No te mueras sin decirme adónde vas

No te mueras sin decirme a dónde vas

por Claudio Bringas (Canadá)

        Nota: Este artículo lo escribí originalmente en el año 2009 cuando apenas llevaba poco tiempo colaborando en este foro. Me gustaría compartirlo nuevamente para celebrar a Eliseo Subiela que lamentablemente falleció en diciembre del año pasado.

Como estamos en el mes de febrero, mes de San Valentín y el romance, vamos a revisar una película que nos entrega una interesante e inusual historia de amor . Ahora es el turno de No te mueras sin decirme a dónde vas, película dirigida por Eliseo Subiela y estrenada en 1995. Como era de esperarse de Eliseo Subiela, esta no es una típica película romántica, sino que es una obra que mezcla amor, drama y fantasía.

Es la historia de un pareja que tiene la oportunidad de amarse por varios siglos, gracias a las varias reincarnaciones por las cuales ellos han pasado. Leopoldo (Darío Grandinetti), trabaja en un antiguo teatro como proyectista de películas, y está casado con Susana (Mónica Galán). Su matrimonio está pasando por momentos difíciles, estando actualmente en una relación ha perdido su pasion. Las cosas se complican aún más cuando Leopoldo es despedido de su trabajo. En vez de buscar un nuevo empleo, él dedica todo su tiempo a lograr inventar un aparato que sea capaz de “recolectar los sueños.”

Al poco tiempo, Leopoldo obtiene éxito y logra fabricar este recolector de sueños, y decide usarse a él mismo para comprobar la efectividad de su nuevo invento. Cuando Leopoldo se conecta este aparato, él visualiza una mujer que viste con ropa del siglo pasado. Al poco tiempo él comienza a seguirla hasta que un día, esta misteriosa mujer, Rachel (Mariana Arias) le comunica a Leopoldo que ellos se han amado muchas veces a través de los siglos en las varias reincarnaciones. De alguna forma extraña, Leopoldo parece estar teniendo una relación extramarital con la mujer de sus sueños, aunque esta parece más interesada en ayudar a Leopoldo con los problemas con su esposa. Por esta razon, Leopoldo va a tener que decidir que es lo más importante para él: salvar su matrimonio o quedarse junto con su nuevo “amor.”

Con esta película, Subiela nos sigue entregando una mezcla inusual de temas que ya había tocado en sus otras películas. Es así como vemos tanto el realismo mágico ya empleado en El Lado Oscuro del Corazón como lo temas de reflexionamiento filosófico sobre vida, muerte y el sentido de la vida, temas ya visto en Hombre Mirando al Sudeste. Subiela no solo nos muestra el tema de la reincarnacion, sino que tambien usa otros elementos de lo fantástico, como por ejemplo el robot creado por el amigo de Leopoldo, Pablo (Leonardo Sbaraglia), que parece ser mas humano que muchos otros personajes en esta película, o personajes volando por los aires.

A pesar de que esta película tiene elementos románticos, Subiela tambien  nos muestra otro tipo de amor, el amor por el cine, el medio que le ha permitido a Subiela expresar sus pensamientos y deseos. Es así como al comienzo de la pelicula vemos imagenes de William Dickson (James Murray), ayudante de Thomas Edison, y conocido mundialmente por ser uno de los responsables de la invencion del cine. Es justamente Dickson el que crea la idea de una maquina que pueda proyectar imagenes y que daría paso al establecimiento del cine como tal. La relación entre esta invención y el “recolector de imagenes” de Leopoldo es evidente, aunque no es lo único que estos dos hombres tienen en común.

Subiela nos entrega una película distinta, que puede ser un tanto difícil de entender en ciertas ocasiones, gracias a mezcla de distintos géneros que el director emplea. Sin embargo, la propuesta es interesante. Tiene actuaciones sólidas, una banda sonora intrigante y un final que da para mucho comentario, No te mueras sin decirme adónde vas no solo va a satisfacer a los fanáticos de Subiela, sino que a todos los amantes de un cine distinto, de ideas frescas, en particular a los cinéfilos que aún ven al cine como un medio donde los sueños se pueden hacer realidad.

 

 

 

 

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El Club

El Club (2015)

Comentario de la película por Claudio Bringas (Canadá)

el-club

         Una casa ubicada en un rincón remoto de Chile alojando a cuatro hombres mayores da la apariencia de ser un retiro espiritual o una casa de vacaciones. Sin embargo esta vivienda es algo más siniestro. Es un lugar dónde han sido enviados sacerdotes que han sido removidos por la Iglesia Católica de sus parroquias por haber cometido diversos delitos. Por intermedio de cuatro personajes interpretados por Alfredo Castro, Jaime Vadell, Alejandro Goic, y Alejandro Sieveking, el director Pablo Larraín – en su quinto largometraje- nos narra la historia de cómo la Iglesia ha manejado el asunto de sacerdotes problemáticos para simplemente “hacer desaparecer” a estos sacerdotes del escrutinio mediático y el público.  Si bien esta historia no está basada en ningún hecho real en particular, Larraín ha declarado que la idea de realizar esta película partió de sus propias vivencias cuando atendió una escuela Católica donde algunos sacerdotes simplemente desaparecían repentinamente sin ninguna  explicación. Eventualmente Larraín descubrió que existían casas que se encargan de alojar a sacerdotes que han estado involucrados en delitos.

El Club nos muestra cómo los Padres Vidal (Castro), Silva (Vadell), Ortega (Goic), y Ramirez (Sieveking) parecen llevar una vida tranquila y alejada de mayores problemas, bajo el cuidado y protección de la Hermana Mónica (Antonia Zegers). A pesar de tener que acatar ciertas reglas (como por ejemplo sólo tener contacto con el pueblo en ciertas horas de la mañana y de la noche, para así minimizar el riesgo de ser reconocido por algunos de los habitantes), los cuatro miembros del club logran pasar los días entreteniéndose con carreras de galgos y haciendo apuestas. En medio de este tranquilo pasar llega el Padre Lazcano (José Soza), el que también ha sido ‘reubicado’ por la Iglesia debido a delitos cometidos por él. Sin embargo, para la sorpresa del Padre Lazcano y de todos los demás, también llega Sandokan (Roberto Farías), un individuo con problemas mentales y que fue abusado por el Padre Lazcano durante su infancia. De alguna forma Sandokan se ha enterado que su abusador ha sido transferido a esa particular casa. El encuentro entre Sandokan y el Padre Lazcano termina en tragedia lo que motiva a la Iglesia a enviar al Padre García (Marcelo Alonso), un psicólogo, a investigar el suceso y a evaluar la continuación de existencia de la casa en general.

Larraín hace uso de efectivos métodos tantos narrativos como visuales para contar la historia de abusos por parte de sacerdotes. Narrativamente, los abusos sexuales jamás se ven de forma explícita, sin embargo, Sandokan nos entrega claras descripciones de lo que le sucedió a través de sus largos monólogos realizados en los alrededores de la casa. Por su parte, el Padre García entrevista a cada uno de los cuatros sacerdotes y así aprendemos que los delitos van más allá de abusos sexuales de menores. Algunos de estos sacerdotes también estuvieron involucrados en casos de abducciones de menores durante el gobierno militar. Más aún, estas entrevistas demuestran el poco cargo de conciencia que tienen estos sacerdotes, los cuales se resisten a asumir toda su culpabilidad. Desde el punto de vista de ellos su moralidad es algo complejo y ambiguo, y de forma paulatina también comienza a afectar al Padre García. Esta complejidad está representada visualmente por los tonos grises y poca iluminación que emplea Larraín a través de la duración de esta cinta y particularmente con un movimiento de cámara que se enfoca en los rostros de los miembros de este club. Claro está, ninguna de las técnicas visuales empleadas por Larraín genera simpatía por estos sacerdotes.

A través de El Club Pablo Larraín extiende su crítica social y política a la realidad chilena, lo que comenzó con Tony Manero (2008), y continuó con Post Mortem (2010) y No (2012) (nominada al Oscar como mejor película extranjera). Si bien, estas tres películas anteriores estaban enfocadas específicamente en el período del gobierno militar, El Club se basa en historias que no están regidas por un marco específico de tiempo, ni tampoco geográfico, pues lamentablemente existen muchos más miembros y el club es mucho más extenso que los cuatro ejemplos creados por Larraín.

 

Trailer:

 

 

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Amigos Intocables

Amigos Intocables

 

Intocables

Amigos intocables es una película francesa dirigida por Olivier Nakache y Éric Toledano.

La historia está inspirada en la vida de Philippe Pozzo di Borgo, autor del libro Le Second souffle, tetrapléjico desde 1993 y de su relación con Abdel Yasmin Sellou, su asistente a domicilio. Esta película, que contiene drama y comedia, se ha convertido en un fenómeno cultural en Francia, donde ha sido votada como el evento cultural del año 2011 por el 52% de los franceses.

La película narra la relación entre dos personajes totalmente opuestos y procedentes de entornos diferentes. Uno, Driss, de origen senegalés, vive en un barrio obrero de París, con antecedentes penales, descarado, divertido e irreflexivo; el otro, Phillippe, un rico tetrapléjico culto y muy poco espontáneo, que necesita un ayudante personal. Driss acude a la entrevista esperando ser rechazado y con la única intención de presentar sus papeles para cobrar por estar sin trabajo. Sin embargo, es sorprendentemente contratado, pese a no tener ninguna formación profesional. Los motivos de Phillippe, harto de lidiar con cuidadores que sentían piedad de él, fue el ver que no le tenía compasión alguna y el reto de conseguir que el rebelde joven fuera capaz de realizar un trabajo y adaptarse a unos estrictos horarios y rutinas responsablemente.

Poco a poco, la relación entre empleado y empleador se va convirtiendo en la amistad de dos personas que se ayudan mutuamente a enfrentar y superar las dificultades de sus respectivos mundos.

Título original: Intouchables
País: Francia
Género: Comedia dramática
Director: Olivier Nakache, Eric Toledano
Guión: Olivier Nakache, Eric Toledano
Música: Ludovico Einaudi
Fotografía: Mathieu Vadepied
Reparto: François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Joséphine de Meaux, Alba Gaia Bellugi, Cyril Mendy, Christian Ameri, Marie-Laure Descoureaux, Gregoire Oestermann
Productora: Quad Productions / Gaumont / TF1 Films / Ten Films / Chaocorp production / Canal + / Cinecinema

Premios

2012: Globos de Oro: nominada a mejor película de habla no inglesa
2011: Premios Cesar: Mejor actor (Omar Sy). 9 nominaciones
2012: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2012: Premios Goya: Mejor película europea
2011: Festival de San Sebastián: Sección oficial no competitiva – Clausura
2011: Festival de Tokyo: Mejor película, Mejor actor (François Cluzet & Omar Sy)
2011: Premios David di Donatello: Nominada a Mejor película de la Unión Europea
2012: Premios del Cine Europeo: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película
2012: Satellite Awards: Mejor película extranjera
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película extranjera
2012: Premios Gaudí: Nominada a Mejor película europea

 

 

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Cine y Edición 100

Cine y Edición 100

por Claudio Bringas

cine

 

Para celebrar la edición número 100 me gustaría entregarles una breve reseña de las películas latinoamericanas que más me han gustado desde que comencé a escribir artículos para esta revista. Si aún no han visto estas películas, no pierdan más tiempo y traten de conseguirlas:

Nueve Reinas – Argentina (2000)

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La historia de Nueve Reinas se centra en dos estafadores de poca monta, Juan (Gastón Pauls) y Marcos (Ricardo Darín), que tratan de aprovecharse de la suerte del destino para obtener una recompensa millonaria. Juan, un solitario “pillo” de tercera categoría se encuentra por casualidad con Marcos, un tipo que al parecer ya ha hecho carrera estafando a la gente. Este encuentro casual da lugar a una unión perfecta entre dos tipos que se necesitan mutuamente. Marcos ha perdido a su socio, “el Turco” y no puede trabajar sólo. Juan, por otro lado, que necesita dinero para ayudar a su padre, y debido a su inexperiencia, necesita tener a alguien que lo pueda ayudar ha encontrar trabajos más lucrativos. Es así como ellos acuerdan trabajar juntos por un día. Sin embargo, pronto se van a enterar de una noticia que les hace cambiar de idea.

Un ex-socio de Marcos, Sandler (Oscar Núñez) les comunica que un millonario Español está interesado en adquirir las “Nueve Reinas,” unas raras estampillas de colección valoradas en una fortuna. Sandler les comunica que él sabe de alguien que posee éstas estampillas, pero que lamentablemente, el dueño nunca las vendería. Esto no es problema, ya que Sandler es un experto falsificando documentos, y el trabajo que realizó con las Nuevas Reinas sería su  obra maestra. Juan y Marcos solamente tienen que entregárselas al español y cobrar, en lo que sería la transacción de sus vidas.

 

Machuca – Chile (2000)

 

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Película dirigida por Andres Wood.  La historia está ambientada en Santiago de Chile, en 1973, durante los días previos al golpe militar que pondría fin al gobierno socialista de Salvador Allende. Aquí nos encontramos con Gonzalo Infante (Matias Quer), un niño de clase media alta que esta en su pre-adolescencia, y que atiende el colegio privado St. George.

Aquí se encuentra con las reformas sociales que el director del colegio, Padre McEnroe (Ernesto Malbran), está intentado impulsar. Influenciado por el idealismo de la Teología de la Liberación y el Marxismo, el Padre McEnroe decide incluir a niños de barrios pobres para que puedan compartir los beneficios de un colegio privado. Gracias a estas medidas, llega Pedro Machuca (Ariel Mateluna), junto con otros compañeros. Rápidamente, Gonzalo y Pedro se convierten en amigos, participando, entre otras cosas, en la venta de banderas políticas durante las numerosas protestas callejeras que se producían en esos días, negocio, donde además participa el tío de Pedro (Luis Dubo) y su vecina (Manuela Martelli).

Es precisamente la amistad entre estos dos niños lo que nos permite observar dos mundos totalmente opuestos, que a su vez están entrelazados. Por un lado nos encontramos con el mundo de Gonzalo, una existencia privilegiada, mientras que en el mundo de Pedro la realidad es muy distinta, donde abunda la escasez, pobreza y hasta cierto resentimiento hacia las clases privilegiadas. El conflicto entre estos dos mundos, por lo tanto, es inevitable, lo que afectará profundamente la vida de estos dos amigos.

Un Lugar en el Mundo – Argentina (1992)

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Dirigida por Adolfo Aristaraín y estrenada en 1992 – aunque cuasi perdida por muchos años debido a problemas con su distribución – esta película narra la historia de una familia que ha vuelto a Argentina luego de estar exiliada ocho años en Europa.  La familia está compuesta por el padre, Mario, interpretado por Federico Luppi, su esposa Ana (Cecilia Roth) y el hijo adolescente, Ernesto (Gastón Batyi).  En vez de radicarse nuevamente en la urbanidad de Buenos Aires, deciden vivir en una pequeña comunidad al interior del país donde llevan una vida sencilla alejada de muchas de las complejidades de las grandes ciudades. Mario establece una escuela gratuita para niños y ayuda a crear una cooperativa para los criadores de ovejas, a la vez que Ana trabaja como doctora entregando atención médica a la comunidad, también de forma gratuita.

A pesar de sus buenas intenciones de carácter social, ellos se encuentran una vez más enfrentados a fuerzas poderosas que intentan arruinar sus planes. Un rico terrateniente, Andrada (Rodolfo Ranni) intenta desmantelar la cooperativa y remover a la gente de sus tierras con el fin de explotar posibles reserves de petróleo. En este momento llega Hans (José Sacristán), un geólogo español contratado por Andrada para la búsqueda de petróleo. Irónicamente, Hans establece una amistad con Mario y su familia. Es precisamente a través de Hans y sus constantes preguntas y comentarios, que aprendemos de las penurias que vivieron Mario y su familia.

Habiendo vivido en varios países, la familia se encuentra en una constante búsqueda de un hogar permanente, entregando la sensación de que nunca van a establecerse permanentemente en un solo lugar. Tuvieron que partir de Argentina por motivos políticos, exiliándose en países como Francia y España, países donde a pesar de tener una tranquila existencia, nunca lograron encontrar su propio lugar, debiendo retornar a Argentina ya que, como bien lo explica Mario, “nunca se fueron realmente.” No lograron encontrar su espacio en su país natal ni tampoco lo encontraron en el extranjero, extrañando algo que realmente nunca existió, algo del cual no pudieron estar apartados por mucho tiempo, pero que tampoco han podido recuperar.

 

Guantanamera – Cuba (1995)

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Un camionero, una ama de casa frustrada y el transporte de cuerpos sin vida son algunos de los elementos  usados en Guantanamera, una película que puede ser descrita tanto como una comedia o sátira, como un drama, o incluso como una road movie. Lo que si esta claro es que esta obra reperesenta una aguda pero cómica mirada a la sociedad cubana y a su revolución durante la década de los noventa.

Es así como nos encontramos con una gama de diversos personajes que van desde los más leales al gobierno hasta, pasando por los revolucionarios desilusionados, hasta los que son indiferentes a la situación en que vive el país. Todos estos personajes se van a entrelazar en el transcurso de esta historia que –como todas las road movies– se van a encontrar a traves de viajes que tienen que hacer por diversos motivos. La historia comienza con Yoyita (Conchita Brando) que vuelve a Guantánamo después de cincuenta años y de una destacada carrera como cantante, para visitar a su sobrina Gina (Mirta Ibarra). Este viaje también le sirve para reencontrarse con Cándido (Raúl Eguren), su gran amor de juventud. Después de un tierno, pero breve reencuentro, Yoyita fallece súbitamente y su cuerpo debe ser trasladado a La Habana.

Es así como conocemos a Adolfo (Carlos Cruz), el marido de Gina, el que se encarga de la operación de trasladar el cuerpo. Afolfo, un leal funcionario del gobierno, ahora venido a menos por alguna razón desconocida, ve en este traslado, una oportunidad para limpiar su imágen y volver a la gloria. Es así como trata de ingeniar un plan para lograr la máxima eficiencia durante este viaje. Gina, en tanto, una ex profesora de economía y ahora ama de casa, siente que no está viviendo plenamente, con un marido que no la deja trabajar, y de lo único que se preocupa es su carrera.

Paralelamente, vemos a Mariano (Jorge Perugorría) y su amigo Ramón (Pedro Fernández), ambos camioneros,  los que también están viajando por la carretera cargando distintos productos. Por cosas del destino, Mariano, que se graduó de ingeniero, se reencuentra con Gina, a la cual conoció cuando ella era su profesora. Sentimientos del pasado vuelven a aflorar producto de este encuentro casual, indicando que algo pudo haber pasado entre ellos dos. La “relación” entre Mariano y Gina es representativa de lo que Alea esta describiendo en esta película: algo que pudo ser pero que por diversas razones no se concretaron. Mariano y Gina pudieron haber sido amantes pero no lo fueron. Gina pudo haber continuado siendo profesora, pero ya no ejerce esta profesión. Mariano, por su cuenta, estudió ingeniería, pero tampoco puede ejercer como ingeniero professional. Por su centa, Yoyita y Cándido también pudieron haber estado juntos, pero por cosas del destino, no se pudo concretar.

Conversaciones con mamá – Argentina (2004)

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Dirigida por Santiago Carlos Oves, esta película cuenta la historia de Jaime (Eduardo Blanco), economista de clase media alta que parece tenerlo todo: exitoso, casado, y con dos hijos. En las propias palabras de Jaime, es el hombre que todos aspiran ser. Sin embárgo, un día es despedido repentinamente debido al mal momento por el que atraviesa su compañía. Esto le altera significativamente su vida: no puede pagar las cuotas de la casa, y tampoco es capaz de pagar la colegiatura de sus hijos, teniendo que deshacerse de su vehículo para solventar parte de sus gastos y ya está pensando en la posibilidad de emigrar del país. Todo esto le ocurre en medio de una crisis matrimonial.

Mientras la vida de Jaime se le está derrumbando frente a sus ojos, conocemos a su madre (China Zorrilla), viuda de hace muchos años y que vive en un departamento que le pertenece a su hijo. Justamente este departamento es la única salvación que le queda a Jaime. Tiene que vender el departamento para poder salir de la crisis financiera. El único problema que Jaime debe resolver, es decidir que va a hacer con su madre, y eventualmente resuelve que ella debe vivir con él y su familia. Su mamá se opone y no tiene ningún problema en explicarle a su hijo lo que ella piensa de sus nietos, su nuera Lucrecia, y sobre todo su consuegra, a la cual odia sin reparos. Pero hay una razón más fuerte por la cual ella se resiste a evacuar el departamento: tiene un novio, Gregorio (Ulises Dumont) y él se ha ido a vivir con ella.

Esta cinta logra tocar estos temas serios, tales como la crisis financiera, el desempleo, la soledad, y la crisis matrimonial, con una buena dosis de humor. En ésto, el personaje de la madre es fundamental. Ella tiene más de ochenta años, y ya lo ha visto todo y ha vivido una vida que no ha sido fácil. Por lo tanto, ella no piensa que los problemas de su hijo sean graves y no les da mucha importancia. Piensa que muchos problemas tienen fácil solución, y que las personas son las que complican todo. Esta manera de pensar se contrasta con la mirada lúgubre que tiene Jaime hacia la vida en un comienzo, y es justamente a través de este contraste que se producen los intercambios más memorables de esta película. A través de estas conversaciones, a veces serias, y a veces cómicas, Jaime comienza a revisar su vida y a pensar en lo que realmente es importante para él.

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El discurso del Rey

El discurso del Rey

Discurso

 

El duque de York se convirtió en rey de Inglaterra con el nombre de Jorge VI tras la abdicación de su hermano mayor, Eduardo VIII.
Su tartamudez, que constituía un gran inconveniente para el ejercicio de sus funciones, lo llevó a buscar la ayuda de Lionel Logue, un experto logopeda que intentó, empleando una serie de técnicas poco ortodoxas, eliminar este defecto en el habla del monarca

Título original: The King’s Speech
Año: 2010
País: Reino Unido
Género: Drama
Director: Tom Hooper
Guión: David Seidler
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce, Timothy Spall, Derek Jacobi, Eve Best, Jennifer Ehle, Claire Bloom
Productora: Coproducción GB-Australia; UK Film Council – The Weinstein Co. – Momentum Pictures – Aegis Film Fund – Molinare London – Filmnation Entertainment

Premios

2010: 4 Oscars: mejor película, director, actor (Colin Firth) y guión. 12 nominaciones
2010: Globos de Oro: Mejor actor (Firth). 7 nominaciones, incluyendo película drama
2010: 7 Premios BAFTA, incluyendo Mejor película y actor (Firth). 14 nominaciones
2010: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del Público)
2010: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Colin Firth)
2010: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera
2010: Premios David di Donatello: Mejor film de la Unión Europea
2010: Premios Goya: Mejor película europea
2010: Satellite Awards: Mejor actor (Colin Firth) y guión original
2010: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Firth). 3 nominaciones
2010: 2 Critics’ Choice Awards: Mejor actor y guión original. 11 nominaciones
2010: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor (Colin Firth). 6 nominaciones
2011: 3 Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Firth), montaje y Premio del público
2010: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
2010: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Firth) y mejor reparto. 4 nominaciones
2011: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera
2011: Premios Gaudí: Mejor película europea

 

 

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Cita a ciegas

Cita a ciegas

 

Cita-A-Ciegas

 

Un joven ciego se somete a un procedimiento experimental una cirugía cerebral que le puede conceder visión parcial.  Durante el tiempo de exámenes se enamora de una enfermera que ya esta comprometida para casarse en una boda previamente concretada una promesa que ella no puede romper sin deshonrar a su familia Cuando la cirugía del hombre se complica la crisis afecta la unión de los dos.

Título original: Blind Dating
Género: Comedia romántica
Año: 2009
País: Estados Unisdos
Dirección: James Keach
Guión: Christopher Theo
Producción: James Keach, Joy Mellins, David Shanks.
Música: Heitor Pereira
Fotografía: Julio Macat
Edición: Larry Bock

 

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Como si fuera cierto

Como si fuera cierto

 

comosifueracierto

 

Como si fuera cierto es una película estadounidense dirigida por Mark Waters y protagonizada por Reese Witherspoon y Mark Ruffalo. La película está basada en la novela homónima.

Elizabeth Masterson (Reese Witherspoon), una médica dedicada a su trabajo, prácticamente no tenía tiempo para nada. Cuando su hermana, que tiene dos hijas, le arregla una cita, Elizabeth tiene un accidente automovilístico y queda en coma. Entretanto, un arquitecto paisajista llamado David Abbott (Mark Ruffalo) se muda a San Francisco y, casualmente, al apartamento de Elizabeth, que estaba para alquilar.

David cree que se trata de un malentendido, pero no puede impedir, ni siquiera cambiando la cerradura, que Elizabeth entre y salga a su antojo de la vivienda. Ella no recuerda quién es, quién es su familia, ni qué hizo. Sólo recuerda que ese es su apartamento y en qué lugar estaban las cosas. Para terminar con los problemas, David acepta averiguar quién era Elizabeth. Cuando se acercan a descubrir la verdad, comienzan a enamorarse y cuando finalmente se enteran, se dan cuenta de que el destino los unió.

Título original: Just Like Heaven
País: Estados Unidos
Género: Comedia romántica
Guión: Peter Tolan & Leslie Dixon (Novela: Marc Levy)
Música: Rolfe Kent
Fotografía: Daryn Okada
Reparto: Reese Witherspoon, Mark Ruffalo, Donal Logue, Jon Heder, Dina Spybey, Ben Shenkman, Ivana Milicevic, Rosalind Chao
Productora: DreamWorks

 

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Mientras dormías

Mientras dormías

 

mientrasdormias

 

Sandra Bullock es Lucy, una solitaria trabajadora del metro, enamorada de un pasajero muy guapo que ve todos los días. Un día Peter tiene un accidente en el metro y, aunque Lucy le salva la vida, queda en estado de coma. Cuando va a visitarlo al hospital, y los familiares de Peter creen que ella es su prometida, Lucy no se atreve a decirles la verdad. La situación se complica porque Jack, el hermano de Peter, empieza a sospechar que Lucy no es la novia de su hermano.De repente se ve celebrando la Navidad en casa de la familia del hombre y enamorada de su hermano, Jack. Pero cuando el hombre sale del coma, Lucy se encuentra en la peor situación de su vida.

 

Título original: While You Were Sleeping
Año: 1995
Género:  Comedia romántica
País:  Estados Unidos
Director: Jon Turteltaub
Guión: Daniel G. Sullivan & Fredric Lebow
Música: Randy Edelman
Fotografía: Phedon Papamichael
Reparto: Sandra Bullock, Bill Pullman, Peter Gallagher, Peter Boyle, Glynis Johns, Jack Warden, Micole Mercurio, Monica Keena, Jason Bernard, Michael Rispoli, Ally Walker, Marcia Wright
Productora: Hollywood Pictures / Caravan Pictures
Premios: 1995: Globos de oro: Nominada Mejor actriz – Comedia o musical (Sandra Bullock)

 

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La Última Luna

La Última Luna

 

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Hasta el momento, en todos nuestros artículos para esta revista, hemos explorado cintas latinoamericanas con historias que transcurren fundamentalmente en Latinoamérica. Esta vez vamos a hacer una excepción. Viajaremos miles de kilómetros para explorar el medio oriente, a través de la cinta La Última Luna, una interesante e innovadora propuesta por parte del director chileno Miguel Littin (Tierra del Fuego, El Chacal de Nahueltoro) filmada en Palestina e Israel y estrenada en el año 2005.

La cinta abre con una pequeña introducción entregándonos el contexto histórico en el cual se desarrolla esta película. La historia transcurre a comienzos del siglo XX, durante la Primera Guerra Mundial, y Palestina se encuentra bajo el dominio turco otomano, un  imperio que después de varios siglos, se encuentra en su crepúsculo, debido a las exitosas campañas por parte de los británicos y sus aliados árabes. Gracias a ésto, los sueños de una Palestina independiente se van acrecentando hacia el final de la guerra. Sin embargo, al mismo tiempo, estos sueños se ven complicados por la incesante llegada de emigrantes judíos procedentes de todo el mundo, aunque en su mayoría provenientes de Europa. Muchos de éstos se dedican a comprar tierras para construir casas o para establecer cooperativas agrícolas denominadas kibbutz.

En el medio de este ambiente tenso, se encuentran dos hombres, Solimán, (interpretado por el actor palestino Ayman Abu Alhuzolof), un joven árabe de religión cristiana, y su amigo judío Jacob (interpretado por Alejandro Goic). Jacob ha llegado a la aldea de Beit-Sajur desde Argentina para comprar unas tierras con el propósito de establecerse allí y construirse una casa. A pesar de que la presencia de Jacob no es vista con buenos ojos, Solimán le abre las puertas de su hogar y lo apoya incondicionalmente. Él decide ignorar muchas de las advertencias, entre ellas, las de su primo Gorbacha (Mahmoud Awad) relacionadas con la llegada de los judíos y la creciente influencia de éstos en Palestina.

Problemas no faltan y rencillas hay bastante. Durante  una de las tantas escaramuzas, una joven judía, Alinne (Francisca Merino) queda herida después de recibir un disparo por parte de soldados turcos y es encontrada cerca la aldea palestina. Después de que Soliman y su familia cuidan de Alinne, ella logra recuperarse y  convive con ellos por un tiempo antes de retornar a su kibbutz. Aquí, nuevamente Littin nos muestra un ejemplo de amistad y  fraternidad entre árabe y judío aunque es posible que estos lazos sean frágiles y se rompan en un futuro cercano.

Las historias presentes en esta cinta están basadas en las vivencias de los antepasados palestinos de Littin, los que emigraron a Chile a comienzos del siglo pasado.  Como es una historia muy personal, ciertos aspectos son ignorados por el director. Ejemplo de ésto es la casi nula presencia de árabes musulmanes, los que ciertamente estaban en contacto con los palestinos cristianos y jugando un importante rol político. En su reemplazo, Littin nos entrega información de palestinos ya establecidos en “América-Chile” y de sus impresiones en su nuevo país.  Así aprendemos de la suerte de algunos palestinos en Chile: de una tienda, “La Última Luna” que lograron establecer y de la curiosidad que sienten ellos al ser llamados “turcos” por los chilenos. Vemos además como otros se preparan para su viaje al nuevo continente, con la esperanza de tener una mejor vida, lejos de conflictos.

La propuesta de Littin no deja de ser innovadora, pues, a pesar de ser una producción chilena, los diálogos  están en su mayoría en árabe junto con unos cortos pasajes en hebreo. La mezcla de actores chilenos y palestinos funciona bien. Sin embargo, el doblaje usado para la voz de los actores chilenos a ratos no se ve muy pulido y es uno de los puntos débiles de esta película. Si bien la historia se concentra principalmente en Solimán y Jacob, Littin hace buen uso de sus personajes secundarios, principalmente el primo Gorbacha y Alinne.  Tamara Acosta, en su rol de Matty, esposa de Solimán, logra una actuación adecuada, si bien bastante breve y no muy influyente. Indudablemente, la mayor fortaleza de esta cinta radica en la historia que nos entrega Littin (el que también escribió el guión). Una historia de árabes y judíos, representados por dos amigos, unidos y divididos por la misma tierra, una historia que parece lejana y cercana al mismo tiempo.

Junto con una enigmática banda sonora de Wassim Qassis, además de buenas actuaciones y una interesante historia, La Última Luna de Miguel Littin se destaca como una película bastante recomendable. Esta cinta va a complacer, no sólo a los seguidores del trabajo de Littin, sino  también a todos aquellos espectadores que les interese un cine distinto, más íntimo y humano.

 

 

Claudio Bringas

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Hachiko

 

Hachiko

 

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La película, basada en una historia real, narra la lealtad de un perro llamado Hachiko. Parker Wilson, un profesor universitario que da clases de música, recoge un día a un perro de origen japonés y raza Akita, al que encuentra abandonado en una estación. Como nadie lo reclama, se lo lleva a su casa. Parker va descubriendo entonces los entrañables lazos que pueden unir a una persona y a un animal.  Apodado “Hachi”, este perro acompaña a su amo, Parker (Richard Gere), a la estación de tren cada mañana para despedirse de él, y luego regresa cada tarde para darle la bienvenida. Pero su rutina se ve rota por una desgracia. La historia de Hachi nos muestra la devoción de un perro fiel a su amo y cómo el más simple de los actos puede llegar a ser el más grande gesto.

Remake de la película japonesa “Hachiko monogatari” (1987) dirigida por Seijirô Kôyama y basada en la historia real de un perro tan fiel a su dueño que iba todos los días a esperarlo a la estación. Actualmente, en esa estación, existe una estatua de bronce erigida en su honor.

Título original: Hachi: A Dog’s Tale (Hachiko: A Dog’s Story) aka
Año: 2009
País: Estados Unidos
Género: Drama
Director: Lasse Hallström
Guión: Stephen P. Lindsey (Remake: Kaneto Shindô)
Música: Jan A.P. Kaczmarek
Fotografía: Ron Fortunato
Reparto: Richard Gere, Joan Allen, Sarah Roemer, Jason Alexander, Cary-Hiroyuki Tagawa, Erick Avari, Davenia McFadden, Robert Capron, Kevin DeCoste, Bates Wilder, Robbie Sublett, Rob Degnan, Tora Hallstrom
Productor: Grand Army Entertainment / Inferno Distribution / Shochiku Kinema Kenkyû-jo

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Rebelión en la granja

Rebelión en la granja

 

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Rebelión en la granja es una versión cinematográfica de la novela (1945) de George Orwell del mismo nombre que representaba una alegoría política sobre la revolución bolchevique y el posterior sistema comunista. La película cuenta la historia de cómo los animales de una granja organizan una elaborada y exitosa revuelta contra su dueño humano. Jones es un tirano borracho, que maltrata día a día a los animales.

Caballos, cerdos, ovejas y muchos animales más, planean la rebelión para instaurar en la granja sus propias normas y liberarse de la dictadura del humano. Pasará el tiempo, y los animales tendrán que combatir con los cerdos, que pasaran a ser los nuevos tiranos, responsables de un sistema opresor y despiadado.

Una noche, cuando el granjero Jones se ha ido a dormir borracho, todos los animales de la Granja Manor deciden luchar contra el hombre que los maltrata. Los animales planean una rebelión para acabar con la dictadura actual, se hacen con la granja: instauran sus leyes y sus propias normas, pero no será fácil crear un nuevo sistema político. Con el tiempo los cerdos se convertirán en los nuevos tiranos creando un sistema opresor y despiadado.

Título original Animal Farm
Año:1999
País:Estados Unidos
G{enero: Drama
Director: John Stephenson
Guión: Alan Janes & Martyn Burke (Novela: George Orwell)
Música: Richard Harvey
Fotografía: Mike Brewster
Reparto: Pete Postlethwaite, Alan Stanford, Caroline Gray, Gail Fitzpatrick, Jimmy Keogh, Noel O’Donovan, Gerard Walsh, Jer O’Leary
Productora: Hallmark Entertainment

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