Despedida de Paloma Herrera

Despedida de Paloma Herrera

 

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Paloma Herrera se despidió del American Ballet de Nueva York tras más de dos décadas integrando su compañía, con una emotiva interpretación de Giselle y una larga ovación del público que la homenajeó de pie y mientras aplaudía le arrojaba flores al escenario sin cesar.

La bailarina clásica, de 39 años, dueña de unos pies increíbles y una excelencia en sus interpretaciones realizó su última presentación con el Metropolitan Opera House del Lincoln Center de Nueva York como escenario, dejando allí sus huellas como una de las principales figuras latinas de la compañía que integra desde 1991 cuando arribó con apenas 15 años.
Con motivo de su despedida, el Consulado argentino en Nueva York, organizó una recepción en reconocimiento y homenaje a su trayectoria en el mundo del ballet.
Trayectoria

Paloma Herrera llegó con apenas 15 años al American Ballet, tras unos años de formación en Argentina bajo la mirada de Olga Ferri, a la que siempre ha considerado su maestra.

Cuatro años después ya era primera bailarina de una compañía y, tras 20 años en esa categoría y a punto de cumplir los 40, planeó con sumo cuidado y mucha antelación su despedida.

A los 18 años de edad obtuvo su Green Card para los Estados Unidos, siendo la primera vez que un argentino recibe su visa de Profesional de la Danza con la denominación “Extranjero de Extraordinario Talento”.

Fue promovida a primera bailarina (solista) del American Ballet Theatre en 1995 a los 19 años siendo la más joven en lograrlo en toda la historia de esa compañía. Desde 2003, es miembro del Artist Committee (Jurado) para el Premio a la Trayectoria Artística más importante de Estados Unidos, el Kennedy Center Honorees, que se entrega en la National Celebration of the Performing Arts, que es entregado por el presidente en la Casa Blanca, desde 1978.

Herrera participa en los videos del American Theatre Ballet. Fue contratada por la Balanchine Trust Foundation para la película Theme and Variations con Alicia Alonso y es protagonista de los dos últimos ballets – Don Quijote y Coppélia – filmados para la Public Library del Lincoln Center en Nueva York. La BBC realizó un documental sobre su carrera. Además de ser una bailarina sumamente respetada, es una común presencia en la escena social de Nueva York.

Luego de despedirse del American Ballet Theatre, Paloma Herrera hará lo propio en su país y en su teatro con una de las obras más logradas del siglo XX. Modelo ejemplar de danza teatral, Onegin constituirá uno de los momentos culminantes de la temporada, por sus valores artísticos y por ser el conmovedor marco para el adiós de la gran bailarina argentina, que debutará el papel de Tatiana.

Galardones obtenidos

• Elegida entre los 10 bailarines del siglo por la revista cheer & Dance Magazine, la más prestigiosa del medio (1999).
• Líder del milenio por la revista Time y el canal de televisión CNN.
• Premio Gino Tani, de Italia, por unanimidad.
• Premio Konex de Platino (1999) a la Mejor Bailarina de la última década
• Premio María Ruanova (2000).
• Nominada al Premio Benois de la danza en Moscú.
• Nominada al Premio Nijinski del Mónaco Dance Forum, siendo la única bailarina americana seleccionada.
• Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires en el Teatro Colón (octubre de 2001).
• El Premio The Immigrant Achievement, en Nueva York (2001), por su contribución como miembro de la población inmigrante.
• Una de los 30 artistas (el único en Danza) que transformarán las artes en los próximos 30 años por el The New York Times, que le dedicó la tapa de su revista.

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Las Sílfides

Las Sílfides (Chopiniana)

 

chopiniana

 

Es un ballet blanco de un acto, sin argumento. Fue estrenado en 1908 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo como Rêverie Romantique: Ballet sur la musique de Chopin o Chopiniana. Como Les Sylphides, el ballet fue presentado por primera vez el 2 de junio de 1909 en el Théâre du Châtelet de París.

La coreografía original fue hecha por Mikhail Fokine, el coreógrafo ruso que forjaría entre otros el futuro de la danza clásica en los Ballets Rusos de Diaghilev, con música de Federico Chopin, orquestada por Alexander Glazunov y escenografía de Alexandre Benois siguiendo el estilo y las pautas con las que Filipo Taglioni y Bournonville hicieron bailar y volar a las sílfides.

Otra orquestación popular fue realizada por Roy Douglas en 1936. En 1940 el American Ballet Theatre realizó la producción y la estrenó el 11 de enero de ese año en el Center Theatre en el Rockefeller Center.

En occidente, el ballet pasó de una compañía a otra y el propio Fokine lo revisó en varias ocasiones, dándose por buena la última versión, que data de 1941.

Bajo el título de Chopiniana, aún puesto en escena por Fokin, el ballet fue una composición musical ligeramente diferente. Esta versión incluía sólo cinco obras de Chopin:

  1. Polonesa en La mayor, Op. 40, nº 1,
  2. Nocturno en Fa mayor, Op. 15, nº 1,
  3. Mazurka en Do sostenido menor, Op. 50, nº 3,
  4. Valse en Do sostenido menor, Op. 64, nº 2,
  5. Tarantella en La bemol mayor, Op. 43.

La versión final de este ballet, interpretado con el nombre de Les Sylphides agregó más piezas.

  1. Polonesa en A mayor (algunas compañías lo sustituyen con el Preludio en La Mayor)
  2. Nocturno en La bemol mayor (Op. 32, nº 2),
  3. Vals en Sol bemol mayor (Op. 70, nº 1),
  4. Mazurka en Re mayor (Op. 33, nº 2),
  5. Mazurka en Do mayor (Op. 67, nº 3),
  6. Preludio en La mayor (Op. 28, nº 7),
  7. Vals en Do sostenido menor (Op. 64, nº 2),
  8. Gran Vals en Mi bemol mayor (Op. 18, nº 1)

Las Sílfides es frecuentemente confundido con La Sílfide,  otro ballet de nombre similar, que también involucra a la legendaria sílfide o espíritu del bosque. Sin embargo estos dos ballets no tienen relación entre sí.

Las silfides son genios o espíritus que vagan por los aires y habitan en las alturas, ya sea en las montañas o en las copas de altos árboles. Poseen la capacidad de levitar innatamente y pueden volar y moverse libremente, las alas sólo le sirven para darse impulso. Tienen otras muchas habilidades mágicas, como la de hacerse visibles o invisibles a voluntad, y la de invocar elementos del aire

Este ballet, a menudo descrito como una “ensoñación romántica”, fue el primer ballet que fue sólo eso ya que carece de trama. Está situado en un bosque donde las sílfides bailan al claro de luna junto a un poeta. Sobre esta idea Fokin diseñó una coreografía de estilo romántico utilizando una técnica académica evolucionada para aquella época. De este modo Fokin creó un ballet abstracto con la estructura del ballet romántico, y es  ejemplo de la esencia de la danza clásica. Elegante, de movimientos suaves y etéreos, resalta la excelencia en una disciplina de alta exigencia.

Esta obra constituye una representación fiel del ballet romántico,  y es una de las creaciones más significativas de Fokine. Forma parte de los repertorios de las compañías más notables de danza clásica y en los más importantes certámenes de danza clásica.

 

 

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Maya Plisetskaya

 Maya Plisetskaya

 

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El mundo se va quedando sin grandes talentos. Ha fallecido a los 89 años Maya Plisetskaya

Había nacido el 20 de noviembre de 1925 en Moscú, en épocas de la Unión Soviética. Su infancia tuvo un ambiente familiar difícil, ya que su padre Mijaíl Plisetski, de origen judío, fue ejecutado por orden de Josef Stalin en 1938, y su madre la actriz Rachel Messerer, también judía, fue deportada con su hermano a un gulag

Había ingresado al mundo del ballet con sólo tres años de edad, en la Escuela de Danza de Moscú y recibió la influencia de sus tíos Asaf y Sulamith Messerer, ambos bailarines del Bolshoi, a cuya compañía se unió Plisetskaya en 1943, convirtiéndose en primera bailarina con sólo 18 años, cuando inició su carrera profesional interpretando La muerte del cisne.

Fue “la prima ballerina absoluta” de una generación en la que figuran también Alicia Alonso y Margot Fonteyn.

Su versatilidad le permitió interpretar personajes tan diversos como la Zarina enloquecida de “La fuente de Bajchisarai”, a Kitri en “Don Quijote” o a “Laurencia” en el ballet del mismo nombre. En 1967 estrenó “Carmen” y en 1972 “Ana Karenina” con una partitura de su propio marido, el compositor y pianista Rodion Shchedrin. En este montaje Plisetskaya asumió las tareas de directora escénica y coreógrafa. En 1973  Roland Petit compuso para ella La rose malade y años después Maurice Béjart le escribió “Isadora”.

Maya Plisteskaya tenía numerosos galardones internacionales. Fue uno de los grandes nombres del siglo XX. Era Doctor Honoris Causa por la Universidad de la Sorbona, profesor honorario de la Universidad Estatal de Moscú, ciudadano honorario de España. Estaba casada con el compositor Rodión Shchedrin. En 1966 puso su firma en la carta que 25 representantes de la cultura y la ciencia dirigieron al secretario general del PCUS, Leonid Brezhnev, en contra de la rehabilitación de Stalin. Vivió principalmente en Munich (Alemania), de vez en cuando viajaba con su esposo a Moscú o San Petersburgo. Tenía cuatro nacionalidades: rusa, alemana, española y lituana. Desde 1993 era ciudadana de Lituania, país en el que tenía varios bienes inmuebles.La artista dirigió, entre 1987 y 1990, el Ballet del Teatro Lírico Nacional de España, tenía la medalla de oro de Bellas Artes y en 1993 obtuvo la nacionalidad española.

Venerada y aclamada por bailarines de todo el mundo, recibió con orgullo el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2005, con la satisfacción de un trabajo bien hecho.

Premios y Distinciones

Título de Artista de Honor de la Federación Rusa (1959).
Premio “Ana Pavlova”, concedido en París (1962).
Orden de Lenin (1964).
Medalla de Oro de París (1977).
Orden de Literatura y Arte de París (1.985).
Medalla de la Legión de Honor, impuesta por François Mitterrand (1986).
Premio Via Condotti de Roma (1.989).
Medalla de oro de las Bellas Artes, que recibió de manos de los Reyes de españa el 3 de julio de 1991
Primera Medalla por el Servicio al Estado Ruso (1995).
Segunda Medalla por el Servicio al Estado Ruso, concedida por el presidente ruso Vladimir Putin (2000).
Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2005)

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La Bayadera

La Bayadera

 

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La bayadera es un ballet en tres actos con música de Ludwig Minkus, libreto creado por Sergei Kuschelok y Marius Petipa, con coreografía de Marius Petipa. Está inspirado en dos dramas del poeta hindú Kalidasa. Se estrenó en el Teatro Bolshói de San Petersburgo el 23 de enero de 1877. El personaje de Soros lo bailó Lev Ivánov, quien luego se convertiría en una de las figuras cimeras de la danza clásica. Está considerada, desde su estreno como una de las mayores producciones de la historia del Ballet Bolshoi.

El compositor Minkus trabajó en estrecho contacto con el coreógrafo Petipa y logró una de sus más notables composiciones. Varias estrellas del ballet clásico han obtenido grandes lauros por su desempeño en esta obra: entre éstas Anna Pávlova quien alcanzó su primer gran éxito en 1902 interpretando a Nikiya y Rudolf Nuréyev quien en 1958 causó fascinación en la misma ciudad donde se estrenara la obra cuando añadió a la variación de Solor ciertos toques.

Esta obra, ambientada en la exótica y misteriosa India, es una historia de amor y odio que nos adentra en el amor imposible entre Nikiya, una bailarina del templo enamorada de Solor, un guerrero de la nobleza que le promete amor eterno. La Bayadera es una invitación al exótico mundo de oriente, con princesas indias y coloridos personajes que forman parte de un relato que combina lo dramático, lo romántico, el poder y la traición.

La palabra “bayadera” hace referencia a las mujeres consagradas a la danza por la religión, las “devadasi” en la India, donde llegaron los navegantes portugueses y las llamaron “bailadeiras”, de donde ha derivado a “bayaderas”. Así, este ballet nos presenta uno de los temas que fascinaron a los románticos del siglo XIV, la visión idealista del Oriente con sus bailarinas  y su exotismo.

Solor, noble guerrero, al regresar de la cacería del tigre manda a llamar a Nikiya, quien es bayadera del templo. De ella está enamorado elGran Brahman pero ésta le rechaza bajo la excusa de que él es un sacerdote del templo. La bailarina sagrada va al encuentro del guerrero pero el Brahman la sigue y ve como Solor le promete solemnemente sobre el fuego su fiel amor eterno a la joven. En un arranque de furia el espía jura invocar la ira de los dioses como venganza.

El Rajah de la provincia, en recompensa al valor del guerrero le ofrece la mano de su hermosa hija Gamzatti, por quien queda al instante deslumbrado a pesar de su juramento a Nikiya. Solor no tiene voluntad para rechazar el bondadoso ofrecimiento y el festejo por tal evento comienza con la misma llegada del Gran Brahman que revela al padre de la prometida el pacto entre el guerrero y la joven bayadera, quien tendría que bailar también en la fiesta. Gamzatti, que escondida ha escuchado la conversación, trata de persuadir a su rival de que abandone a Solor a cambio de lujosos presentes y alhajas. Ella no acepta y en medio de su desesperación intenta herir a la princesa, quien se promete tomar venganza.

En los jardines reales del Rajah se harán grandes celebraciones en honor al casamiento de su hija con el guerrero, donde también tendrá que danzar Nikiya. Durante su actuación le entregan una cesta de flores de parte de Solor que fue realmente preparada por Gamzatti quien ocultó una serpiente, que muerde mortalmente a la bailarina cuando está oliendo la fragancia de las flores. El Brahman, aún enamorado, le ofrece un antídoto que ella rechaza al ver la pareja de recién casados. A su muerte Solor queda destruido.

En medio de su abatimiento, el guerrero tiene visiones en las que Nikiya se le aparece desde el reino donde habita ahora y le dice a Solor que ella ha sido bendecida para protegerlo. Si él tiene fe en ella y se mantiene fiel, éste alcanzará la paz eterna y estará siempre protegido. Entre las sombras Solor realiza su última danza y despierta luego en extremo consternado por la visión de su amada. La escena del Reino de las Sombras está considerada una gloria coreográfica mundial; en especial por la entrada de 32 bailarinas, interpretando espectros de bayaderas, desde una rampa de dos metros de alto bailando una serie de arabesques.

 

ARGUMENTO

 

Acto I, Escena I. El bosque sagrado, delante del templo

Los guerreros regresan de una gran cacería y Solor, el más noble de todos, se une a ellos.
Solor reclama que le dejen solo, para así orar ante la Llama Sagrada; pero, una vez que han partido los guerreros, Solor pide al fakir Magdaveya que organice un encuentro con Nikiya, bayadera del templo. Los sacerdotes y el Gran Brahmán llegan y ordenan a Magdaveya que reúna a los otros fakires, con el fin de preparar la Llama Sagrada para las inminentes celebraciones.
Las bayaderas hacen su aparición, entre ellas Nikiya, que ha sido elegida para alcanzar el rango de Gran Bayadera. El Gran Brahmán, fascinado por su belleza, le declara su amor; pero ésta le rechaza al ser él un hombre de Dios. Las ceremonias comienzan y las bailarinas llevan agua a los fakires. Magdaveya comunica a Nikiya los deseos de Solor. La joven consiente, pero el Gran Brahmán advierte esa conversación y comienza a sospechar que la joven guarda algún secreto.

La ceremonia finaliza y los asistentes retornan al templo. Magdaveya aconseja a Solor que se oculte en el bosque para esperar a Nikiya. Cuando ésta llega, ambos jóvenes se juran amor eterno ante la Llama Sagrada. Sin ser visto, el Gran Brahmán observa desde el interior del templo y espía a los amantes. Cuando ellos se separan, el Gran Brahmán, furioso, invoca a los dioses para que Solor sea destruido.

Acto I, Escena II. Una sala del palacio

Los guerreros son invitados a palacio para rendir homenaje a Solor. El Rajah anuncia que, en recompensa por el valor del joven, le entregará a éste la mano de su hija Gamzatti en matrimonio. Al serle presentada, Gamzatti se retira el velo y Solor queda deslumbrado ante su belleza. A pesar de estar unido a Nikiya por un juramento, el joven no puede resistirse a su encanto ni rechazar el ofrecimiento del Rajah. La fiesta comienza con la llegada del Gran Brahmán que revela al Rajah los lazos que existen entre Solor y la bayadera.

El Brahmán supone que el Rajah eliminará a Solor. Sin embargo, para su sorpresa, el propósito del gobernante es dar muerte a Nikiya. Gamzatti, escondida, escucha toda la conversación. Decide entonces, encontrarse con Nikiya y trata de persuadirle para que abandone a Solor. La bayadera, desesperada, intenta herir a Gamzatti, pero es detenida por Aya, una sirvienta. Nikiya huye y Gamzatti, al igual que su padre, decreta la muerte de la bayadera.

Acto I, Escena III. El jardín del palacio

Se anuncia un gran festín para celebrar el compromiso entre Gamzatti y Solor. El Gran Brahmán impulsa a Nikiya a bailar en la ceremonia, pero ella rehúsa. La sirvienta de Gamzatti, Aya, le entrega una cesta con flores, diciéndole que es un presente de Solor. Pero entre las flores se oculta una mortal serpiente, enviada por Gamzatti y el Rajah. El áspid muerde a Nikiya, cuando ésta se dispone a oler la fragancia de las flores. El Gran Brahmán le ofrece un antídoto, pero cuando ella ve a Gamzatti y a Solor juntos rechaza la cura.

Acto II. La tienda de Solor

Desesperado por la muerte de la hermosa bayadera, y bajo la influencia del opio, Solor ve a Nikiya en el Reino de las sombras, muerta y multiplicada su imagen por espectros de bayaderas. Junto a ella, Solor evoca su danza ante la Llama Sagrada. El guerrero continúa atrapado por la fascinante visión de Nikiya cuando hacen su aparición sus compañeros para prepararle para la boda.

Acto III. El Templo

Bajo la sombra del Gran Buda, un ídolo de bronce danza mientras el Gran Brahmán y los sacerdotes preparan la ceremonia nupcial. Los novios hacen su entrada rodeados de bayaderas, que ejecutan una danza ritual: símbolo de la Llama Sagrada que brilla ante el templo. El Rajah, Gamzatti y Solor bailan, pero el guerrero es continuamente asaltado por la visión de Nikiya.
Durante las danzas aparece misteriosamente un cesto con flores, idéntico al que provocó la muerte de la bayadera; Gamzatti, aterrada y atormentada por la culpabilidad, solicita a su padre que apresure la ceremonia.

El Gran Brahmán pronuncia los ritos sagrados, en medio de la indecisión de Solor. Los dioses, furiosos, desencadenan su venganza: el templo y todos los presentes son destruidos. Las almas de Nikiya y Solor se unen, finalmente, en un amor eterno.

 

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El Corsario

El Corsario

 

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El corsario es un ballet en tres actos basado en un poema homónimo de Lord Byron, que narra la historia de Medora, quien es apresada por Lankedem, un vendedor de esclavas, para después ser vendida a Seid Pachá. Luego de traiciones, fugas y aventuras es salvada por el Corsario Conrad quien llega a la costa Griega, ocupada por los turcos, al naufragar su barco.

Este extraordinario ballet sobre piratas, corsarios, rehenes, odaliscas y aventuras contiene variedad extraordinaria de pasos virtuosos desarrollados donde la historia es una buena excusa para danzar. Fue creado a mediados del siglo XIX y se mantiene fresco hasta nuestros días.

Históricamente la primera adaptación fue la de François Albert Décombe, de 1837 en Londres, con música de Robert Bochsa. Pero fue la composición y montaje de Joseph Mazilier la que realmente dio forma a las siguientes versiones.

En 1856 se produjo el estreno de Mazilier en la Ópera de Paris con música de Adolphe Adam. Era un ballet pleno de encantos románticos, entre los cuales estaba un naufragio en medio de una borrasca, al final de la obra.

Esta producción fue estrenada en San Petersburgo en 1858 y dirigida por Jules Perrot; Cesare Pugni le añadió nueva música y Petipa creó el Pas de esclave con música de Oldenburg. En esta ocasión el mismo Petipa bailó el papel de Conrad y Perrot el de Pachá.

Ya casi terminado el siglo XIX el propio Petipa -ya un creador coreográfico de relieve- resolvió remontar el mismo ballet dado su efecto anterior y la sugestión del dramático naufragio. Transpuso escenas y añadió más música dado el criterio académico de extender las obras con fragmentos de técnica virtuosa. Para ello contó con la ayuda de Ricardo Drigo quien compuso el ya famoso Pas de deux integrado por el adagio, las variaciones femenina y masculina, y la coda final.

En otras versiones, como la de A. Gorsky, se ha agregado música de otros compositores como Tchaikovsky y Chopin

De este modo, con la romántica música de Adolphe Adam y la clásica coreografía de Marius Petipa y bajo la adaptación de los coreógrafos Alexei Ratmansky y Yuri Burlaka, El Corsario contiene muchos momentos líricos que lo hacen apreciable tanto por los balletómanos como por el público en general, debido a que cuenta con un argumento fácilmente comprensible y entretenido.

 

Argumento

 

Primer acto

El corsario Conrad y sus amigos Birbanto y Alí naufragan durante una tempestad y están varados en una playa del Mar Jónico. Medora, su amiga Gulnara y otras compañeras encuentran a los náufragos y Conrad se enamora inmediatamente de Medora. Pero aparece Lankedem, el vendedor de esclavas, y las toma prisioneras. El Corsario jura rescatarlas. En el mercado, Lankedem ha reunido a los pachás para realizar una subasta de esclavas argelinas y palestinas, incluyendo también a Medora y Gulnara. El seid Pachá queda prendado de Gulnara y la compra. Lankedem había reservado a Medora para el final y cuando el seid Pachá le ofrece todo el dinero que le queda por ella, aparece un forastero (que no es otro que Conrad disfrazado) y logra comprarla. Mientras, los amigos del Corsario toman prisionero a Lankedem y liberan a las muchachas, menos a Gulnara, quien ya había sido llevada al palacio del seid Pachá.

 

Segundo acto

En la caverna de los piratas, Medora intenta persuadir a Conrad para que abandone la vida de bandolero y deje libre a las prisioneras, pero Birbanto y sus amigos no están de acuerdo, pues ellos ya pensaban venderlas y repartirse las ganancias. Se desata una pelea y Birbanto pacta con Lankedem para darle un somnífero a Conrad y así poder llevarse a Medora. El plan surte efecto y los dos se llevan a Medora mientras Conrad duerme.

 

Tercer acto

El seid Pachá está en su palacio rodeado de odaliscas que bailan para él. Llega Lankedem con una sorpresa: Medora, que baila tristemente pensando en Conrad, aunque se alegra luego al reencontrarse con su amiga Gulnara en el Jardín animado. Conrad y sus amigos llegan al palacio disfrazados de peregrinos y logran liberar a Medora y Gulnara. Durante la fuga, el Corsario se entera de la traición de Birbanto y lo mata. Conrad, Medora, Alí y Gulnara parten en busca de la felicidad.

El barco con Conrad y Medora a bordo lucha con las altas olas nadando hacia la libertad.

 

VIDEOS

 

 

 

 

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El hijo pródigo

El hijo pródigo

 

Serge Lifar and Michael Fodorov in Prodigal Son, 1929.

 

 

El hijo pródigo es un ballet en 3 cuadros de George Balanchine, con música de Sergei Prokofiev , libreto de Boris Kochno , decorado y vestuario de Georges Rouault .

Inspirado en la parábola bíblica del Evangelio según San Lucas , la obra fue creada por los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev en París el 21 de mayo de 1929 y tuvo como artistas principales a Serge Lifar y Felia Dubrovka.
El hijo pródigo fue el último ballet montado por Diaghilev dado que falleció poco tiempo después. Esto también alejó a Prokofiev de sus vinculaciones principales en Europa Occidental

HISTORIA

En 1929 Diaghilev le encargó a Prokofiev la música para un ballet, El hijo pródigo, basado en la parábola evangélica. La obra fue estrenada el 21 de mayo de 1929 en el Teatro Sarah Bernhardt de París, con coreografía de George Balanchine y con el destacado bailarín Sergei Lifar en el rol principal.

El Hijo pródigo es una de las pocas obras narrativas de Balanchine. La puntuación de gran alcance por Sergei Prokofiev, los decorados y el vestuario del pintor George Rouault, utiliza la diversidad de su vocabulario para escenificar una obra llena de emociones. El ballet duró apenas hora y media, pero su coreografía, vestuario y escenario establecieron un estándar dorado para los tratamientos artísticos de las historias bíblicas. El ballet introdujo uno de los papeles más importantes en la danza moderna, la Sirena, que representaba a la prostituta con la que el hijo más joven tiene trato en un solo verso de la historia bíblica. En el ballet, la escena de la Sirena ocupa completamente un tercio de todo el tiempo dramático. El Ballet del Hijo Pródigo muestra el tipo de transformaciones que ocurren cuando los textos bíblicos se mueven no sólo de un lenguaje a otro, sino de un medio a otro.

El libreto, basado en la parábola en el Evangelio de San Lucas conocida como parábola del hijo perdido o el Hijo Pródigo era de Boris Kochno , quien añadió una buena dosis de drama y destacó el tema del pecado y la redención que termina con el regreso del hijo pródigo. Dado que la parábola no dice cómo el hijo malgasta su propiedad, Boris Kochno escribió el libro llenando los espacios vacíos de la historia original. Presentó en imágenes la historia del hijo pródigo: el primero, un venerable anciano en bata y con un adolescente con problemas a quien le da una beca y su bendición apresurada. La siguiente imagen muestra a un joven libertino sentado en compañía de amigos falsos y mujeres desvergonzadas. Después, el adolescente en ruinas, andrajoso,  cuyo rostro expresa su pesar y arrepentimiento. Finalmente, el regreso del hijo al padre; el viejo hombre, que llevaba el mismo sombrero y vestido con el mismo atuendo, se apresura a cumplir con el hijo pródigo que se arrodilló; en el fondo un cocinero mata a un ternero cebado, y el hijo mayor que cuestiona sobre las razones de tal alegría.

La coreografía de Balanchine no fue del agrado de Prokofiev, quien dirigió el estreno. El compositor había previsto una producción con un concepto de la sirena recatada que difería radicalmente de Balanchine por lo que Prokofiev se negó a pagar regalías por la coreografía. Sin embargo, El hijo pródigo fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica, y fue uno de los primeros de los ballets de Balanchine que lo llevaron a alcanzar reputación internacional.

El estreno del ballet resultó mucho más interesante como pieza arqueológica que como espectáculo de danza. Causó una revolución para la mentalidad de la época que supuso la aparición de Balanchine como coreógrafo. Fue vuelto a montar en 1960 con Edward Villella en el papel. Mikhail Baryshnikov hizo lo propio con el Ballet de la ciudad en 1979, y Damian Woetzel lo bailó en su actuación de despedida el 18 de junio 2008.

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ARGUMENTO

 

Primer Cuadro

Habiendo recibido parte de su herencia, el hijo pródigo abandona la casa paterna acompañado de dos amigos de confianza.

Segundo Cuadro

El hijo pródigo participa de un festín y se deslumbra con una mujer de la vida. Sus amigos lo emborrachan y robándole su dinero, lo abandonan. Cuando vuelve en sí, el joven se lamenta de su mísera situación.

Tercer Cuadro

El hijo pródigo, arrepentido, vuelve al hogar paterno.

 

 

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