La Sílfide

La Sílfide

La Sílfide es un ballet en dos actos con coreografía original de Filippo Taglioni, música de J. Schneitzhoeffer y libreto de Adolphe Nourrit. Está basada en un relato de Charles Nodier – “Trilby, ou Le Lutin d’Argail” -. Fue estrenada en 1832 en la Académie Royale de Musique de París.

Con esta obra se creó una antológica idealización del ballet romántico: la etérea sílfide, símbolo, además, del amor inalcanzable.
En 1834, el coreógrafo Auguste Bournonville descubrió la obra de La sílfide de Filippo Taglioni y Adolphe Nourrit. Acompañado por su pupila, la bailarina Lucile Grahn e inspirado en ella plagió la obra para utilizarla en Dinamarca y realizar con base en la coreografía presentada, una nueva versión para el Ballet de Copenhague. Bournonville cambió la coreografía a la obra original de La sílfide, respetando exclusivamente la historia del ballet y fue entonces cuando la obra recibió el nombre de La sílfide y el escocés.
Con el nuevo montaje de la obra, Bournonville no logró obtener los derechos de la partitura de Jean Schneitzhoeffer, así que decidió comisionar a un compositor noruego; el barón Hermann Severin von Lovenskjold; para la realización de una nueva música para el ballet; y así el 28 de noviembre de 1836, el Ballet de Copenhague estrenó La sílfide y el escocés, bajo la interpretación de Lucile Grahn como la sílfide. La función fue un éxito, contando con la nueva coreografía de las danzas en la parte principal de la historia y a pesar del número tan pobre de sílfides que aparecieron en el 2º acto, así como la presentación del primitivo escenario, pues en la versión de la Ópera de París éste resultaba impresionante. Varios años más tarde para la producción del 4 de febrero de 1865, el divertimento de las sílfides en el 2º acto fue completamente recoreografiado por Bournonville.
La versión original de Taglioni se perdió al dejar de representarse, pasó al olvido hasta que Pierre Lacotte pudo recomponer la obra gracias a los documentos, dibujos y materiales de archivo de la época. Fue estrenada en 1972 en la Ópera Nacional de París.

 

Acto I
 
La acción transcurre en un habitación. Comienza con James, un joven escocés, durmiendo en un sillón, en vísperas de su boda con Effie. Se le aparece una Sílfide, que baila a su alrededor y le despierta con un beso. James quiere retenerla, pero ella desaparece.
Llega la novia, con su madre, unos vecinos y Gurn, amigo de James pero secretamente enamorado de Effie. También está entre ellos una bruja que lee el futuro en las líneas de la mano y le dice a Effie que su novio no la quiere de verdad y que se unirá con Gurn. James furioso, la echa de la casa, pero ésta promete venganza.
James se queda solo en la habitación y se le vuelve a aparecer la sílfide que le confiesa su amor. James se resiste al principio pero finalmente no puede resistirse a su belleza sobrenatural. Gurn le observa escondido y cuando vuelven Effie y los invitados se lo cuenta, pero no le creen. En medio de las celebraciones, se le vuelve a aparecer, pero él es el único que puede verla, y bailan los tres (gran pas de trois). En un descuido le quita el anillo de casado y huye, perseguida por James.
Acto II
 
La acción transcurre en el bosque. Comienza con la bruja en compañía de otras brujas bailando a la luz de la luna, y como venganza por la afrenta decide tenderles una trampa a James y la sílfide. Saca un velo del caldero y le hará creer a James que es una prenda mágica y que solo con ella podrá atrapar a la sílfide.
James y la sílfide entran en el bosque y ella le muestra su reino encantado, aparecen otras sílfides, y bailan. Desaparecen todas y James se queda solo, aparece la bruja, le pregunta si la ha visto, le suplica que le ayude, ella aprovecha para entregarle el velo y se va. Aparece la sílfide, ve el velo y él se hace de rogar antes de envolver los hombros de la sílfide con él, rompiéndole las alas, por lo que acaba muriendo en sus brazos. La bruja aparece y le muestra que lo que ella había leído en la mano era verdad, apareciendo entre los árboles Effie y Gurn juntos, seguidos de los invitados, que le siguen buscando, pero no le ven. Mientras un grupo de sílfides se llevan volando el cuerpo sin vida de su amada. James se derrumba y muere, mientras la bruja disfruta de su venganza. El mal ha triunfado.

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GRAND PAS DE QUATRE

GRAND PAS DE QUATRE

 

Durante la época del romanticismo se produjeron hondos cambios en la concepción del ballet. Luego de tres siglos donde el sexo masculino fue el protagonista de la danza clásica, se impuso una nueva estética que privilegiaba la supremacía de la mujer, lo cual revitalizó al ballet. Las bailarinas, al obtener el protagonismo, se convirtieron en seres ideales, y a sus habilidades técnicas se sumó su sentido muy dramático de la interpretación, lo que les permitió generar un arte de magia e ilusión.

Las “ballerinas” atraían por igual a hombres y mujeres. A ellos, por la visión de las piernas de una mujer en el escenario, y a ellas porque la imagen de una bailarina clásica suponía una mujer de condición exitosa. Sin embargo no eran bien vistas socialmente porque sus labores dentro del arte eran consideradas impropias de una mujer. Más allá de eso, hubo algunas que llegaron a destacarse, logrando  el reconocimiento del público y pasaron a formar parte de las leyendas del ballet, como María Taglioni, Carlotta Grisi, Lucile Grahn y Fanny Cerrito.

Maria Taglioni, considerada la diva de las divas de la escena romántica del ballet, una bailarina sueca de origen italiano, fue la figura más importante de su tiempo. Estableció el estilo delicado y etéreo característico del ballet romántico. Estudió con su padre, el coreógrafo italiano Filippo Taglioni, y con Jean-François Coulon en París. Debutó en Viena en 1822 y entre 1829 y 1837 fue primera bailarina de la Académie Royale de Musique de París. Interpretó el papel principal en La sílfide, actuación que inauguró la era romántica en el ballet. Con esta interpretación se convirtió en una de las primeras mujeres que bailaron en pointe (sobre las puntas de los dedos). Al mismo tiempo, introdujo el tutú romántico y el corpiño ajustado que se convirtió en el vestido clásico femenino del ballet del siglo XIX. Desde 1837 hasta 1842 fue la primera bailarina del Teatro Bolshói.

Carlotta Grisi: bailarina italiana, una de las más importantes intérpretes del romanticismo, se unió al ballet de la ópera de La Scala de Milán en 1829. Más tarde fue alumna y amante del famoso coreógrafo francés Jules Perrot. Fue aclamada por su creación del papel protagonista en Giselle, ballet romántico escrito por el poeta francés Théophile Gautier y coreografiado por Perrot y Jean Coralli. Gautier también escribió un famoso papel para Grisi en La péri.

Lucile Grahn  fue la primera bailarina danesa de renombre internacional. Estudió desde pequeña en la Real Escuela del Teatro danés de Copenhague bajo la tutela de Bournonville. Entre 1839 y 1845, Grahn bailó en varios teatros, como Londres, San Petersburgo y Milán Milán y en 1845 su carrera alcanzó estrellato.

Fanny Cerrito : Fue una bailarina italiana brillante, vivaz y una de las pocas mujeres coreógrafas del siglo XIX. Nació en Nápoles con el nombre de Francesca Cerrito, y estudió con el célebre maestro italiano Carlo Blasis, los notables coreógrafos franceses Jules Perrot y Arthur Saint-Léon (su pareja favorita y desde 1845 hasta 1851, también su marido). Fue famosa por sus papeles de  Ondine (1843) y Gemma (1854)

Existe una pieza de danza que ha llegado hasta nuestras épocas y que en su momento atrapó al público por la talla de sus intérpretes, se llama Grand Pas de Quatre. La idea de crear un ballet donde aparecieran estas cuatro figuras juntas, las más grandes de aquellos tiempos, fue del empresario Benjamín Lumley, quien formaba parte de la administración del Teatro de Su Majestad en Londres.  Lumley sabía que esto iba a ser un éxito de taquilla, el público  acudiría al teatro sólo por verlas sobre el tablado a todas juntas, por la sencilla razón de que eran rivales irreconciliables unas de las otras; y en efecto, ese fue el resultado.

La obra es considerada uno de los ballets blancos más conocidos y fue creado en 1845 por Jules Perrot y estrenada el 12 de julio de ese mismo año con música de Pugni. En aquel momento significó mucho: era una composición de pura danza, sin tema, para cuatro bailarinas románticas, interpretadas por estas cuatro grandes personalidades de la época. Estas estrellas de la escena  tenían tantas diferencias entre sí, que en pleno montaje la tensión fue tan fuerte que se negaron a bailarlo. Sólo un decreto real logró que finalmente se hiciera la puesta en escena, la reina prácticamente obligó a las bailarinas a interpretar la coreografía de Perrot. Para evitar nuevos enfrentamientos entre ellas. se decidió que el orden de aparición en el escenario fuera por edad,  de menor a mayor.

En la noche de su estreno en Londres , (julio de 1845) causó sensación y cautivó tanto a los críticos como al público por igual. La obra se convirtió en un éxito, el público asistía a las funciones sólo para ver a las bailarinas juntas en una pieza que contaba con variaciones para cada una de ellas cuidando que ninguna fuera opacada.

 

 

 

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La Cenicienta

La Cenicienta

 

La Cenicienta es una obra de ballet tradicional, basado en el cuento homónimo de Charles Perrault. Originalmente llamado “Cendrillon ou la petite pantoufle de verre” (Cenicienta o la pequeña zapatilla de cristal), este ballet ha sido interpretado por muchas compañías de ballet a través de los años, manteniéndose en la actualidad dentro del repertorio de las más importantes compañías de ballet.

El interés de los coreógrafos por llevar a la danza la historia del famoso cuento de Perrault data de casi 200 años. El primer ballet basado en esta obra fue coreografía del francés Louise Antoine Duport, estrenado en la ciudad de Viena en 1813.

El el 26 de marzo de 1822 fue estrenado en el King´s Theatre de Londres, con un libreto de Albert Decomte y música de Fernando Sor.
Luego, el 2 de mayo del año 1901 se presenta en Berlin, Alemania. Su música la compuso Johann Strauss para este ballet específicamente, no como otras obras del autor que se han utilizado en diferentes ballets después que fueron creadas. Strauss muere antes del estreno del ballet.
En el año 1908 se presenta en la Ópera de la Corte de Viena. Estuvo en escena muy poco tiempo, a pesar de la popularidad de la música de Strauss.
En 1945 fue retomado por los rusos y reestrenado con la música de Serguei Prokofiev, la coreografía de Zakharov y la primera bailarina Olga Lepescinskaia en el Teatro Bolshoi de Moscú, al terminar la segunda guerra mundial.

La partitura de Prokofiev para este ballet casi siempre ha dejado confundidos a los coreógrafos y críticos quienes se preguntan cómo una partitura tan sofisticada y sarcástica puede guiar un cuento de hadas.

El argumento atrajo a Marius Petipa, cuando faltaban sólo siete años para concluir el siglo XIX. La obra, titulada como el cuento alusivo, tuvo la inhabitual coreografía de tres importantes figuras: el propio Petipa, Lev Ivánov y el maestro de baile italiano Enrico Cecchetti. Fue estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo.
Entre las numerosas versiones coreográficas de La Cenicienta de Prokofiev cabe destacar la que Frederick Ashton preparó para el Sadler Ballet de Londres. La Primera Representación en Gran Bretaña tuvo Lugar en el Covent Garden el 23 de diciembre de 1948, con Margot Fonteyn, Michael Somes, Frederick Ashton y Robert Helpman (Estós dos Últimos bailando los papeles de las hermanastras).

Nureyev preparó su propia versión en 1986 con la música de Prokofiev para el Ballet de la Ópera de París, con escenografía de Petrika Ionesco. Le dio un giro total de a la historia. Esta Cenicienta está ambientada en el Hollywood de 1930. La joven sueña con ser una estrella de cine, y descubierta ONU productor, escapa de padre alcohólico, una malvada madrastra y sus hermanastras crueles, y hace su debut en el cine, capturando el corazón del protagonista en el Camino. Encontramos Varios de Sus Temas favoritos: El Deseo de Escapar de las duras Realidades de la vida, el sueño iniciático, el Mundo Real Que se Fusiona con uno imaginario, el arte de Como concreción del sueño Convertido En Realidad.
En el año 1988, el coreógrafo cubano Pedro Consuegra presenta su versión por vez primera. Esto ocurre en el teatro Ópera de Marsella y lo interpretan los bailarines del Ballet Nacional de Cuba. Se considera que Pedro Consuegra enriquece esta coreografía en aspectos técnicos y dramáticos.

En Cuba se presenta el estreno de la versión de Pedro Consuegra, el 9 de marzo de 1996, en La Habana.

Argumento

Primer acto

Comienza la historia con las escenas en las que Cenicienta soporta las maldades de su madrastra y sus hermanastras. La media punta y los grands battements son los elementos artísticos que utilizan las cuatro bailarinas para mostrar el desparpajo de sus papeles y un aire cómico, peleando entre ellas y envidiándose mutuamente. En este acto ya queda patente la profusión de vestuarios y figuraciones propias de los ballets rusos.

Segundo acto

En el segundo acto, en el que se celebra la fiesta del príncipe, los invitados llegan al castillo y bailan danzas de corte. Es en esta ocasión, cuando podemos disfrutar del cuerpo de baile en su conjunto y cuando hace su aparición en escena el Príncipe, quien desde el inicio pone de manifiesto el nivel artístico de la compañía. La coreografía en este momento del cuento destaca por los pasos a dos, los grandes saltos y grandes jetés. Cenicienta atrae la atención del público con su realización de fouettes, típicos giros de ballet.
Éste segundo acto termina cuando las doce campanadas anuncian la medianoche y la joven huye del castillo, perdiendo uno de sus zapatos de cristal.

Tercer acto

En el tercer y último acto, el Príncipe busca desesperadamente a su bella desconocida viajando a los países de los invitados al baile. Los cambios escenográficos prestan especial apoyo a la comprensión del cuento en este punto. Finaliza la historia con el encuentro de la pareja y la celebración de la boda, escenas en las que las variaciones reafirman las palabras de Prokofiev, el compositor de la obra: “Era importante para mí que La Cenicienta fuera lo más bailable posible. Por ello la compuse en la mejor tradición del ballet clásico”

 

 

 

 

 

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El hada muñeca

El hada muñeca

 

El Hada Muñeca es un ballet que fue estrenado en la Ópera de la corte de Viena con coreografía y libreto de Joseff Hassreiter y música de Bayer, el el 4 de octubre de 1888. En los ballets rusos de Diaghilev, Léonide Massine utilizó este mismo argumento para su boutique fantasque.

El público adoró esta obra. Y aunque después de la Revolución, en la década de 1920, muchas obras maestras del “pasado imperial” entró en dudas, esta producción se mantuvo en el repertorio aunque no escapó a varias décadas de olvido. En 1989 la producción de las muñecas fue recordada por Konstantin Sergeyev, director artístico de la Escuela Vaganova de Leningrado de la danza y trajo el ballet de vuelta al escenario, a producir su propia versión como una producción para niños artistas. Hoy forma parte del repertorio de la Academia Vaganova de Ballet Ruso.

Cuenta la historia de un joven que trabaja en una tienda de muñecas tiene muñecos de diferentes países y una hermosa hada muñeca. Los clientes sólo se enamoran de la impresionante muñeca. Al final del día, el dueño de la tienda cierra la tienda, pero el ayudante joven y distraído se queda solo, encerrado dentro. A medida que cae la noche, el joven no puede dar crédito a sus ojos. El hada muñeca cobra vida, y con su magia, ella trae a todos los juguetes de la tienda para la vida.

 

 

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La Esmeralda

 

 

La Esmeralda

La Esmeralda es un ballet en tres actos y cinco escenas, inspirada en la novela Notre Dame de París de Victor Hugo , con coreografía original de Jules Perrot con música de Cesare Pugni , con escenografía de William Grieve y vestuario de Mme. Copere.

Fue presentado por primera vez por el Ballet del Teatro de Su Majestad , Londres el 9 de marzo de 1844, con Carlotta Grisi como Esmeralda, Jules Perrot como Gringoire, Arthur Saint-Leon como Febo, Adelaida Frassi como la flor de lis, y Antoine Louis Coulon como Quasimodo.

Perrot llevó a la danza las imágenes inquietantes de la Edad Media, con los personajes tenebrosos de la Corte de los Milagros de París y el trágico amor de la gitana Esmeralda.

Cuando este ballet fue remontado en Rusia por el mismo Perrot, obtuvo gran éxito, de manera tal que Marius Petipa decidió llevarlo nuevamente al escenario coreografiando una nueva versión en 1886 y Rodrigo Drigo fue el autor de la música para nuevos pasajes. En el Pas de Deux, la Gitana, con su famoso solo de la pandereta y el poeta Gringoire, deseando enamorarla con su heroica bravura, nos entregan una danza de jerarquía clásica indiscutible y espectacular.

Petipa había sido fiel a las ideas románticas de Perrot, pero acuciado por los gustos del público decidió ampliar los consabidos dos actos y llevarlos a tres introduciendo fragmentos de gran virtuosismo que apenas tenían que ver con el argumento específico de la obra que, además, debilitaban la línea argumental. Estos fragmentos con música adicional fuerpn encargados por Petipa a distintos compositoresque encargaba el maestro Petipa a otros compositores, a quienes daba estrictas órdenes sobre la métrica y el ritmo de estos fragmentos.
Ciertamente, sólo debían tener por objeto la exaltación y perfección técnicas de cada paso coreográfico. Cuando el siglo diecinueve se aproximaba a su fin, Petipa remontó ” La Esmeralda ” de Pugni-Perrot, y con ánimo de llevar el festejo y la ovación a sus principales estrellas, diseñó el pas-de-deux de “Diana y Acteón”

Hoy en día el ballet completo se lleva a cabo sólo en Rusia , Europa del Este , y en Nueva Jersey, Estados Unidos , donde el Ballet de Nueva Jersey presentó la versión completa por primera vez en Estados Unidos en 2004. La mayoría de las compañías de ballet occidentales sólo bailan la Esmeralda pas de deux y la Esmeralda pas de six, y el pas de deux de Diana y Acteón.

 

Argumento : 

 

Acto I.

Escena 1.  La Corte de los milagros.
Zona del París medieval donde se encontraba el barrio del mercado de Les Halles. Los comerciantes, los miembros de la burguesía y el pueblo llano se dan prisa en abandonar la plaza porque al caer la noche se convierte en la Corte de los milagros – un reino de vagabundos, mendigos y ladrones.
Gringoire, joven poeta, cae en manos de los ladrones. Al no tener dinero, le sentencian a muerte. Sin embargo, según sus leyes si una mujer acepta casarse con él se salvaría. Cuando va a ser ahorcado aparece Esmeralda que acepta casarse con él para salvarlo. Estarán casados por los siguientes cuatro años y comienza la fiesta.
El jorobado Quasimodo por orden de su amo, el archidiácono Claudio Frollo, que está enamorado de ella, intenta secuestrar a Esmeralda, pero el capitán Phoebus y sus soldados lo evitan y capturan a Frodo. Fascinado por la belleza de Esmeralda, le da una bufanda y acepta dejar en libertad al jorobado ante la petición de ella.

Escena 2. Recién casados. Habitación de Esmeralda.

Esmeralda, enamorada de Phoebus, juega con la bufanda, repite su nombre, lo escribe en la pared. Llega Gringoire e intenta besarla, abrazarla, pero ella le deja claro que solo se ha casado con él para salvarle y frustrado se va.
Al fondo una puerta se abre lentamente y aparece la siniestra figura del archidiácono Frollo, Esmeralda asustada le pide que se vaya pero él dejándose caer de rodillas, le suplica que acepte su amor apasionado. Esmeralda lo rechaza con desprecio y señalando el nombre de Phoebus le deja claro que es a él a quien a ama. Sin inmutarse Frollo sigue acercándose y Esmeralda saca un puñal. Quasimodo ayuda a escapar a Esmeralda en agradecimiento por su bondad. Frollo jura venganza y se lleva el puñal.

Acto II.

Escena 3. Flor de Lis.

En la espléndida mansión de Madame Gondelaurier, se realizan los preparativos de los esponsales de Flor de Lis y el capitán Phoebus. Éste llega, está ajeno a todo, no olvida su encuentro con Esmeralda.  Su prometida se da cuenta de que no lleva la bufanda que le había regalado, ella le pide explicaciones, pero cuando él le da el anillo, se olvida y le muestra su anillo a su madre.
Empiezan los festejos. El regalo de su madre es el ballet alegórico “Diana y Acteón”.
Aparecen Esmeralda y Gringoire acompañados de sus compañeras y bailan para los invitados. Cuando Esmeralda ve a Phoebus y se da cuenta de que se va a casar con Flor de Lis queda completamente abatida. Decide irse y se pone el pañuelo, y Flor de Lis al darse cuenta de la traición de su novio se lo quita y lo tira al suelo, Esmeralda lo recoge y sale corriendo. Flor de Lis se quita el anillo y lo tira, mientras Phoebus sale corriendo tras Esmeralda, acompañado de sus compañeros.

Acto III.

Escena 4. Amor y celos. Una habitación en una posada.
Esmeralda y Phoebus se encuentran en la posada, donde él le declara su amor. De entre las sombras aparece el archidiácono Frollo que apuñala a Phoebus, sin ser visto por Esmeralda. Aparece una multitud y entre ellos se mezcla Frollo y hace como que encuentra el puñal, ella admite que es suyo y es acusada del asesinato y sentenciada a muerte.

Escena 5. El festival de los locos.
En la plaza, a la derecha está la prisión y al fondo se encuentra la catedral de Notre-Dame.
Esmeralda es conducida a la cárcel en espera de su ejecución.
La plaza es invadida por una multitud que celebra la Fiesta de los Bufones, coronan a Quasimodo como el mas feo de París y le disfrazan de Papa de los bufones, Frollo indignado le acusa de blasfemia y le arranca el atuendo.
Esmeralda es sacada de la prisión y conducida a su ejecución. Se despide de todos sus amigos y finalmente es ejecutada en la horca. Y Frollo es asesinado por Quasimodo tirándole desde una torre de Notre-Dame.

En la nueva versión del Bolshoi de Yuri Burlaka y Vasili Medveded de 2009 aparece Phoebus, que se ha recuperado de sus heridas y acusa al archidiácono de intentar asesinarle. Esmeralda corre a los brazos de su amado, pero Frollo enfurecido, saca la daga y les ataca, pero Quasimodo les defiende y acaba matando al archidiácono. Phoebus y Esmeralda se declaran amor eterno.

 

 

 

 

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Raymonda

RAYMONDA

 

 

Raymonda es un ballet en tres actos y cuatro escenas, con música de Alexander Glazunov y coreografía de Marius Petipa, estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, Rusia, el 19 de enero de 1898. El reparto original estaba encabezado por Pierina Legnani (Raymonda) y Sergei Legat (Jean de Brienne).

Este ballet está ambientado en la Edad Media, y cuenta las peripecias de una muchacha que espera la vuelta de las cruzadas de su prometido, Jean de Brienne. Un caballero sarraceno fija sus ojos en la joven, pero en el último momento su prometido regresa, vence a su rival y comienzan los preparativos para la fiesta de la boda.

La obra se estrenó en San Petersburgo el mismo año de su creación, y fue puesta en escena por el Bolshoi en Moscú en 1900. Raymonda se remonta a la Edad Media y a sus luchas por el ideal cristiano contra las fuerzas del Islam. Ambientada en la corte del rey de Hungría, incorpora danzas folclóricas y vestuario de ese país.

La narración de la obra, en la que un príncipe cruzado y un sarraceno luchan por el amor de Raymonda, parece ser una expresión cultural del expansionismo de la Rusia Imperial en Asia, en pleno apogeo en tiempos del debut de este ballet. Hay que recordar que en aquel entonces las tropas del zar se internaban en los antiguos dominios de Persia y en las fronteras con China. El mismo año del estreno se producía en la costa china la Rebelión de los Bóxers, tras la cual la intervención rusa en los asuntos orientales se hará más decidida y fuerte.

La historia de Raymonda es la historia de una mujer pretendida y amada por dos hombres de distintas civilizaciones.

Raymonda fue el primer ballet coreografiado por Rudolph Nureyev en el Palais Garnier cuando él fue nombrado director de danza de la Ópera de París.

I Acto

Escena 1
En el castillo se están preparando los festejos para el cumpleaños de Raymonda. Las muchachas bailan con trovadores y pajes en vez de atender sus trabajos. La condesa Sibila, tía de Raymonda, las reprende y les muestra la estatua de la Dama Blanca, una antepasada suya y espíritu protector del castillo que castiga a los que no cumplen con sus obligaciones.
Un mensajero de Jean de Brienne anuncia su llegada inminente, provocando la alegría de Raymonda. Poco después, un emir sarraceno, Abderramán, pide hospitalidad para él y su escolta, atraídos por la fama de la belleza de Raymonda. El emir le ofrece amor y riquezas, pero la muchacha le rechaza.

Escena 2
La fiesta continúa. Una vez despedidos los invitados, Raymonda se adormece. Durante el sueño ve cómo la estatua de la Dama Blanca toma vida y la invita a seguirla al jardín. Entre la niebla del parque, la muchacha cree ver a su amado y corre a refugiarse entre sus brazos. Pero a una señal de la Dama Blanca el caballero desaparece, y Raymonda se encuentra entre los brazos de Abderramán, que le reitera sus ofrecimientos amorosos. Raymonda se desvanece y la visión desaparece. Raymonda comprende que ha sido solamente un sueño.

II Acto

Mientras se acaban los preparativos para los festejos de la llegada del cruzado y de la inminente boda, vuelve a aparecer el sarraceno con su escolta. Trata de conquistar una vez más a la muchacha. Tiene lugar una exhibición de sus bailarines y sus esclavas, y entre tanto intenta raptar a Raymonda. De pronto aparece Jean de Brienne con sus compañeros de armas y el rey de Hungría, llegados de Tierra Santa. Jean desafía a un duelo al emir, y protegido por la Dama Blanca, hiere de muerte al sarraceno. El rey vuelve a unir a los prometidos, a los que toda la corte rinde homenaje.

III Acto

Se celebra la boda de Raymonda y Jean, ocasión en la que salen a relucir las numerosas danzas húngaras y el grand pas classique, en el cual Raymonda despliega todo su virtuosismo. El ballet acaba con la apoteosis final.

 

 

 

 

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La Vivandiere

La Vivandiere

 

La Vivandiere o Markitenka, como se le conoce en Rusia, es un ballet en un acto, con coreografía de Arthur Saint-Léon y Fanny Cerrito, y música de Cesare Pugni. Creado durante el esplendor del período romántico, fue presentado el 23 de mayo de 1844, por el ballet del Teatro de Su Majestad, en Londres, Inglaterra.

Fue repuesto por de Arthur Saint-Léon para el Ballet de Her Majesty’s Theatre – 1845, 1846 y en y 1848, Jules Perrot lo hizo para el Ballet Imperial, bajo el título Markitenka, en 1855 en el teatro Imperial Bolshoi en San Petersburgo, Rusia.
Interpretado originalmente por Fanny Cerrito y el propio Saint-León, la acción, se ubica en una pequeña villa de Hungría y narra el romance de los jóvenes Kathi y Hans. Kathi ama a Hans, el hijo de un tabernero, pero tienen que superar los celos del burgomaestre y el barón, quienes tienen sus ojos puestos en Kathi.

El pas de six de la versión original fue anotado por Arthur Sain-Léon en su propio método de notación de danza conocida como La Sténochorégraphie en un libro manual que más tarde se publicó en París en 1848. En 1975, el pas de Six fue reconstruido, junto con el original de la música de Pugni, por Ann Hutchinson y Pierre Lacote para el Ballet Joffrey. En 1978 se repuso para el Ballet Kirov/Mariinski (ex Ballet Imperial), que aún conserva esta pieza dentro de su repertorio.
El Pas de Six ha sido puesto en escena de muchas compañías de ballet de todo el mundo, y es conocido como La Vivandiere o Markitenka.

 

 

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Los Patinadores

Los Patinadores

 

Los patinadores es un ballet de un acto y representa a una fiesta de patinaje victoriana que tiene lugar en un estanque helado en una noche de invierno. Coreografiado por Frederick Ashton y con música compuesta por Giacomo Meyerbeer. Con escenografía y vestuario diseñados por William Chappell, se presentó por primera vez por el Ballet Vic-Wells en Wells Teatro Sadler, en Londres, el 16 de febrero de 1937. Se le ha llamado “un paradigma de un ballet de Ashton, perfectamente diseñado con una estructura compleja debajo de la superficie efervescente”.

El director de orquesta Constant Lambert descubrió y reorquestó la música de un intervalo dancístico de la ópera El profeta de Giacomo Meyerbeer. A Ashton le gustó la idea y coreografió este ballet, que normalmente se presenta bajo el nombre francés de “Les Patineurs”, más que “The Skaters´´
El ballet es completamente abstracto. Muestra grupos de amigos en la que se divierten patinando. Los diseños de William Chappell dan el toque justo para dar realce a esta fantasía invernal.

El ballet representa a una fiesta de patinaje victoriana que tiene lugar en un estanque helado en una noche de invierno. Un semicírculo de enrejados con arcos pintados de blanco separa el estanque de los bosques nevados atrás. Por encima de estos semicírculos se encuentran suspendidos pequeños farolitos chinos que arrojan luz sobre la lona blanca que cubre simulando hielo, y con poca iluminación de los árboles oscuros se recortan contra el cielo nocturno estrellado.

Los primeros patinadores para entrar son cuatro parejas vestidas con chaquetas de color marrón. Se que pronto se unieron otros: dos chicas que llevaban chaquetas y sombreros azules, dos niñas que llevaban chaquetas rojas y gorros, una niña y un niño vestido de blanco, y un chico solitario de color azul. Este grupo de gente feliz baila en diversas combinaciones, deslizándose, saltando y girando a través del hielo hasta que la nieve comienza a caer y el niño queda solo en el estanque dando vueltas y girando.

El principal objetivo de Ashton en la creación de Les Patineurs era crear una obra maestra que pudiera competir con la popularidad de los trabajos presentados en Londres por Diaghilev el verano anterior. En el estreno, los bailarines principales, la pareja blanca, fueron Margot Fonteyn y Helpmann Robert, pero más allá de su presencia en el romántico pas de deux de la pareja blanca, la verdadera estrella del ballet fue Harold Turner como el Niño Azul, papel con un alto grado de exigencia, lo mismo que el papel representado por las chicas azules.

La inspiración para este trabajo provino de Constant Lambert, quien fue director musical del Ballet Vic-Wells durante la década de 1930. En esos años tuvo la oportunidad de ver un viejo programa de un ballet de 1849 de Pablo Taglioni titulado Les Plaisirs de l’Hiver, ou Les Patineurs, que le dio la idea para un nuevo ballet de patinaje. Para crear la partitura escogió los números vocales y de baile a partir de dos óperas de Meyerbeer, “Le Prophète” y “L Ètoile du Nord” , y las vinculó a una puntuación de irresistiblemente alegre. Ninette de Valois fue pensada originalmente para ser la coreógrafa, pero Ashton Lambert oído tocar la partitura en el piano y se le preguntó si podría hacerse cargo. Él sabía muy poco acerca de patinaje sobre hielo, pero sí una de sus bailarinas, Elizabeth Miller, quien le mostró algunos movimientos y trucos de la especialidad. Su transformación en el vocabulario de ballet puso de manifiesto el virtuosismo del ballet floreciente Inglés y obtuvo la aprobación de la opinión pública.

La obra alcanzó un éxito inmediato Después de un estreno triunfal, Les Patineurs se repitió en Londres todas las temporadas desde 1937 hasta 1968 (excepto 1960), en la sucesión por el Ballet Vic-Wells, el Ballet de Sadler Wells, y el Royal Ballet. Para el 2011, se habían realizado más de 350 funciones el Royal Opera House, Covent Garden, a solas. Producciones también se han montado en los Estados Unidos, Canadá, Sudáfrica, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Francia y Turquía. La producción montada para el American Ballet Theatre en 1946 tuvo un nuevo escenario y el vestuario diseñado por Cecil Beaton fue considerado una salida desafortunada de los diseños originales de Chappell.

Les Patineurs fue uno de los primeros ballets que fueron televisados. La transmisión por la BBC el 3 de mayo 1937 de Alexandra Palace no era, sin embargo, registrada ni preservada. Las grabaciones de audio de la partitura se hicieron por Constant Lambert con la Orquesta de Sadler Wells en 1939 y posteriormente por muchos otros conductores, entre ellos Jean Martinón, Charles Mackerras, Eugene Ormandy, Antal Dorati, Robert Irving y Rignold Hugo. Ninguna de estas grabaciones está disponible comercialmente en la actualidad. En diciembre de 2010, se hizo una grabación de video con la actuación del Royal Ballet de Londres en el Royal Opera House, Covent Garden, con Steven McRae como Niño Azul, y publicado en DVD por Opus Arte en 2011.

 

 

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La Fille Mal Gardée

 

La Fille Mal Gardée

 

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La Fille Mal Gardée fue el primer gran ballet completo en la historia de la danza clásica en todos los sentidos; considerado uno de los ballet más antiguos del repertorio clásico mundial, fue creado en 1789 en Burdeos, Francia, en plena Revolución Francesa. El libreto original consta de tres actos, música de Ferdinand Herold y algunas composiciones de Hertel y con coreografía original de Jean Dauberval, fue estranado por primera vez en Francia en el año de 1789.

La versión más conocida en los últimos años es la de Sir Frederick Ashton para el Royal Ballet de Londres.

Según el autor francés Charles Maurice, Dauberval toma la idea de “La fille mal gardée”, su ballet más célebre, de un grabado coloreado que encontró ocasionalmente en la vidriera de un local, y en el que se representaba un joven que huía de una casa, una mujer madura colérica que le tiraba su sombrero y una joven aldeana llorando. En la Biblioteca Nacional de París, Cyril Beaumont, el historiador inglés de ballet, encontró la réplica, de Pierre-Philippe Choffard, de una aguada de Pierre-Antoine Baudoin que corresponde precisamente a la descripción de Maurice y que es en nuestros días aceptada como la fuente más verosímil del ballet.

Estrenado en Burdeos con el título moralizante de “No hay más que un paso del mal al bien”, la obra se llamó a veces “Ballet de paja” porque se desarrollaba en una granja. La primera vez que se la bautiza “La fille mal gardée” parece haber sido durante las representaciones en el King’s Theatre en el Pantheon de Londres, el 30 de abril de 1791. A partir de ahí, el ballet parte hacia otras escenas europeas (entre ellas, Viena, Marsella, Lyon y Nápoles) y llega a París donde, en 1803 fue montada en el Teatro de la Porte Saint-Martin.

La música del ballet original de Dauberval era un conjunto de aires populares franceses y aires de óperas de la época arreglados por Franz Ignaz Beck, quien probablemente formaba parte del equipo del teatro de Burdeos y/o de la orquesta. Para el reestreno en la Opéra de París en 1828 con una coreografía de Jean Aumer (alumno de Dauberval), Ferdinand Hérold   escribió una nueva partitura. No existiendo problemas de derechos de autor en esa época, no tuvo escrúpulo en “tomar prestados” a otros compositores los temas que podían servirle para su objetivo. Es así que tomó de Rossini “la tormenta” de “La Cenerentola” (ópera estrenada diez años antes) y el tema del coro de entrada de “El Barbero de Sevilla”. Pero es Hérold quien escribe la música más atractiva, que por su estilo y su buen humor comunicativo, permite al ballet mantenerse en el repertorio parisino durante un cuarto de siglo. La obra incluso le permite un extraordinario éxito personal a la bailarina Fanny Elssler para quien fue agregado un nuevo “pas de deux” en 1837, esta vez con una música adaptada de “L’elisir d’amore” de Donizetti.

Entretanto, la versión original había sido exportada a Rusia por Charles Didelot al cuál Dauberval había enseñado el rol de Colas. Desde 1818 Didelot la da en San Petersburgo. Sin embargo, en el repertorio ruso, el ballet adquiere gran celebridad después de haber sido bailado por Fanny Elssler en San Petersburgo y Moscú, a partir de 1848 y con la nueva partitura de Hérold. Pero su historia se complicaría con Peter Ludwig Hertel, quien fue invitado a escribir una nueva música que Paul Taglioni utiliza en 1864 para la representación en la Opera de la Corte de Berlín, donde fue maestro de ballet de 1865 a 1883.

Sobre la de Hérold, Hertel compone una partitura que, en sustancia, era bastante nueva y que favorecía la orquestación más masiva acorde a la orquesta de la ópera alemana y a los gustos de los directivos del teatro. Esta forma musical fue retomada para la producción del Ballet Imperial Ruso (1885) coreografiada por Marius Petipa y Lev Ivanov. Hasta nuestra época, el ballet fue conocido, en Rusia, bajo el nuevo título de “Vanas precauciones”.

A partir de 1912, Anna Pavlova y su compañía bailaron una versión resumida, durante una gira por Europa y otros países. Pero su reciente popularidad iba a ser el éxito del Mordkin Ballet con base en New York (años 1930), del Ballet Theatre (1940 – revisión de Bronislava Nijinska), de los Nouveaux Ballets de Montecarlo en 1946 y de los Grands Ballets del Marqués de Cuevas el año siguiente. En 1960, Sir Frederick Ashton presenta su versión – la más célebre- para el Royal Ballet de Covent Garden, retomando la música de Hérold en un nuevo arreglo de John Lanchbery. Para la producción de Heinz Spoerli, Jean-Michel Damase realizó otra adaptación pero, esta vez, de las partituras de Hérold y Hertel.

Porque hay en ella elementos de comedia, de pantomima, de farsa, de lirismo y de estilo de “bravura”, “La fille mal gardée” no ha dejado jamás de encantar a su público. Una larga tradición quiere que el rol de la madre (a quien a veces se llama “Viuda Simone”) sea bailada por un hombre travestido. Aunque no hayamos recibido nada de la coreografía de Dauberval, se cree que la escena mímica de Lisa en el segundo acto (evocación de la maternidad) pertenece al ballet original.

Argumento

La fille mal gardée es una combinación afortunada y deslumbrante de ballet y pantomima. Su héroe y heroína son un par de jóvenes comunes, y su argumento es una historia muy simple que gira en los encuentros de un muchacho y una chica a cuya felicidad se oponen los intereses y la autoridad materna.

Mamá Simone, una dama ambiciosa y de próspera economía, toma todas las precauciones para impedir los amores de su hija Lisette con Colas, un joven campesino pobre, pues. Cuenta la historia de Madame Simone, una viuda acaudalada quien tiene una hija única llamada Lisette en edad casadera, mamá Simone cuida de su hija como un gran tesoro, pues aspira a unirla en un matrimonio de conveniencia con Alain, el tonto hijo de un rico productor de vino, sin embargo, Lisette esta muy enamorada de Collas, quien es un chico campesino del pueblo, pobre, pero muy trabajador.  Simone y Thomas planean el matrimonio de sus hijos, pero Lisa no se muestra en absoluto interesada y mas bien se burla de él con sus amigas.

Todos pasan un día en el campo en medio de alegres danzas, donde se unen los segadores que han terminado la cosecha, pero son interrumpidos por una fuerte tormenta. De vuelta en casa Simone ordena a Lisa prepararse para el matrimonio con Alain, pero ella sueña con una vida futura con Colas.
Mamá Simone se opone rotundamente a este matrimonio y todo el tiempo recibe información de unas vecinas chismosas. Finalmente el amor triunfa y mamá Simonne se convence que solo existe entre Lisette y Colas el más puro y noble sentimiento llamado amor.

El matrimonio con el joven rico, es anulado, la dote es devuelta al padre y la feliz boda de Lisette y Colas es consumada con el regocijo del pueblo.

El triunfo final de la pareja, traza una nota simpática y un toque revolucionario en el plano de las costumbres sociales de la época. Si historia es una simple historia de amor. En este ballet no existen dioses, reyes o reinas ya que fue creado a partir de la imagen de la gente “común”.

 

 

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JOYAS

JOYAS

 

Joyas es un ballet en tres actos sin argumento. Fue estrenado el 13 de abril 1967 en el New York City Ballet, con coreografía de George Balanchine, diseño de escenografía de Peter Harvey, la Iluminación de Ronald Bates y el diseño de vestuario de Barbara Karinska.

Con críticas muy favorables y un poco de confusión, lo que había sido publicitado como el primer ballet completo en abstracto, era en realidad tres ballets por separado, con música de tres compositores distintos, unidos débilmente por una sugerencia de las piedras preciosas. De hecho, fue oficialmente sin título al estreno. Se dice que Joyas es un buen resumen acerca de los muchos estilos de Balanchine, en la que muestra al público la profundidad y la amplitud de su obra coreográfica.

Se cuenta que el coreógrafo se inspiró para la creación de este ballet en el escaparate de la gran joyería Van Cleef & Arpels, donde un día, camino del teatro, se paró para admirar las vitrinas, cada una dedicada a una gema preciosa distinta: esmeraldas, rubíes y diamantes. Según la anécdota, la intensa curiosidad del señor que se quedaba mirando con tanta insistencia las vitrinas a pesar de la lluvia empezaba a inquietar a las dependientas. Cuando un joven, acompañado discretamente por dos guardias de seguridad, le abrió la puerta y le invitó a entrar preguntándole por su interés en las joyas, Balanchine se presentó. El joven resultó ser Van Cleef hijo que, cuando se enteró de la identidad del curioso, se confesó gran admirador de todos los ballets del coreógrafo georgiano.

En 1967, cuando se preparaba el estreno se anunció que el nuevo ballet del maestro tenía tres actos pero ningún argumento. Cada cuadro evocaba los países que habían acogido al coreógrafo a lo largo de su trayectoria. Esmeraldas, evoca a Francia, cuna de la danza romántica; Rubíes representa a América y lanza un guiño a las comedias musicales y la tercera, Diamantes, sugiere el Ballet Imperial de San Petersburgo y el legado clásico que dejó Marius Petipa.

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Joyas nació con las partituras de los tres compositores que protagonizan cada parte: Esmeraldas está realizada sobre extractos de Peleas y Mélisande y Shylock, de Gabriel Fauré, es una evocación de la Francia romántica, con movimientos propios de los ballets del siglo XIX que componen figuras simétricas, ritmos regulares y elegantes, y brazos etéreos que quieren ser el arte del movimiento inmóvil. Su estilo rememora el romanticismo que Francia presenció en sus escenarios para plasmar la esencia de la Francia elegante que se refleja en la moda y los perfumes de los grandes coutouriers. Está dividido en ocho secciones, y estructurado alrededor de dos parejas de solistas, un trío y un cuerpo de baile de diez intérpretes. Los tonos verdes del vestuario y de la iluminación, y el delicado carácter lírico de la coreografía sugieren un mundo onírico que recuerda a las grandes obras del repertorio del ballet romántico.+

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Rubíes es la energía del Capriccio de Igor Stravinsky, donde muchos ven influencias de la América de los años 30, pero que Balanchine niega, explicando que a él lo que le inspiró fue la música de Stravinsky. El color rojo del vestuario y los decorados de “Rubíes”, con la música sincopada de Stravinsky y la coreografía cuyos pasos sugieren la rápida y moderna época del jazz, hacen de la obra una encantadora travesura en la que destaca el trabajo de tres bailarines solistas. Rubíes representa América a través de los ojos de Balanchine influenciado por los musicales de los años 30 y el jazz. Frente a la poesía de Emeralda nos ofrece el deseo, la sensualidad y la provocación, con las posiciones clásicas llevadas al extremo a partir del Capriccio de Stravinski.

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El final es Diamantes, en el que el estilo imperial ruso queda de manifiesto con la maravillosa partitura de Tchaikovsky y el pas de deux. Diamante está construida sobre los cuatro últimos movimientos de la Sinfonía nº 3 de Tchaikovsky y es una síntesis del arte de Marius Petipa y Lev Ivanov, y en su composición percibimos la grandeza de los ballets imperiales rusos.
Balanchine logró una pieza de extraordinaria elegancia, con un coro de dieciséis parejas en precisa formación para interpretar con éxito los difíciles patrones bailables, típicos del maestro, y una pareja.

 

VIDEOS

 

 

 

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Manon

Manon

 

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Manon es un Ballet en tres actos Inspirado en la célebre novela Manon Lescaut de Abbé Antoine-Francois Prévost con música original de Jacques Fromental Halévy . Fue estrenado el 3 de mayo de 1830 en la Ópera de París, bajo el nombre de “Manon Lescaut” con la bailarina Pauline Montessu como Manon. El papel de Des Grieux había sido concebido para el célebre bailarín Joseph Mazilier, quien aunque no pudo actuar en el estreno, contribuyó al éxito de la obra en las sucesivas representaciones.

El “Manon Lescaut” de Halévy consolidó la ruptura con el antiguo ballet francés, mostrándose plenamente dentro del Romanticismo por su combinación de ambientes de distinto origen, incluso exóticos, y por el tema principal: el de un hombre que se condena a causa del amor de una mujer. La protagonista era la primera heroína que moría en un ballet de tema no mitológico.

El compositor británico Leighton Lucas arregló y orquestó un compendio de la obra de Massenet para darle música al ballet. Pero, irónicamente, ese compendio no fue sobre la ópera de esta historia, sino sobre otros trabajos del francés, incluyendo otras óperas, oratorios, suites orquestales y varias canciones y piezas para piano. En 2011, la música del ballet volvió a ser orquestada por Martin Yates.
“Manon”, en ballet, fue presentado por primera vez en Londres en 1974, con la coreografía del entonces director del Royal Ballet: Sir Kenneth Macmillan.

La historia de “Manon” es la de una joven que, acompañada por su hermano, el sargento Lescaut, se dirige obligada a ingresar en un convento. Pero antes de partir, conoce a Des Grieux, se enamoran y se escapan a vivir juntos. Sin embargo, Manon es pretendida por Guillot, amigo de Lescaut, un señor mucho más mayor pero también muy rico. En cuanto Des Grieux se queda sin dinero, Manon lo abandona y cae en los brazos de Guillot. Manon pronto dejará de ser feliz, ya que ni todos los lujos del mundo pueden equipararse a sus sentimientos por Des Grieux. Lescaut, al ver a su hermana tan desdichada, se pone en contacto con el joven. Y éste acude a por ella para volver a escaparse juntos. Pero ella se resiste a abandonar sus joyas. La obra termina con Manon siendo llevada presa por ser mujer de mala fama. Des Grieux consigue rescatarla, pero la chica, enferma y agotada, muere en sus brazos.

La firma de MacMillan es muy notable en lo que tienen de innovadoras algunas de sus figuras y pasos, con respecto a otros ballets clásicos coreografiados muchos años antes por Petipa, por ejemplo. La plasticidad de los pasos a dos y, en general, de todos los movimientos, es bellísima. Aparte del uso del lenguaje corporal para denotar cambios importantes: por ejemplo, no se ve en el vídeo, pero poco después de esa escena, es cuando aparece Guillot tentando a Manon (y ella cae). Se trata de un paso a tres con Manon, Guillot y Lescaut impresionante donde se ve perfectamente el reverso lujurioso de Manon, la perversidad de Guillot y lo sinvergüenza de Lescaut, que también se ve beneficiado con el cambio.
Aunque Manon fue bien recibido por el público, los críticos tenían reservas acerca de la estructura del ballet y los motivos de los personajes. Algunos quedaron desconcertados por la naturaleza amoral de la heroína, más propia de una ópera que de un ballet. Aunque la mayoría de los críticos apreciaron la calidad de la coreografía, sobre todo para los tres papeles principales, se encontraron con un ballet demasiado extenso. Los recortes se hicieron después de la primera temporada, en el comienzo del tercer acto, para acelerar la acción.

La misma Manon se ha visto alterada de acuerdo a las bailarinas que asumieron el papel. Antonieta Sibley la veía como una chica “que permitió que todo le suceda a ella” sin pensarla como un personaje intrigante. Lynn Seymour fue más implacable: ella y su hermano están “cortados por el mismo patrón, los dos son bandidos que usan todo lo que tienen a su alcance para lograr lo que quieren, que rompieron las reglas y el castigo la aplastó. Natalia Makarova la entendía como una criatura instintiva que vive el momento, “la extracción de todo el entusiasmo que puede. Al mismo tiempo sabe plenamente que llegará el día en que deba pagar el precio por el placer de vivir plenamente”. La Manon de Sylvie Guillem utiliza su atractivo sexual para sobrevivir en un mundo dominado por los hombres.

Los tres papeles principales siguen atrayendo a nuevos intérpretes cuando este ballet es llevado al escenario por distintas compañías de todo el mundo. Bailarines masculinos a menudo alternan los papeles de Des Grieux y Lescaut, como Dowell y Wall solían hacer. Cuando la Ópera de París tomó a Manon en su repertorio en 1991, una disputa legal se tradujo en que el ballet de MacMillan debió ser re titulado a L’ Histoire de Manon. El heredero de Massenet se había opuesto a la posible confusión entre la ópera y el ballet. A partir de entonces, el ballet ha sido conocido en Europa,a excepción del Reino Unido, como L’ Histoire de Manon y en el resto del mundo simplemente como Manon.

ARGUMENTO

ACTO I

En una posada cerca de París donde se encuentran caballeros y prostitutas, se encuentra Des Grieux que está leyendo un libro de teología cuando llega el coche de Manon, la hermana de Lescaut, supuestamente en dirección a un convento. Pero éste ve que su belleza encierra una fuente de ingresos e intenta sonsacar algún comprador de sus favores. Mientras, Manon y Des Grieux quedan solos y él le declara su amor. Ella accede a fugarse con él en el próximo carruaje que salga, pero Lescaut tiene otros planes para su hermana.
En un espacio íntimo gobernado por una gran cama que simboliza el amor consumado de los dos jóvenes, Des Grieux se dispone a escribir una carta a su padre en la que le pide dinero. La pareja muy enamorada, necesita una manera de mantenerse. En el momento en que él sale a depositar la carta, entra Lescaut con Monsieur G.M., que trae unos brillantes y un abrigo de pieles como regalo persuasivo. Al final accede a irse con ellos.

ACTO II

En un burdel lleno de cliente están Des Grieux y Lescaut. Llega Manon, altiva, del brazo de Monsieur G.M. y Des Grieux baila un solo en el que recuerda cuando le pidió que se fugaran. El hermano de Manon, para facilitarles una salida, prepara una partida entre Des Grieux y Monsieur G.M. con unos ases trucados, pero el viejo los descubre y la partida termina con un duelo de espadas y Monsieur G.M. herido. Manon y Des Grieux tienen que huir.
Al encontrarse solos, se dan cuenta que el gusto por el lujo que ha probado Manon es un obstáculo (Pas de deux de la pulsera). Justo cuando logran reconciliarse, llega Monsieur G.M. acompañado por Lescaut, a la fuerza, y por la policía, que arresta a Manon por prostitución, por lo que es deportada. Lescaut muere asesinado por Monsieur G.M.

ACTO III

En el puerto donde desembarcan las prostitutas, deshechas después de nueve semanas de viaje, en cuanto baja acompañada por su fiel Des Grieux, el carcelero escoge a Manon para llevarla a su cuartel, donde la fuerza. Des Grieux consigue entrar y le mata, teniendo que huir nuevamente por los pantanos de Lousiana.

En el camino, Manon enferma y finalmente muere en los brazos de Des Grieux, mientras ve pasar su vida por delante.

 

 

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La viuda alegre

La viuda alegre

 

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La viuda alegre es un ballet en tres actos basado en la opereta homónima cuyo compositor es el austro-húngaro Franz Lehár. El libreto fue escrito por Victor Léon y Leo Stein, a su vez basados en la comedia L’attaché d’ambassade de Henri Meilhac escrita en 1861. La opereta fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género.

Robert Helpmann, codirector del Australian Ballet junto con Peggy van Praagh, llegaron a un acuerdo con los herederos de Lehár para crear un ballet con la música de la opereta. Él escribió el libreto y propuso a Ronald Hynd que hiciera la coreografía y a John Lachbery la adaptación musical. Fue el primer ballet original, en tres actos, de esta compañía.

Fue estrenada el 29 de noviembre de 1975 y obtuvo un gran éxito. En 1976 Margot Fonteyn se unió como estrella invitada al Ballet de Australia para hacer la gira por Estados Unidos e hizo el debut en el papel estelar de La viuda alegre.

A pesar del éxito esta obra incomprensiblemente desapareció del repertorio de la compañía. Doce años después de su estreno fue incluido en el repertorio del Ballet Nacional de Canadá gracias al empeño de su director artístico, Erik Bruhn, quien convenció a los responsables del Ballet de Australia de compartir la obra.

La viuda alegre es una pintoresca y divertida historia de enredos ambientados en la Belle Époque, donde el amor, el dinero y la sociedad son los personajes principales entre opulentos despachos de embajadores, famosos restaurantes franceses y salones de fiesta espectaculares, con mucho baile de gala y picardía rociada con champagne, símbolo de toda una época, en la que se intercalan encuentros y desencuentros amorosos con torpes juegos e intereses políticos de un mítico país de los Balcanes llamado Pontevedro.

ARGUMENTO

Acto I

Escena 1. Embajada de Pontevedro en París

Algunos suboficiales y el agregado francés, Camille, están acabando los preparativos para un baile. El secretario del embajador, Njegus, entra con un montón de facturas y todos se lamentan de la bancarrota en que está el país. El embajador, el barón Zeta, y su joven esposa francesa, Valencienne, aparecen con un telegrama que anuncia la asistencia al baile de la rica viuda Hanna, quien si se casa con un extranjero, su país, Pontevedro, perderá todos los beneficios de su fortuna y se arruinará definitivamente. El primer secretario de la embajada, elconde Danilo, es considerado un buen pretendiente.

Camille y Valencienne se quedan solos. Ambos están enamorados. Son interrumpidos por Njegus y al entrar Danilo bastante bebido se van. El conde es informado de los planes de boda. El barón regresa y ordena a Njegus que se asegure de que Danilo estará sobrio para el baile.

Escena 2. El baile en la embajada

Hanna llega y es presentada a Danilo. Ambos se quedan asombrados, ya que diez años antes, cuando ella era solo una campesina, se habían enamorado, pero Danilo puso fin al romance ante la insistencia de sus aristocráticos padres. El está impresionado por la transformación de ella. Hanna le desprecia y se une a los otros invitados.

Acto II

Tiene lugar en el jardín de la villa de Hanna, donde se celebra una fiesta con danzas populares. Mientras todos cenan, el barón, Danilo y Njegus se reunen para discutir sobre los progresos de la relación del conde con Hanna. Valencienne y Camille entran a hurtadillas en el jardín y dan rienda suelta a su pasión. Desaparecen en la oscuridad, observados por Njegus. Danilo y el barón se acercan. Hanna salva la situación sacando a Valencienne por la puerta lateral y quedándose en su lugar. El barón abre la puerta y ordena salir a los culpables. Camille sale con Hanna, que anuncia su boda. Los atónitos invitados les felicitan y se van. Danilo es el último en partir, pero antes de hacerlo arroja un pañuelo rojo que ella le había dado como muestra de su unión.

Acto III

Se desarrolla en Chez Maxim. Se reúnen todos, Camille aparece esperando encontrarse con Valencienne, pero ésta enfadada le rechaza. Danilo, se enfrenta a Camille. Hanna aparece y acepta el brazo de Camille, Danilo quiere retarle a duelo y Hanna y Valencienne intervienen para evitarlo. El embajador se da cuenta del amor que siente su esposa por Camille y acepta lo inevitable. Se marchan todos y Hanna se queda sola. Danilo regresa y, tras abrazarse, bailan un apasionado vals, dando rienda suelta al amor y felicidad que sienten. Ante lo que el embajador y su secretario respiran aliviados.

 

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