La corriente brillante

LA CORRIENTE BRILLANTE

 

 

 

La corriente brillante, también conocida como “El arroyo claro”, es un ballet originalmente en 2 actos y 3 escenas, compuesta por Dmitri Shostakovich, con libreto de Adrian Piotrovsky y Fedor Lopujov y coreografía de Fedor Lopujov, se estrenó en abril de 1935 en el Teatro Maly de Leningrado.

La obra narra la vida idílica de un koljós, una granja común soviética, y está considerada como una obra maestra del humor refinado. Es un espectáculo alegre y gracioso, en el que se emplean motivos de la vida del campesinado en el tiempo soviético. Lecheras y conductores de tractor, una brigada de artistas, inspectores y turistas; cambios de vestuario, malentendidos, amor y celos, festivales de la cosecha, los valses de las granjas, las danzas de Kazajstán y el marco rural. Todo esto transcurre en un único día de 1930, en una granja soviética llamada La Corriente Brillante, en algún lugar del centro de Rusia.

En esta obra, Shostakovich combina deliberadamente melodías ingenuas, armonías banales, ritmos sencillos y colores chillones. Cuando se estrenó fue aprobada por la audiencia que apreció la pintura creativa y humorística de la vida folclórica en el pequeño pueblo agrícola de Rusia, pero el periódico Pravda, principal portavoz de la ideología soviética en la prensa escrita, etiquetó esta obra como “falsedad en el ballet”. Esto provocó que fuera prohibido en la época de Stalin poco después de su estreno; su audacia, color y alegría fueron vistos como un emblema de burlarse de los terribles fracasos de la agricultura colectiva a la vez que profundamente no promover el deseo de Stalin de transformar el país de una fuente agraria a una industrial. A causa de esto el libretista fue enviado al gulag, el director del Bolshoi fue degradado y Shostakovich, con su reputación dañada, no escribió nada más para ballet.

La obra de Shostakovich censurada fue revivida en el 2003 por Alexey Ratmanski, coreógrafo de moda y director artístico del Ballet del Bolshoi, pasó a ser una de las favoritas entre los conocedores del género y una de las mejores dentro del repertorio moderno de la compañía, lo cual le valió nada menos que cuatro “Máscaras de Oro”, máximo premio teatral de Rusia.
Dada la furiosa reacción de Stalin con la producción original y el desencanto con Shostakovich, cuyo trabajo posterior fue etiquetado de “absolutamente sin carácter” fue imposible hallar la coreografía original. La búsqueda de archivos en notación coreográfica del ballet de 1935 no tuvo éxito. A pesar de buscar en todos los museos y archivos artísticos a través de varios continentes fue imposible dar con ella. Aceptando que la coreografía original se perdió para siempre, Alexey Ratmanski decidió volver a coreografiar La Corriente brillante desde el principio, con la partitura original de Shostakovich y el libreto original de Adrian Piotrovsky y Fyodor Lopujov. El resultado fue una acertada mezcla de bailes magistrales, colores vivos, humor y una gran calidez, con la maravillosa ejecución del Ballet Bolshoi, uno de los mejores del mundo.

Intrigas, coqueteos, complicaciones, imitaciones y disfraces recrean el festival de la cosecha de una granja rusa. A través de danzas llenas de luz y desbordante alegría, todo va a ser resuelto por Piotr, un estudiante de agricultura local y su amada esposa Zina. La bailarina de visita y su pareja son los catalizadores para el caos, pero también encuentran la solución que cuenta con un bailarín travestido en puntas como una atractiva sílfide. Un perro en bicicleta se suma a la alegría para dar vida a este excepcional ballet.

ARGUMENTO

Acto I
Escena 1: Inicio de la tarde

Es otoño en las estepas del norte del Cáucaso. Zina, una organizadora de diversiones locales, entierra su cabeza en un libro, mientras que su marido, Pyotr, intenta distraerla. Se encuentran también Gavrilych, el activista de la granja colectiva; Galya, la colegiala, con sus amigas y dos habitantes de la dacha y un anciano. Ellos esperan la llegada de un tren que transportaba una brigada de artistas famosos para participar en el festival de la cosecha. Después de su llegada, Zina saluda la bailarina de ballet, a quien reconoce por haber sido viejas amigas de la escuela de ballet. Zina presenta la bailarina a su marido; deslumbrado comienza a cortejarla lo que provoca celos en Zina.

Escena 2: Crepúsculo

Los trabajadores de campo de la granja colectiva “La corriente brillante” saludan a los artistas con una fiesta improvisada. Los artistas distribuyen regalos a los mejores trabajadores de la granja: un gramófono para Gavrilych y un vestido de seda para la mejor lechera. “Los inspectores de calidad” y Gavrilych rompen en un baile y obligan a los habitantes de la dacha que llegan tarde a unirse a la alegría con un antigua Chacona. Un grupo de aficionados organizado por Zina continúa la celebración encabezada por la lechera y el conductor del tractor. A medida que aumenta la alegría, Gavrilych termina su nuevo gramófono y pide a los artistas invitados que bailen.

El acordeonista se une a la danza con la colegiala Galya, y los trabajadores de campo jóvenes de Kuban se unen en una danza guerrera. A medida que los juerguistas hacen una pausa para tomar un refresco, el viejo de la dacha le susurra en la oreja de la bailarina visitante que le gustaría volver a verla, y su mujer hace una propuesta similar a la pareja de la bailarina. Mientras tanto, Pyotr se va con la bailarina. Angustiada, Zina comienza a llorar, y los jóvenes, junto con Gavrilych, tratan de calmarla hasta que la bailarina vuelve y le asegura a Zina que no tiene intención de coquetear con Pyotr. Ella sugiere que Zina dice a los jóvenes que también solía ser una bailarina.

Zina está de acuerdo y las dos amigas bailan juntas para asombro general. La bailarina propone jugar una broma a Pyotr y a los infieles antiguos habitantes de la dacha: ella se viste con el traje de su pareja y va al encuentro del habitante más joven, en tanto su compañero, haciéndose pasar por la bailarina, se cita con el antiguo habitante de la dacha, y Zina, vestida con el traje de la bailarina, debe ir al encuentro de Pyotr.

Acto II

Escena 1: de noche

Los jóvenes se han reunido. El acordeonista está encaprichado con Galia, la estudiante que había bailado con él tan alegremente al principio del día. Él le susurra que pronto volverá y que debía esperarlo. Los bromistas se ponen sus trajes y para añadir a la diversión, el conductor del tractor se pone un traje de perro y le sugiere Galya que ella debe cumplir con el acordeonista como propone, pero que, disfrazado de perro, no permitirá al acordeonista acercarse a ella. El conductor del tractor protege a Galya con tanto entusiasmo que el artista finalmente se da cuenta de que está siendo burlado y se une a los conspiradores.

El anciano habitante de la dacha llega en bicicleta luciendo su más impresionante equipo de caza y una pistola. Alcanza a ver a su bella bailarina en el centro de un grupo de árboles. En la oscuridad está demasiado encantado para darse cuenta de las formas masculinas de Sylphide. Su mujer llega con los zapatos de ballet para impresionar al bailarín y pilla a su marido coqueteando. Enfurecida, le perseguirá, pero el conductor del tractor la asusta cuando, aún en la piel de perro, monta en la bicicleta. Apareciendo en el traje de su pareja, la bailarina se encuentra con el habitante más joven de la dacha y luego se burla de sus ilusiones románticas. Esperando la bailarina, Pyotr se encuentra con su mujer. Zina y coquetea con él, y él no la reconoce. Zina desaparece entre los arbustos.

El antiguo habitante de dacha y su “Sylphide” vienen corriendo. La bailarina, todavía vestida con ropa masculina, trata de intervenir, haciéndose pasar por el amante herido de la Sylphide y desafía al viejo habitante a un duelo. La bailarina encubierta dispara primero y falla. A medida que el habitante de la dacha apunta, Gavrilych golpea un cubo y el viejo piensa que ha disparado. La Sylphide cae al suelo y el habitante de la dacha, horrorizado huye de la escena. Después de que él desaparezca, la “víctima” cobra vida y bailen para el deleite de sus compañeros conspiradores. Los habitantes de la dacha vuelven y se dan cuenta de que han sido víctimas de una broma elaborada.

Escena 2: Por la mañana del día siguiente

Los trabajadores de campo se reúnen en una pradera a disfrutar de la actuación del festival de la cosecha. Pyotr espera con entusiasmo por el espectáculo para volver a vivir la experiencia de la actuación de la noche anterior. Para su gran sorpresa, dos bailarinas vestidas exactamente iguales aparecen y danzan con los rostros ocultos por máscaras. Cuando termina el baile, levantan el velo y revelan su secreto. La confusa Pyotr pide tímidamente el perdón de su esposa y se reconcilian. Pyotr ha aprendido la lección: ahora sabe que su modesta Zina es a la vez un trabajadora de primera clase y una maravillosa bailarina.

 

 

 

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SCHEHERAZADE

 

SCHEHERAZADE

 

 

Este ballet en un acto es una mezcla de sensualidad y elegancia que abraza un drama cargado de romance, intrigas y traición. Está basado en el cuento sobre Shakhriar y su hermano, de “Las Mil y Una Noches” y fue estrenado el 4 de junio de 1910 en el Theatre National de l’Opéra de Paris por los Ballets Rusos de Diaghilev con coreografía de Michel Fokine, música compuesta por Nicolas Rimsky-Korsakovakov, con coreografía de Michel Fokine y libreto de Benois.

La obra orquestal combina dos características comunes a la música rusa de Rimsky-Korsakov, entre ellas: un color espectacular de la orquestación y un interés en el Oriente, que figuraba en la larga historia de la Rusia imperial. Es considerada la obra más popular de Rimsky-Korsakov. La música fue usada para ballet por Fokine. No es una sinfonía, ni tampoco un poema sinfónico. Su subtítulo de “Suite Sinfónica” en cuatro movimientos nos quiere indicar que parte de cuatro ideas formales: Preludio, Balada, Adagio y Final, que se desarrollan con libertad, siguiendo los procedimientos sinfónicos habituales, progresiones, repeticiones, contrastes, acumulaciones de tensión, distensiones… Los temas de la introducción se encargan de ser los motores de desarrollo general de la obra; sin ir más lejos, el famoso tema ensortijado del violín aparece cinco veces a lo largo de los cuatro movimientos, y sirve para ser multiplicado y engordado varias veces.

El romance furtivo entre la favorita del harén y el esclavo de oro constituye el núcleo del ballet que Mikhail Fokine creó sobre la partitura de Rimsky-Korsakov, una Obra sinfónica de 1888, con Ida Rubinstein y Vaslav Nijinsky como protagonistas de la obra. La escenografía y el vestuario que Bakst creó, hechizaron al público con sus reminiscencias orientales, que inmediatamente fueron puestas de moda por diseñadores y joyeros.

La Suite sinfónica Scheherazade data de 1888. Se divide en cuatro movimientos, cada uno con un título que hace referencia a diferentes narraciones. En todos ellos está presente, a modo de hilo conductor, el tema de Scheherazade, enunciado por el violín acompañado por tenues arpegios en el arpa y dotado de una melodía llena de arabescos, evocadora del ambiente exótico en que se desenvuelve la historia.

ARGUMENTO

El Shahriyar, el sultán de la antigua Persia,  está en su harén con su joven hermano Shahezman disfrutando de los placeres y el entretenimiento. El Sultán ama profundamente a su favorita Zobeida, pero su hermano quiere hacerle comprender que todas las mujeres, incluso Zobeida, son infieles. Para comprobar su lealtad, los dos hombres anuncian que se van para asistir a una cacería.

Apenas se marchan, las mujeres sobornan al jefe de los eunucos para que abra las puertas del harén a los esclavos. Zobeida elige al hermoso esclavo de oro para ella, bailan un pas de deux que es la parte central del ballet y caen juntos en un apasionado abrazo.

Cuando la juerga llega a su momento cúspide el rey regresa inesperadamente y mucho antes de lo previsto. Enfurecido por la traición de Zobeida ordena a sus guardias que ejecuten a todos los presentes, con excepción de Zobeida, pero cuando sólo ella queda viva, el rey duda. Zobeida pide perdón y él está dispuesto a perdonarla, pero su hermano le recuerda su deslealtad. Ella cae en cuenta de la futilidad de todo, arrebata a un guardia su daga y se apuñala cayendo muerta a los pies del sultán.

Cuando la juerga llega a su momento cúspide el rey regresa inesperadamente y mucho antes de lo previsto. Enfurecido por la traición de Zobeida ordena a sus guardias que ejecuten a todos los presentes, con excepción de Zobeida, pero cuando sólo ella queda viva, el rey duda. Zobeida pide perdón y él está dispuesto a perdonarla, pero su hermano le recuerda su deslealtad. Ella cae en cuenta de la futilidad de todo, arrebata a un guardia su daga y se apuñala cayendo muerta a los pies del sultán.

Hasta aquí es la historia que toma este ballet, pero en el texto original la historia continúa. El sultán teme traiciones futuras, tiene una nueva esposa cada noche y luego ordena decapitarla a la mañana siguiente. Después de haber matado a miles de mujeres, conoce a Scherezade.

Después de su primera noche, Scherezade, ofrece contar una historia al sultán, quien está de acuerdo, por lo que comienza. Cada noche, el Sultán le perdona la vida a fin de escuchar otra historia. Al final de mil y una noches y después que Scheherazade ha agotado todas sus historias, el sultán se ha enamorado de ella y la convierte en su reina.

 

 

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Isaac Hernández

Isaac Hernández, elegido mejor bailarín del mundo

 

 

A sus 28 años de edad, Isaac Hernández, ha marcado la historia al convertirse en el primer mexicano en obtener el galardón más importante de la danza, el Prix Benois de la Danse, como Mejor bailarín.

El bailarín mexicano, artista principal del English National Ballet, se convirtió a los 28 años en una figura clave de la danza y el premio que acaban de concederle en el Teatro Bolshoi de Moscú no hace más que ratificar su buen momento. El Benois de la Danse, que lo distinguió como mejor bailarín del año, es considerado como un Oscar para la danza.

Con esta prestigiosa distinción a Mejor bailarín, Isaac Hernández se consolida como uno de los máximos exponentes del ballet mundial, con una exitosa carrera internacional que lo ha llevado a ser reconocido como uno de los bailarines más sobresalientes de nuestros días.

Formado en su casa de la mano de su padre, el bailarín desde muy pequeño tuvo que sufrir el difícil camino de las ayudas gubernamentales de México para estudiar en el extranjero. Sin haber ido a una escuela formal y sin haber tenido esa tradición de educación que se requiere para llegar a ser primer bailarín, llegó a la cima gracias al trabajo las personas que creyeron que ese niño de ocho años podía ser un bailarín profesional.

 

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La Source

 

LA SOURCE

 

La Source (La Fuente) es un ballet en tres actos con una partitura hecha en colaboración por Léo Delibes y León Minkus con libreto por Saint-Léon de Arthur y Charles Nuitter, y tiene los elementos habituales del repertorio romántico, escapismo terrenal (una localización exótica) y espiritual (ninfas). Fue la primera composición de ballet de Delibes pero cuando fue estrenada en 1866, no adquirió mucha popularidad.

Para la creación de “La Source”, el entonces director del Ballet de la Ópera, Émile Perrin, le pidió al vienés Ludwig Minkus, ya establecido y famoso en Rusia, una parte de la partitura, y la otra, al joven compositor francés Léo Delibes, para lanzarlo, aunque ya se reconocía su talento. Como en su estreno de 1866, hoy se reconoce con facilidad el estilo de cada compositor. En la distribución actual, el primer acto es de Minkus; el segundo, de Delibes, y en éste, la segunda escena, es de los dos.

Este ballet romántico ostenta una partitura a un estilo muy oriental, una opción común en su tiempo. Es una historia mágica que tiene lugar en el Cáucaso “exótico” en la que una Persia legendaria y fabulosa proporciona el marco para los amores frustrados del cazador Djemil, la hermosa Nouredda y el espíritu de la primavera, Naila. El libreto cuenta que Naila, el espíritu de la fuente, se enamora del cazador Djemil, quien ama a Nouredda, prometida al Khan de Gengeh. Cuando Naila se percata que no puede ser la rival de Nouredda, se sacrifica muriendo, para que Djemil y Nouredda puedan amarse en plenitud. La pasión humana ha sido más fuerte que el mundo del “más allá”, de la mano de los espíritus de la naturaleza. Lo terrestre ha vencido a lo ideal impalpable. Sin embargo, este triunfo se concreta paradójicamente por la intervención de lo sobrenatural, por medio del sacrificio de Naila, a su vez poseída por lo humano, al enamorarse de Djemil.

Originalmente tenía muchos efectos visuales, desde un estanque artificial hasta caballos, pasando por una fuente, en un intento de otorgar un enorme realismo a la representación. La dama que interpretaba a Nouredda fue Eugénie Fiocre, quien a sus 22 años obtuvo un importante éxito de la crítica por su actuación, especialmente de Théophile Gautier. Degas, pintor para quien uno de los temas favoritos era la danza, recoge un momento de la representación del ballet La Source de Ludwig Minkus, concretamente el primer acto cuando la protagonista – Nouredda – ha acabado su frenética danza y escucha a una de sus doncellas tocar el laúd, mientras refresca sus pies en las aguas del estanque.

Atraído por puntuación bailable del ballet de Ludwig Minkus y Léo Delibes, Jean-Guillaume Bart recoreografió La Source para el ballet de la Ópera de París. La leyenda fue revivida en Octubre del 2011 y contó con el trabajo del gran modisto Christian Lacroix quien, en una colaboración con Swarovski , creó más de 100 trajes para La Source. Los trajes tienen un elemento de fantasía extravagante y deslumbran con más de dos millones de cristales Swarovski que adornan las piezas. Inspirándose en el escenario oriental de la historia y el romance imposible, Lacroix echó a volar su imaginación en torno a personajes fantásticos. Este trabajo marcó el regreso de Lacroix al diseño de moda, luego de su salida de su propia firma en 2009. Los trajes fueron exhibidos en el Centre National du Costume de Scène en París, del 16 de junio al 31 de diciembre de 2012.

Argumento

Acto I

Camino a su boda con el Khan de Ghendjib, la bella Nouredda y su séquito descansan cerca de un arroyo en un desierto rocoso. Cuando Nouredda se fija en una flor que crece en un lugar inaccesible, Djémil, un cazador joven, trepa las rocas y la recoge para ella. Nouredda se pone muy contenta y le pregunta por lo que desee cómo premio. Él le pide que se levante el velo para que pueda ver su rostro, pero, furiosa, esta ordena que lo aten y lo dejen a su suerte. Pero, la ninfa Naïla, que está enamorada de él, lo rescata y le promete ayudarle a ganar la mano de Nouredda.

Acto II

En los jardines del palacio, donde la corte del Khan espera la llegada de Nouredda, se ofrece entretenimiento a los huéspedes: un sólo para las favoritas y una danza de los esclavos circasianos. Una fanfarria presenta a un visitante de incógnito (Djémil), que ofrece regalos al Khan y su esposa. El visitante pide a Nouredda que escoja uno de los regalos y esta escoge una flor de brillantes. Djémil la tira al suelo y mágicamente una fuente de agua surge del lugar y Naïla sale de ella. Baila y seduce al Khan, que se arrodilla a sus pies y le pide que se convierta en su esposa. Ella acepta, si echa a Nouredda, que se va mientras el Khan conduce a Naïla a dentro del palacio.

Acto III

Djémil puede conquistar ahora a Nouredda, pero esta todavia le rechaza. Así que Djémil vuelve a recurrir a Naïla, que dice que si consigue que Nouredda le ame, ella tendrá que morir. Djémil acepta, y mientras se marcha con Nouredda, Naïla desaparece dentro de la tierra y la fuente se seca.

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Giselle

GISELLE

 

Giselle es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, basado en la obra De l’Allemagne (1835) de Heinrich Heine. La variación de Giselle del primer acto no es original de Adam, fue incorporada posteriormente y se cree que su autor fue Ludwig Minkus. Fue estrenado el 28 de junio de 1841 en la Opera de París. Y desde su estreno mismo fue considerado el “mayor éxito obtenido por un ballet en la Ópera de París”

GiselIe es el ballet con mayor continuidad histórica: ciento cincuenta años después de su debut, es parte del repertorio de casi todas las compañías del mundo. Debe su existencia al crítico de ballet Théophile Gautier, quien, embelesado por el arte y personalidad de la joven bailarina italiana Carlota Grisi, encontró una idea teatral adecuada para ella en la leyenda popular incluida por Heinrich Heine en su libro ‘De Alemania ” y lo pensó para un bellísimo ballet con duendes vestidos de blanco, hadas de pies de raso dorado, Wilis blancas como la nieve que bailan sin piedad, con apariciones bajo la luz de la luna o sobre las orillas del río en la noche neblinosa. Heine había recogido una leyenda eslava sobre las Wilis, doncellas vestidas con traje de novia, flores en la cabeza, caras blancas como la nieve y muy bellas, que murieron antes del día de su boda y que no tendrían paz en sus tumbas pues no podrían satisfacer su pasión por danzar. Así, a la medianoche, surgían de sus sepulturas y envolvían a cualquier hombre que se les acercara y lo obligaban a bailar hasta morir.

La música le fue encargada a Adolphe Adam, que se demoró una semana en escribir una partitura íntimamente ligada a la sustancia ténico-coreográfica y a la esencia expresiva del ballet. Este compositor fue el primero en introducir “Leitmotiv” en el ballet, es decir, una melodía que caracteriza a un determinado personaje o situación y empleada sistemáticamente para este fin, lo que se aprecia en la protagonista, por ejemplo, en la escena de la locura al recordar episodios pasados y en varios pasajes del segundo acto. Además, en “Giselle,”; hay otra característica que la diferenció de las composiciones normales para el ballet de esa época: su absoluta originalidad, pues no “tomó prestadas” partes de otras partituras, como era la costumbre. Sin embargo, con el correr del tiempo, la música de Adam sufrió modificaciones, cortes y agregados. El Pas Paysans del primer acto pertenece a Johann Burgmuller , autor de “La Per”. La variación solista de la protagonista en el primer acto, la entrada de Myrtha y la variación de Albrecht, del segundo acto, son música de Minkus, y se cree que hay intervención de Pugni en otras modificaciones. Todavía se discute cuál fue la contribución exacta que hicieron los dos excelentes coreógrafos, Jean Coralli y Jules Perrot.

Argumento

Primer acto

En una aldea de la Renania medieval, Hilarion, cazador, ama a Giselle y tiembla de celos por Loys, bajo cuyos mentidos andrajos de pueblerino se encuentra el duque Albrecht. Aparece éste para encontrarse con Giselle tras haber ocultado su espada en el bosque y alejado a su escudero. La joven sale de casa y acepta el tierno galanteo de Loys, que jura amarla para confortarla de la negativa de una margarita que ella había deshojado. Hilarion declara más tarde su amor a Giselle, pero ella lo rechaza y éste jura venganza.

Dan comienzo las fiestas campesinas de la vendimia, a las que Giselle se une con entusiasmo no sin el temor de su madre, pues desde niña había tenido una salud muy débil. Mientras esta danza tiene lugar, su madre cuenta cómo jóvenes muertas antes de casarse se convierten en Willis, blancos fantasmas que vagan por los bosques al claro de la luna. Se interrumpen las fiestas para acoger al príncipe de Curlandia y a su hija Bathilde, que llegan de regreso de una cacería con su séquito. Giselle danza para la princesa, que le da un collar y vuelve a partir con los suyos, reanudándose la fiesta campesina. Al llegar Albrecht, Hilarion lo desenmascara mostrando la espada que ha encontrado escondida en el bosque, y llama de nuevo con el sonido del cuerno a los nobles cazadores y a la princesa Bathilde, prometida de Albrecht. Éste, con fingida desenvoltura y justificándose como simple deseoso de distracción entre las danzas campesinas, toma a Bathilde del brazo y se la lleva, sin cuidarse de Giselle. Giselle, al comprender el engaño, cae en la locura y delira inciando pasos de danza entre los consternados presentes, para finalmente atravesarse con la espada y morir en brazos de su madre ante un Albrecht atónito y desesperado.

Segundo acto

A medianoche, en los proximidades de la tumba de Giselle, se entrevé a Hilarion que pasa entre los árboles que lo rodean. Aparece entonces Myrtha, reina de las Willis, que invoca a su corte de fantasmas femeninos para recoger, danzando, a su nueva compañera, Giselle, que tras inclinarse ante la reina, se une a la espectral danza que mantienen sus compañeras. Se oyen unos pasos y las Willis se desvanecen: es Albrecht, que viene a esparcir lirios sobre la tumba de la muchacha amada. Se le aparece la imagen de Giselle, y él, alucinado, la sigue por entre los árboles. Entra Hilarion y es rodeado inmediatamente por las Willis, que lo obligan a danzar hasta la muerte. Al retorno de Albrecht, Myrtha lo condena a sufrir la misma suerte que habían sufrido todos aquellos que caen bajo el poder de las Willis, pero Giselle lo protege junto a la cruz implorando en vano a la gélida reina. Condenado a bailar hasta el extremo, Giselle lo sostiene con amor desesperado hasta que las primeras luces del alba imponen la retirada de los espectros. Giselle tras no haber sucumbido ante los sentimientos de venganza (lo cual identifica a las Willis)es liberada de vivir en las sombras y retorna a su tumba para descansar en paz después de haber encaminado a su amado hacia la luz y la vida.

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El beso del Hada

EL BESO DEL HADA

 

 

 

El Beso del Hada es un ballet de un acto y cuatro escenas, compuesto en 1928 por Igor Stravinsky y revisado en 1950 para la coreografía de George Balanchine y el New York City ballet.

Está inspirado en un cuento de Hans Christian Andersen, La Reina de las Nieves, de quien utilizaría antes uno de sus cuentos para la ópera-ballet Le Rossignol. Es un homenaje a Tchaikovsky, tomando como referencia algunas de sus tempranas melodías. Ida Rubinstein encargó, patrocinó e interpretó el papel principal de la obra, y Nijinska se encargó de la coreografía en la premiere en el Théâtre de l’Opéra París, realizando los decorados Alexandre Benois.

En 1937 Balanchine realizó la coreografía del ballet de larga duración de su American Ballet en el Metropolitan Opera House titulado The Fairy’s Kiss, y se ajustó a la partitura de Stravinsky. Para el Festival Stravinsky de 1972, Balanchine creó una obra completamente nueva que utilizó extractos de la suite de conciertos creada por Stravinsky en 1934.

En 1974, Balanchine añadió un movimiento final al ballet que es la versión que se realiza hoy como Divertimento de ‘Le Baiser de la Fée’. La premiere americana, tras la revisión de la obra y nueva coreografía de Balanchine, se llevaría a cabo el 27 de Abril de 1937, en el Old Metropolitan Opera House de New York.

Argumento

Una mujer que ha dado a luz un niño muere en una tormenta de nieve, un hada encuentra al pequeño y lo besa salvando su vida.

Lo criarán unos campesinos suizos. El niño crece y se enamora, pero la noche antes de la boda el Hada regresa disfrazada de gitana y le advierte que nunca se casará con su amada, porque el beso que recibió de pequeño selló su destino en un mundo alejado de los seres humanos comunes y corrientes.

 

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Aguas primaverales

AGUAS PRIMAVERALES

 

 

 

Este ballet, creado por el coreógrafo ruso y ex bailarín del ballet Bolshoi, Asaf Messerer, es una pequeña pieza de concierto que suena dulce y serena, pero sus acrobacias son sorprendentes y capturan la energía de la primavera, más que su suavidad.

La música es una versión orquestal del lied homónimo de Rachmáninov, que en el original utiliza el texto del poeta ruso Fiodor I. Tiuchev.  La pieza coreográfica es uno de los más famosos números de concierto creado por Asaf Messereí y fue incorporada al repertorio del Ballet Nacional de Cuba en 1965. El poema de Tiuchev expresa:

“Aunque la nieve todavía blanquea los campos
ya está aquí la primavera en el murmullo de las aguas
que corren y despiertan las orillas dormidas,
que corren y bailan y cantan.
Cantan en voz alta y en voz baja:
¡Llega la primavera! ¡Llega la primavera!
Somos los jóvenes heraldos de la primavera,
ella nos mandó a adelantarnos a su llegada.
¡Llega la primavera! ¡Llega la primavera!
¡Y la danza brillante y rosácea
de los tranquilos días de mayo
se arracima alegremente junto a ella!”

Asaf Messerer coreografió el pas de Aguas primaverales en la década de 1950. En trajes de blanco y oro, los bailarinas del Bolshoi Lyudmila Bogomolova y Stanislav Vlasov irrumpieron en el escenario como rayos de sol. La escena en donde Bogomolova salta sin temor a los brazos de Vlasov irradia calor hasta las secciones más lentas. Antes del final la atrapa a su compañera, la arroja al aire y sale corriendo del escenario.

Si bien los estándares técnicos han cambiado con el paso del tiempo el rendimiento de Bogomolova y Vlasov es único. Cuando los bailarines se volvieron más flexibles, más capaces de sostener técnicas físicas más duras, y las zapatillas de punta se construyeron más personalizadas para cada tipo de pie, cuerpo y papel, la coreografía se transformó en el exceso salvaje y los levantamientos espectaculares que comenzaron a verse a partir de 1986.

Este gran ballet es maravilloso,  ese ascensor al final, donde ella está literalmente sentada en la palma de la mano de su partenaire, su brazo estirado hacia arriba por encima de su cabeza y su rodilla delantera doblada, pierna trasera en arabesque y está corriendo por el escenario y en las alas como si la hubiera lanzado.

1964

 

 

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La doncella de la nieve

La doncella de la nieve

 

 

 

Snegúrochka, o Doncella de la Nieve, es un personaje de los cuentos de hadas rusos. En la historia, ella es la hija de la primavera y la helada, quien anhela la compañía de humanos mortales. Ella crece junto a un pastor llamado Lel, pero su corazón es incapaz de sentir amor. Su madre se apiada de ella y le da esta habilidad, pero en cuanto se enamora, su corazón se calienta y ella se derrite.

Esta versión de la historia fue hecha una obra de Aleksandr Ostrovski, con música de Piotr Ilich Tchaikovski. Esta versión de la historia se convirtió en una obra de Alexander Ostrovsky, con música incidental de Tchaikovsky También a Snegurochka se la representa como la nieta y el ayudante de Ded Moroz, la versión rusa de Papá Noel.

En 1878, el compositor Ludwig Minkus y el maestro en ballet, Marius Petipa, montaron una adaptación de Snegúrochka titulada “La hija de las nieves por el Ballet Imperial del Zar”. El cuento también fue adaptado a una ópera por Nikolái Rimski-Kórsakov, conocida como La doncella de nieve. Esta historia fue adaptada en dos películas soviéticas: un film animado de 1952 con música de Rimski-Kórsakov, también llamada “La doncella de nieve” y una película de 1969 dirigida por Pável Kádochnikov, con música de Vladislav Kladnitski. Ruth Sanderson cambió la historia en el libro ilustrado “La princesa de la nieve”, en el cual enamorarse no mata inmediatamente a la princesa, pero sí la convierte en una mortal.

En una versión diferente, como el que aparece en la colección de Louis Léger en “Contes Populaires Slaves”, una pareja de ancianos hacen una niña de nieve, quien se convierte en un ser vivo. Un grupo de niñas la invitan a dar un paseo en el bosque, después del cual hacen una pequeña fogata y las niñas brincan sobre ésta; en algunas variantes, esto ocurre el Día de San Juan, y esta es una tradición de ese día. Cuando llega el turno de Snegúrochka, ella brinca pero queda a mitad del camino antes de evaporarse en una pequeña nube.

En 1878 el compositor Ludwig Minkus y Marius Petipa Balletmaster llevaron a cabo una adaptación de ballet de Snegurochka titulado La Hija de las Nieves. La historia también fue adaptada en una ópera por Nikolai Rimsky-Korsakov conocido como La Doncella de Nieve.
La historia se ha adaptado en dos películas soviéticas: una película de animación en 1952 con algunos de la música de Rimsky-Korsakov, también llamada La Doncella de Nieve, y una película de acción real en 1969 dirigida por Pavel Kadochnikov, con música de Vladislav Kladnitsky.

La historia trata sobre la oposición de las fuerzas eternas de la naturaleza e implica la interacción de personajes mitológicos (Primavera, Escarcha, Espíritu del Bosque) gente real (Mizgir, Kupava) y aquellos mitad míticos-mitad reales (La Doncella de Nieve, Lel, Berendey).

El compositor se esforzó por distinguir a cada grupo de personajes musicalmente y varios de ellos tienen asociado su propio “leitmotiv”. Además de estas distinciones caracteriza a la gente del pueblo en particular con melodías populares. Rimsky-Korsakov manifestó sus preferencias hacia esta obra, a la que consideraba su favorita.

PRÓLOGO

Tiempo: Época Prehistórica. Lugar: La tierra de los Berendeyans. En su capital reside el Zar Berenday y es lugar de reunión de los comerciantes.

En la Colina Roja, paisaje cercano a la ciudad, Snegurochka (La Doncella de Nieve) hija de la Primavera y del Hielo Escarcha ha crecido apartada de los humanos, sólo con la amistad del pastor Lel. A sus quince años quiere irse a vivir con la gente del pueblo cercano y sus padres le conceden este deseo enviándola a Bobyl-Bakula y su esposa, un matrimonio mayor sin hijos.

ACTO I

En el pueblo de Berendeyevka, en el otro lado del río. Snegoruchka escucha complacida las canciones de su amigo el pastor Lel, pero se entristece cuando éste se aparta de ella para irse con un grupo de muchachas. La joven Kupava, hija de un rico comerciante anuncia su próxima boda con Mizgir, pero éste queda prendado de Snegoruchka y con pasión le pide su amor. Kupava comenta afligida ante los aldeanos este desaire y ellos le aconsejan que acuda al Zar en busca de reparación.

ACTO II

En el palacio del Zar Kupava expone sus quejas ante el Zar Berendey, que decide desterrar a Mizgir al bosque. Ante la aparición de la hermosa Doncella de Nieve, todos quedan sorprendidos y el soberano le pregunta a quien ama, ella responde “a nadie”, pues su corazón no conoce este sentimiento. El Zar anuncia entonces que quien la corteje y despierte su amor podrá casarse con ella y recibirá además una recompensa real. Todos piensan que Lel es el candidato más probable, pero Mizgir jura que va a ganar el corazón de Snegurochka.

ACTO III

En un lugar del bosque, al anochecer. Las gentes del pueblo se divierten con canciones y bailes. El Zar invita a Lel a elegir una doncella y a pesar de las súplicas de Snegurochka, Lel besa a Kupava y se va con ella. Snegurochka queda sola y desconsolada preguntándose por qué Lel la ha rechazado. Mizgir aparece de pronto e intenta una vez más ganar su amor, ella asustada por sus palabras sale corriendo. Aparecen Lel y Kupava declarando sus mutuos sentimientos, Snegurochka se encuentra con ellos y al ver su felicidad, desea también poseer la capacidad de amar.

 

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La Estancia

La Estancia

 

 

En 1939 Alberto Ginastera  compuso el ballet Panambí, considerado por sus biógrafos su primera obra importante. Le había sido comisionado por Lincoln Kirstein, uno de los más inquietos promotores artísticos norteamericanos en el campo de la música, la danza, la literatura y el cine, con el objeto de que el célebre coreógrafo George Balanchine lo montara con la compañía del American Ballet Caravan.

La pieza debía basarse en la vida rural argentina. Alberto Ginastera  supo, con gran maestría, traducir en música la geografía argentina y sus habitantes. La partitura recorre a partir de sus distintos cuadros, escenas musicales que reflejan a la pampa, al gaucho y al trabajo rural. La partitura fue escrita, pero la compañía se disolvió y la obra no llegó a realizarse. La inminencia de la Segunda Guerra Mundial frustró la posibilidad de que la obra llegara a subir efectivamente a escena.

En 1943 se estrenó en Buenos Aires una versión concierto de sólo cuatro danzas. La repercusión fue tan inmediata como favorable. Pero la primera presentación completa del ballet, con coreografía de Michel Borowsky, se produjo recién en 1952 en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Estancia, inspirada en el Martín Fierro, rescata al gaucho olvidado y es un homenaje a la Argentina. Se hicieron versiones con estéticas diversas por todo el mundo, pero en Argentina ha sido relacionada con las fechas patrias, como aquel festejo por los 150 años de la independencia: el 9 de julio de 1966, con coreografía de Oscar Aráiz, también en el Colón.

Carlos Trunsky seleccionó de la partitura original completa un total de ocho danzas, las cinco más enérgicas y las tres de mayor lirismo. “Estancia es una recreación del icónico ballet homónimo de Alberto Ginastera. Esta versión fue estrenada en 2010 con el Ballet Estable del Teatro Argentino de la Plata para los festejos del bicentenario de la República Argentina.

Alberto Ginastera  supo, con gran maestría, traducir en música la geografía argentina y sus habitantes. La partitura recorre a partir de sus distintos cuadros, escenas musicales que reflejan a la pampa, al gaucho y al trabajo rural.

 

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