico nexo riguroso entre música y movimiento que lo rige. Pero esta libertad que en la opinión de algunos (entre ellos el mismo Debussy) ​ no hacía justicia a la música, fue bien aceptado por el público del estreno como también aceptó que las ninfas llevaran túnicas sueltas y sandalias y que el Fauno apareciera medio desnudo con unas mallas color carne cubiertas con grandes manchas oscuras.

El escándalo lo provocó el último movimiento del Fauno/Nijinski echándose voluptuosamente sobre el velo de la ninfa que fue entendido como un gesto provocador y explicitamente sexual. Debussy abandonó la sala diciendo: “Ha interpretado groseramente la palabra satisfacer”. August Rodin mandó una encendida defensa a los periódicos: Nijinsky era un genio; Diaghilev, otro; el Preludio, arte; y el que no estuviera de acuerdo un retrógrado”. ​ Tanto el escándalo como la batalla de opiniones contribuyeron al enorme éxito de taquilla del ballet de Nijinski.

La siesta de un fauno es una de las obras clave del repertorio de los Ballets Rusos tanto por el impacto inmediato que tuvo en su momento como por sus efectos posteriores sobre la estética de la danza. Se mantuvo vivo en reposiciones como la de Serge Lifar de 1935 para la Ópera de Paríss​ y la de Marie Rambert de 1949.  Jerome Robbins reinventó la pieza recuperando el vocabulario clásico en su pas de deux Afternoon of a Faun estrenado por el New York City Ballet el 14 de mayo de 1953. En 1991 la Ópera de París presentó en un programa dedicado a los Ballets Rusos de Diaghilev una reconstrucción fiel de La siesta de un fauno de Nijinski con Charles Jude y Marie-Claude Pietragalla en los papeles principales.

ARGUMENTO

Un fauno se encuentra dormitando en una tarde de calor. Aparecen unas ninfas, y él curioseándolas, pretende acercarse y acariciarlas. Las ninfas juegan con é,l pero en el momento que se encuentra más atrevido, ellas huyen asustadas. Herido y contrariado, el fauno encuentra un foulard que una de las jóvenes ninfas ha perdido. En la soledad, respira el perfume y, de pronto, aparece ante su imaginación la bella joven dueña del objeto. Él, besa el foulard, lo aprieta contra su pecho, y las imágenes evocadas en el, se convierten en su objeto con el cual satisface sus deseos.

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Nápoli

NÁPOLI

Nápoli, o el pescador y su novia, es un ballet creado en 1842 para  Ballet Real Danés con libreto y coreografía de August Bournonville  y música de H.S. Paulli, E. Helsted, N.W.Gade y H. Lumbye. Fue estrenado por el Ballet Real Danés, en Copenhague, en marzo de 1842, con el propio August Bournonville en el rol masculino central y Caroline Fjelsted.

La historia es muy sencilla y por demás romántica. Teresina es una joven plebeya, que tiene dos pretendientes: Peppo, un vendedor de limonada y Giacomo,  de macarrones, ambos con mucho dinero, pero ya entrados en años. Su madre, Verónica, desearía verla casada con alguno de esos ricos personajes.

Sin embargo, Teresina siempre ha estado enamorada de Genaro, un modesto pescador napolitano. Ambos tratan de convencer a Verónica de que su amor es verdadero y lo logran. Genaro no pone más en cuestión la fidelidad de su amada y le pregunta si quiere ser su esposa. Juntos parten muy felices en una barca, pero ésta se hunde en medio de una tormenta; sólo Genaro sobrevive al desastre.

La madre de Teresina acusa al pescador de haber matado a su hija. Desesperado, Genaro busca el apoyo de un fraile. Éste le entrega una imagen de la Virgen y lo insta a buscar a su amada. Pero, Teresina no ha muerto. Las Nereidas enviadas por el dios del Golfo la llevaron a la Gruta Azul, una de las varias cavernas que hay en la bahía de Nápoles.

El dios del Golfo se enamora de Teresina y decide convertirla en Nereida, poniendo fin a todos los recuerdos de su vida anterior. Cuando Genaro penetra con un bote en la Gruta Azul ve a Teresina, pero ésta no lo reconoce al principio. Sólo a través de la fe Teresina recupera su forma humana y sus recuerdos.

La divinidad ofrece regalos a los dos amantes, conmocionado por el poder de ese amor. Ambos regresan a Nápoles, pero Genaro es acusado de brujería, por haber resucitado a Teresina. Sin embargo, el monje explica, y logra convencer, a la gente de que la Virgen hizo posible el milagro de revivir a la joven. El cuento culmina en el matrimonio de los enamorados y el ballet concluye en un final feliz con una animada tarantela, compuesta por Hans Christian Lumbye

El 7 de diciembre de 2014 fue reestrenado por el ballet de Hamburgo por John Neumeier con renovada coreografía del estadounidense Lloyd Riggins.

“Napoli eller Fiskeren og hans Brud“, su título original, rinde homenaje a la vida de la gente humilde, entendida como símbolo de sencillez y vitalidad, uno de los temas favoritos del romanticismo, ante el trasfondo del hermoso panorama de una de las ciudades más antiguas y fascinantes de Italia.

Bournonville capta perfectamente en su creación la mentalidad y las creencias supersticiosas de los napolitanos, así como el colorido de la vida en el Mediterráneo. Entre las críticas que recibiera en su momento por esta pieza, quien fuera bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director del Ballet Real Danés de Copenhague, figura la de la excesiva mímica y escasez de danza en el primero y en el segundo acto.

El segundo acto se perdió casi por completo con el tiempo, pero Riggins, desde 1995 primer bailarín solista del Ballett  de Hamburgo y mano derecha de John Neumeier reconstruyó y actualizó este capítulo (el de la Gruta Azul) con elementos mágico­románticos que dan un vuelco muy interesante a la obra. El tercer acto, pleno de movimiento, virtuosismo, vida y color quedó, al igual que el primero, en su versión original.

ARGUMENTO

Acto I (El Mercado).

La madre de Teresina, Verónica, que no quiere que se case con el pobre Gennaro, le presenta a otros dos pretendientes. Estos son dos hombres mayores pero ricos llamados Peppo y Giacomo. Teresina, para gran aflicción de su madre, los rechaza a ambos y en lugar de irse a esperar a Gennaro. Cuando Gennaro regresa a puerto, él y Teresina van a buscar a Veronica y tratan de convencerla de que deberían casarse. Por suerte para ellos, esta tarea resulta relativamente fácil una vez que ve cuán cierto es el amor de la joven pareja. Llenos de felicidad Teresina y Gennaro zarpan juntos.

Mientras tanto, un grupo de artistas vienen y ponen un espectáculo para la gente del pueblo. Sin embargo, comienza una tormenta violenta y las festividades terminan abruptamente. Cuando termina la tormenta, se encuentra a Gennaro, pero Teresina no. Pensando que se ha ahogado, Veronica se lamenta abiertamente por su hija y culpa a Gennaro por su muerte. Tan afectado por este giro de los acontecimientos, Gennaro se agita tanto que casi se suicida , pero se detiene cuando ve una estatua de la Virgen . Pronto, Fra Ambrosio, el monje local , aparece y le da una foto de la Virgen que le dice que vaya a buscar a Teresina.

Acto II (La Gruta Azul). Gennaro busca en todas partes a Teresina y, finalmente, la encuentra en la Gruta Azul , un lugar mágico gobernado por Golfo que ha convertido a Teresina en una náyade (Hada del Mar). Debido a la transformación, Teresina ya no recuerda a Gennaro. Sin embargo, a través de la fe , Teresina se transforma de nuevo en humana y su memoria se restaura. Rápidamente, Gennaro y Teresina dejan la Gruta para regresar a Nápoles.

Acto III (La Boda). Cuando Teresina y Gennaro regresan, la gente del pueblo sospecha porque creían que Teresina estaba muerta. Peppo y Giacamo incluso intentan convencer a todos de que Gennaro está aliado con el diablo. Este rumor es pronto refutado y comienza la recepción de la boda.

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Voces de primavera

VOCES DE PRIMAVERA


Voces de Primavera es un ballet ambientado en el vals que lleva el mismo nombre de Johann Strauss II. Frederick Ashton creó la pieza para la producción de The Royal Opera en 1977 de Die Fledermaus de Strauss , donde reemplazó a uno de los números originales de la partitura en la escena de la pelota del segundo acto. La pieza fue rebautizada como Voices of Spring y tuvo su primera actuación independiente de la opereta en una gala en Los Ángeles el año siguiente. Desde el cuadro de apertura hasta los bajos ascensores de la danza, los pasos de Ashton interpretan la sensación de movimiento sin esfuerzo, que desafía a la gravedad y define el vals.

Una bailarina y su pareja siguen las melodías con una coreografía espectacular.

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El Príncipe de las Pagodas

EL PRÍNCIPE DE LAS PAGODAS

El Príncipe de las Pagodas es un ballet ballet de tres actos y dos escenas creado para The Royal Ballet en 1957, por el coreógrafo John Cranko, con música encargada a Benjamin Britten. El ballet fue revivido más tarde en una nueva producción por Kenneth MacMillan en 1989, logrando un reconocimiento generalizado en el estreno con Darcey Bussell en un papel principal. El estreno mundial de la producción original de Cranko tuvo lugar el 1 de enero de 1957 en la Royal Opera House, Covent Garden, Londres, dirigida por el compositor. La producción de MacMillan se estrenó en el mismo lugar el 7 de diciembre de 1989. Se produjo una grabación de una versión ligeramente cortada de la partitura con Britten dirigiendo la orquesta de la Royal Opera House.

En 2011, David Bintley creó una nueva producción, ambientada en Japón . Esto fue realizado por primera vez por el Ballet Nacional de Japón el 30 de octubre de 2011. Fue realizado por primera vez por el Birmingham Royal Ballet el 30 de enero de 2014 en The Lowry , Salford.

ARGUMENTO

Acto Primero

La escena comienza en el Palacio del Emperador del Reino Medio, donde los nerviosos preparativos anuncian la llegada del emperador y su comitiva. Los cortesanos bailan una gavota alrededor del gran emperador. De pronto, las fanfarrias iniciales anuncian la presencia de cuatro reyes, venidos de los confines del oriente, los que llegan hasta el palacio a solicitar la mano de aquella de las dos hijas del Emperador que será la heredera del Imperio.

Cda uno de ellos realiza una acción: un Gopak del Rey del Norte; una misteriosa y profunda meditación del Rey del Este; una parodia en doce notas del Rey del Oeste y finalmente un hipnótico ostinatto en percusión del Rey del Sur. Los reyes se inclinan ante el emperador quien ahora revela la identidad de sus dos hijas. La mayor es Belle Epine. La más joven Belle Rose. De pronto tiene una premonición, ve al Príncipe de las pagodas, baila con él, pero éste se desvanece. Los reyes favorecen a la humilde Belle Rose, pero el emperador, furioso, coloca la corona en la cabeza de la altiva Belle Epine, que baila con cada uno de los reyes pretendientes mientras Belle Rose huye humillada. Por su parte, la recién nombrada heredera despide a los pretendientes. De pronto, las distantes fanfarrias anuncian al Príncipe de las Pagodas. Cuatro sapos verdes de grandes alas entran al palacio trayendo un cofre de esmeraldas, que sólo Belle Rose puede abrir. En su interior, una rosa de plata. Belle Rose entra en un nido de oro que sostienen los sapos, siendo llevada a Pagodalandia, en medio del terror y el caos de los invitados.

Acto segundo

Primera escena: Belle Rose viaja a Pagodalandia y se encuentra con los tres elementos naturales. Primero el aire, en un vals que describe la interacción entre nubes y estrellas. Luego, Belle Rose se encuentra con el Agua, arpegios en cascada, criaturas marinas, una marcha de los caballitos de mar, y todo un universo de seres de las profundidades, hasta que los sapos empujan a Belle Rose hacia el Fuego. El viaje termina cuando Belle Rose se encuentra depositada en medio del Reino de las Pagodas, sola.

Segunda escena

Belle Rose intenta reconocer el lugar que le rodea y de pronto choca con una de las pagodas que forman parte de su enjoyada prisión. Las pagodas comienzan a girar acompañas de una brillante música. Belle Rose y las pagodas danzan hasta que se siente la fanfarria que anuncia la presencia del Príncipe de las pagodas. Entra disfrazado de verde salamandra, pero a Belle Rose las pagodas le han vendado los ojos. La curiosidad impulsa a Belle Rose a sacarse la venda, pero el príncipe desaparece y reaparece en su doble personalidad de príncipe-salamandra. Belle Rose se aterra y es perseguida por el príncipe.

Acto tercero

Belle Epine ha encerrado a su padre en una caja y se ha convertido en una reina tirana en medio de una corte corrupta. Un grotesco tango en bronces mudos, mientras Belle Epine amenaza a los cortesanos con la ayuda de un duende embriagado. Soberbia, ordena traer a su padre, que entra encerrado en una caja mientras los cortesanos se burlan de él, y es obligado a bailar una poco digna danza. Belle Rose llega de su agitado viaje desde Pagodalandia, entrando precipitadamente con sus ropas hechas tiras, y perseguida por el insistente príncipe-salamandra. Belle Rose recrimina a su hermana el mal trato dado a su padre, y cuando ésta ordena que sea detenida por los guardias, aparece la salamandra. Los guardias sueltan a Belle Rose y atacan a la bestia, pero ésta se transforma en el bello príncipe mientras el palacio se esfuma.

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Sinfonía fantástica

SINFONÍA FANTÁSTICA

 

 

 

La Sinfonía fantástica es una sinfonía compuesta por Héctor Berlioz en 1830. El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo: el título que Berlioz puso a su obra es Episodio de la vida de un artista.

La obra gira en torno a la historia del amor apasionado y no correspondido que vivió a los 23 años de edad el propio Berlioz, el gran romántico de la música, quien se enamoró perdidamente de la actriz irlandesa Henrietta Constance Smithson. Un amor que lo llevó a componer una de sus obras más asombrosas y vívidas: la “Sinfonía Fantástica”.

“Esta es una pieza sobre la soledad, soledad en el amor, la soledad del individuo dentro del grupo, dentro del teatro social. La del bailarín en lucha permanente con su propio ego no sólo físico, sino también psíquico y sentimental; la soledad vertiginosa, total, sin piedad. La del creador”, afirma el destacado bailarín y coreógrafo francés Gigi Caciuleanu.
Explica que a partir del personaje Artista (el propio Berlioz) y de la mujer (Harriett) imaginó una pieza de teatro coreográfico recortada y montada como un guión cinematográfico que, sin embargo, no sigue la lógica de la realidad sino la del sueño.

Además de la obra musical completa, la acción se desarrolla sobre fragmentos de textos célebres de la literatura francesa (Baudelaire, Verlaine, Edmond Rostand y Moliere) dedicados al compositor francés y uno de William Shakespeare, dedicado a la actriz irlandesa.

La Sinfonía Fantástica consta de cinco movimientos:
1. Sueños y pasiones
2. Un baile
3. Escena en el campo
4. La marcha del cadalso
5. Sueño de una noche de aquelarre

Argumento

La sinfonía posee un argumento muy detallado. Por esta razón se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros. El argumento es el siguiente:

Un joven músico desesperado ha tomado opio y, en un largo sueño, tiene una serie de visiones y pesadillas, con la idea de su amada viniendo una y otra vez a su cabeza. Recuerda las alegrías y depresiones del pasado, antes de que ella entrase en su vida, y luego el neurótico celoso en que se convirtió cuando ella entró en su vida, teniendo el único consuelo de la religión.

El segundo movimiento evoca la música de un baile, en el que con los giros de la danza, vislumbra a su amada otra vez.
El tercer movimiento fue muy difícil para Berlioz. En el campo, dos pastorcillos entonan una melodía con sus flautas para llamar a sus vacas. Todo es tranquilidad hasta que la amada aparece de nuevo, provocando inquietud en el héroe. El otro pastorcillo toca su flauta, pero esta vez no hay respuesta. En ese momento, el sol se pone acompañado de un trueno distante. Luego, predomina el silencio en la escena.

El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.

El movimiento final es un aquelarre, una salvaje celebración demoníaca. La imagen de la amada parece ahora una agudísima burla. Las campanas de la muerte se oyen por encima del himno Dies Irae del juicio final y se mezclan con la danza.

 

 

 

 

 

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La consagración de la primavera

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA

 

La consagración de la primavera  es un ballet y obra de concierto orquestal del compositor ruso Ígor Stravinski. Fue escrito para la temporada 1913 en París de la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando fue estrenado, en el Teatro de los Campos Elíseos el 29 de mayo de 1913, el carácter vanguardista de la música y la coreografía causaron sensación y un casi disturbio en la audiencia. Aunque se diseñó como una obra para el escenario, con pasajes específicos acompañando los personajes y la acción, la música alcanzó igual o incluso mayor reconocimiento como una pieza de concierto, y es  considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX.

Stravinsky era un joven prácticamente desconocido como compositor cuando Diáguilev lo reclutó para crear trabajos para los Ballets Rusos. La consagración fue el tercer proyecto de este tipo, después del aclamado El pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911). El concepto detrás de La consagración de la primavera, desarrollado por Roerich desde la idea de esquema de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes»; en el escenario, después de varios rituales primitivos que celebran la llegada de la primavera, una joven es elegida como víctima sacrificial y baila hasta morir. Después de una recepción crítica mixta para su funcionamiento original y una breve gira en Londres, el ballet no se realizó de nuevo hasta la década de 1920, cuando una versión con coreografía de Léonide Massine reemplazó la original de Nijinsky. El trabajo de Massine fue el precursor de muchas producciones innovadoras dirigidas por los principales maestros de ballet del mundo, que le dieron al trabajo aceptación mundial. En la década de 1980, la coreografía original de Nijinsky, creída durante mucho tiempo perdida, fue reconstruida por el Joffrey Ballet en Los Ángeles.

La partitura de Stravinsky contiene muchas características novedosas para la época, incluyendo experimentos en la tonalidad, métrica, ritmo, acentuación y disonancia. Los analistas han notado en la partitura una base significativa en la música folclórica rusa, una relación que Stravinsky tendía a negar. La música ha influenciado a muchos de los principales compositores del siglo XX, y es una de las obras más grabadas en el repertorio clásico.

Argumento

Describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera que debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. Para ello, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida.

A diferencia de los ballets anteriores, obras más «rusas» y menos «rupturistas», Stravinski se atrevió, en esta obra, a innovar más de cuanto la corriente modernista francesa,una de las vanguardias en aquel momento, se había atrevido a hacer. Su estreno, como podía esperarse, supuso un estrepitoso fracaso: el público comenzó a abuchear la obra cuando ésta aún no había finalizado. La crítica por su parte estaba dividida entre los maravillados modernistas franceses, y los reaccionarios autores románticos y post-románticos, que la consideraron como una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos.

 

 

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La corriente brillante

LA CORRIENTE BRILLANTE

 

 

 

La corriente brillante, también conocida como “El arroyo claro”, es un ballet originalmente en 2 actos y 3 escenas, compuesta por Dmitri Shostakovich, con libreto de Adrian Piotrovsky y Fedor Lopujov y coreografía de Fedor Lopujov, se estrenó en abril de 1935 en el Teatro Maly de Leningrado.

La obra narra la vida idílica de un koljós, una granja común soviética, y está considerada como una obra maestra del humor refinado. Es un espectáculo alegre y gracioso, en el que se emplean motivos de la vida del campesinado en el tiempo soviético. Lecheras y conductores de tractor, una brigada de artistas, inspectores y turistas; cambios de vestuario, malentendidos, amor y celos, festivales de la cosecha, los valses de las granjas, las danzas de Kazajstán y el marco rural. Todo esto transcurre en un único día de 1930, en una granja soviética llamada La Corriente Brillante, en algún lugar del centro de Rusia.

En esta obra, Shostakovich combina deliberadamente melodías ingenuas, armonías banales, ritmos sencillos y colores chillones. Cuando se estrenó fue aprobada por la audiencia que apreció la pintura creativa y humorística de la vida folclórica en el pequeño pueblo agrícola de Rusia, pero el periódico Pravda, principal portavoz de la ideología soviética en la prensa escrita, etiquetó esta obra como “falsedad en el ballet”. Esto provocó que fuera prohibido en la época de Stalin poco después de su estreno; su audacia, color y alegría fueron vistos como un emblema de burlarse de los terribles fracasos de la agricultura colectiva a la vez que profundamente no promover el deseo de Stalin de transformar el país de una fuente agraria a una industrial. A causa de esto el libretista fue enviado al gulag, el director del Bolshoi fue degradado y Shostakovich, con su reputación dañada, no escribió nada más para ballet.

La obra de Shostakovich censurada fue revivida en el 2003 por Alexey Ratmanski, coreógrafo de moda y director artístico del Ballet del Bolshoi, pasó a ser una de las favoritas entre los conocedores del género y una de las mejores dentro del repertorio moderno de la compañía, lo cual le valió nada menos que cuatro “Máscaras de Oro”, máximo premio teatral de Rusia.
Dada la furiosa reacción de Stalin con la producción original y el desencanto con Shostakovich, cuyo trabajo posterior fue etiquetado de “absolutamente sin carácter” fue imposible hallar la coreografía original. La búsqueda de archivos en notación coreográfica del ballet de 1935 no tuvo éxito. A pesar de buscar en todos los museos y archivos artísticos a través de varios continentes fue imposible dar con ella. Aceptando que la coreografía original se perdió para siempre, Alexey Ratmanski decidió volver a coreografiar La Corriente brillante desde el principio, con la partitura original de Shostakovich y el libreto original de Adrian Piotrovsky y Fyodor Lopujov. El resultado fue una acertada mezcla de bailes magistrales, colores vivos, humor y una gran calidez, con la maravillosa ejecución del Ballet Bolshoi, uno de los mejores del mundo.

Intrigas, coqueteos, complicaciones, imitaciones y disfraces recrean el festival de la cosecha de una granja rusa. A través de danzas llenas de luz y desbordante alegría, todo va a ser resuelto por Piotr, un estudiante de agricultura local y su amada esposa Zina. La bailarina de visita y su pareja son los catalizadores para el caos, pero también encuentran la solución que cuenta con un bailarín travestido en puntas como una atractiva sílfide. Un perro en bicicleta se suma a la alegría para dar vida a este excepcional ballet.

ARGUMENTO

Acto I
Escena 1: Inicio de la tarde

Es otoño en las estepas del norte del Cáucaso. Zina, una organizadora de diversiones locales, entierra su cabeza en un libro, mientras que su marido, Pyotr, intenta distraerla. Se encuentran también Gavrilych, el activista de la granja colectiva; Galya, la colegiala, con sus amigas y dos habitantes de la dacha y un anciano. Ellos esperan la llegada de un tren que transportaba una brigada de artistas famosos para participar en el festival de la cosecha. Después de su llegada, Zina saluda la bailarina de ballet, a quien reconoce por haber sido viejas amigas de la escuela de ballet. Zina presenta la bailarina a su marido; deslumbrado comienza a cortejarla lo que provoca celos en Zina.

Escena 2: Crepúsculo

Los trabajadores de campo de la granja colectiva “La corriente brillante” saludan a los artistas con una fiesta improvisada. Los artistas distribuyen regalos a los mejores trabajadores de la granja: un gramófono para Gavrilych y un vestido de seda para la mejor lechera. “Los inspectores de calidad” y Gavrilych rompen en un baile y obligan a los habitantes de la dacha que llegan tarde a unirse a la alegría con un antigua Chacona. Un grupo de aficionados organizado por Zina continúa la celebración encabezada por la lechera y el conductor del tractor. A medida que aumenta la alegría, Gavrilych termina su nuevo gramófono y pide a los artistas invitados que bailen.

El acordeonista se une a la danza con la colegiala Galya, y los trabajadores de campo jóvenes de Kuban se unen en una danza guerrera. A medida que los juerguistas hacen una pausa para tomar un refresco, el viejo de la dacha le susurra en la oreja de la bailarina visitante que le gustaría volver a verla, y su mujer hace una propuesta similar a la pareja de la bailarina. Mientras tanto, Pyotr se va con la bailarina. Angustiada, Zina comienza a llorar, y los jóvenes, junto con Gavrilych, tratan de calmarla hasta que la bailarina vuelve y le asegura a Zina que no tiene intención de coquetear con Pyotr. Ella sugiere que Zina dice a los jóvenes que también solía ser una bailarina.

Zina está de acuerdo y las dos amigas bailan juntas para asombro general. La bailarina propone jugar una broma a Pyotr y a los infieles antiguos habitantes de la dacha: ella se viste con el traje de su pareja y va al encuentro del habitante más joven, en tanto su compañero, haciéndose pasar por la bailarina, se cita con el antiguo habitante de la dacha, y Zina, vestida con el traje de la bailarina, debe ir al encuentro de Pyotr.

Acto II

Escena 1: de noche

Los jóvenes se han reunido. El acordeonista está encaprichado con Galia, la estudiante que había bailado con él tan alegremente al principio del día. Él le susurra que pronto volverá y que debía esperarlo. Los bromistas se ponen sus trajes y para añadir a la diversión, el conductor del tractor se pone un traje de perro y le sugiere Galya que ella debe cumplir con el acordeonista como propone, pero que, disfrazado de perro, no permitirá al acordeonista acercarse a ella. El conductor del tractor protege a Galya con tanto entusiasmo que el artista finalmente se da cuenta de que está siendo burlado y se une a los conspiradores.

El anciano habitante de la dacha llega en bicicleta luciendo su más impresionante equipo de caza y una pistola. Alcanza a ver a su bella bailarina en el centro de un grupo de árboles. En la oscuridad está demasiado encantado para darse cuenta de las formas masculinas de Sylphide. Su mujer llega con los zapatos de ballet para impresionar al bailarín y pilla a su marido coqueteando. Enfurecida, le perseguirá, pero el conductor del tractor la asusta cuando, aún en la piel de perro, monta en la bicicleta. Apareciendo en el traje de su pareja, la bailarina se encuentra con el habitante más joven de la dacha y luego se burla de sus ilusiones románticas. Esperando la bailarina, Pyotr se encuentra con su mujer. Zina y coquetea con él, y él no la reconoce. Zina desaparece entre los arbustos.

El antiguo habitante de dacha y su “Sylphide” vienen corriendo. La bailarina, todavía vestida con ropa masculina, trata de intervenir, haciéndose pasar por el amante herido de la Sylphide y desafía al viejo habitante a un duelo. La bailarina encubierta dispara primero y falla. A medida que el habitante de la dacha apunta, Gavrilych golpea un cubo y el viejo piensa que ha disparado. La Sylphide cae al suelo y el habitante de la dacha, horrorizado huye de la escena. Después de que él desaparezca, la “víctima” cobra vida y bailen para el deleite de sus compañeros conspiradores. Los habitantes de la dacha vuelven y se dan cuenta de que han sido víctimas de una broma elaborada.

Escena 2: Por la mañana del día siguiente

Los trabajadores de campo se reúnen en una pradera a disfrutar de la actuación del festival de la cosecha. Pyotr espera con entusiasmo por el espectáculo para volver a vivir la experiencia de la actuación de la noche anterior. Para su gran sorpresa, dos bailarinas vestidas exactamente iguales aparecen y danzan con los rostros ocultos por máscaras. Cuando termina el baile, levantan el velo y revelan su secreto. La confusa Pyotr pide tímidamente el perdón de su esposa y se reconcilian. Pyotr ha aprendido la lección: ahora sabe que su modesta Zina es a la vez un trabajadora de primera clase y una maravillosa bailarina.

 

 

 

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Scheherazade

 

SCHEHERAZADE

 

 

Este ballet en un acto es una mezcla de sensualidad y elegancia que abraza un drama cargado de romance, intrigas y traición. Está basado en el cuento sobre Shakhriar y su hermano, de “Las Mil y Una Noches” y fue estrenado el 4 de junio de 1910 en el Theatre National de l’Opéra de Paris por los Ballets Rusos de Diaghilev con coreografía de Michel Fokine, música compuesta por Nicolas Rimsky-Korsakovakov, con coreografía de Michel Fokine y libreto de Benois.

La obra orquestal combina dos características comunes a la música rusa de Rimsky-Korsakov, entre ellas: un color espectacular de la orquestación y un interés en el Oriente, que figuraba en la larga historia de la Rusia imperial. Es considerada la obra más popular de Rimsky-Korsakov. La música fue usada para ballet por Fokine. No es una sinfonía, ni tampoco un poema sinfónico. Su subtítulo de “Suite Sinfónica” en cuatro movimientos nos quiere indicar que parte de cuatro ideas formales: Preludio, Balada, Adagio y Final, que se desarrollan con libertad, siguiendo los procedimientos sinfónicos habituales, progresiones, repeticiones, contrastes, acumulaciones de tensión, distensiones… Los temas de la introducción se encargan de ser los motores de desarrollo general de la obra; sin ir más lejos, el famoso tema ensortijado del violín aparece cinco veces a lo largo de los cuatro movimientos, y sirve para ser multiplicado y engordado varias veces.

El romance furtivo entre la favorita del harén y el esclavo de oro constituye el núcleo del ballet que Mikhail Fokine creó sobre la partitura de Rimsky-Korsakov, una Obra sinfónica de 1888, con Ida Rubinstein y Vaslav Nijinsky como protagonistas de la obra. La escenografía y el vestuario que Bakst creó, hechizaron al público con sus reminiscencias orientales, que inmediatamente fueron puestas de moda por diseñadores y joyeros.

La Suite sinfónica Scheherazade data de 1888. Se divide en cuatro movimientos, cada uno con un título que hace referencia a diferentes narraciones. En todos ellos está presente, a modo de hilo conductor, el tema de Scheherazade, enunciado por el violín acompañado por tenues arpegios en el arpa y dotado de una melodía llena de arabescos, evocadora del ambiente exótico en que se desenvuelve la historia.

ARGUMENTO

El Shahriyar, el sultán de la antigua Persia,  está en su harén con su joven hermano Shahezman disfrutando de los placeres y el entretenimiento. El Sultán ama profundamente a su favorita Zobeida, pero su hermano quiere hacerle comprender que todas las mujeres, incluso Zobeida, son infieles. Para comprobar su lealtad, los dos hombres anuncian que se van para asistir a una cacería.

Apenas se marchan, las mujeres sobornan al jefe de los eunucos para que abra las puertas del harén a los esclavos. Zobeida elige al hermoso esclavo de oro para ella, bailan un pas de deux que es la parte central del ballet y caen juntos en un apasionado abrazo.

Cuando la juerga llega a su momento cúspide el rey regresa inesperadamente y mucho antes de lo previsto. Enfurecido por la traición de Zobeida ordena a sus guardias que ejecuten a todos los presentes, con excepción de Zobeida, pero cuando sólo ella queda viva, el rey duda. Zobeida pide perdón y él está dispuesto a perdonarla, pero su hermano le recuerda su deslealtad. Ella cae en cuenta de la futilidad de todo, arrebata a un guardia su daga y se apuñala cayendo muerta a los pies del sultán.

Cuando la juerga llega a su momento cúspide el rey regresa inesperadamente y mucho antes de lo previsto. Enfurecido por la traición de Zobeida ordena a sus guardias que ejecuten a todos los presentes, con excepción de Zobeida, pero cuando sólo ella queda viva, el rey duda. Zobeida pide perdón y él está dispuesto a perdonarla, pero su hermano le recuerda su deslealtad. Ella cae en cuenta de la futilidad de todo, arrebata a un guardia su daga y se apuñala cayendo muerta a los pies del sultán.

Hasta aquí es la historia que toma este ballet, pero en el texto original la historia continúa. El sultán teme traiciones futuras, tiene una nueva esposa cada noche y luego ordena decapitarla a la mañana siguiente. Después de haber matado a miles de mujeres, conoce a Scherezade.

Después de su primera noche, Scherezade, ofrece contar una historia al sultán, quien está de acuerdo, por lo que comienza. Cada noche, el Sultán le perdona la vida a fin de escuchar otra historia. Al final de mil y una noches y después que Scheherazade ha agotado todas sus historias, el sultán se ha enamorado de ella y la convierte en su reina.

 

 

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Isaac Hernández

Isaac Hernández, elegido mejor bailarín del mundo

 

 

A sus 28 años de edad, Isaac Hernández, ha marcado la historia al convertirse en el primer mexicano en obtener el galardón más importante de la danza, el Prix Benois de la Danse, como Mejor bailarín.

El bailarín mexicano, artista principal del English National Ballet, se convirtió a los 28 años en una figura clave de la danza y el premio que acaban de concederle en el Teatro Bolshoi de Moscú no hace más que ratificar su buen momento. El Benois de la Danse, que lo distinguió como mejor bailarín del año, es considerado como un Oscar para la danza.

Con esta prestigiosa distinción a Mejor bailarín, Isaac Hernández se consolida como uno de los máximos exponentes del ballet mundial, con una exitosa carrera internacional que lo ha llevado a ser reconocido como uno de los bailarines más sobresalientes de nuestros días.

Formado en su casa de la mano de su padre, el bailarín desde muy pequeño tuvo que sufrir el difícil camino de las ayudas gubernamentales de México para estudiar en el extranjero. Sin haber ido a una escuela formal y sin haber tenido esa tradición de educación que se requiere para llegar a ser primer bailarín, llegó a la cima gracias al trabajo las personas que creyeron que ese niño de ocho años podía ser un bailarín profesional.

 

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